Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#345 - S - "Vertical 3".

Sprutmålning i akryl på 3 mm plexiglasplatta.
Denna målning är inte en tryckning. Det är ett originellt verk "multi-layer" vars glänsande yta "glossy" som uppkommer ungefär som vid applicering av resin är unik.
Genomskinlighet vid tryckning.

Dimensioner: 9,1 tum x 12,6 tum x 0,12 tum / 23 x 32 x 0,3 cm utan ram.

Denna målning levereras utan ram.
Ram av hög kvalitet från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) rekommenderad och tillgänglig vid frakt för en extra kostnad av 70€ inkl. moms.

Verket är signerad på baksidan.
Ett äkthetsintyg följer med.
Leveranstiden är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk visas över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och val på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av naturskönhet och den kulturella rikedom som mitt hemland erbjuder. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterande med otaliga acrylics i anteckningsböcker i A4 och sedan A3 – jag har alltid känt att stora bilder når en direkt, dominerande och skrämmer, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till nonfigurativ måleri och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material eftersom de resonnerade med min utforskning av människans existens och naturens och livet s djupare sanningar.

Men vägen till att verkligen bli konstnär var inte omedelbar.

Under mer än tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt synsätt och utsatte mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Var jag än gick sammnte jag mig med de lokala konstscenerna och mötte den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konsten alltid en del av mig, sakta kokande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta mig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit enorm tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och uppleva genuina upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha pensionerat mig från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt målning. Jag etablerade min ateljé i Paris och började helt ägna mig åt min konst. Mot slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande och fann plats i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större ateljé i en tomt gardrob i Lisieux, Normandie.

Künstlerisch CV

Mitt första soloutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en distinkt syn på konsten, skild från traditionella måleritekniker: jag målar med akryl, metalliska pigment och sprayer på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process gör att jag inte kan se arbetet när det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” - allt är tillåtet för att kortsluta förnuftet! - att vägleda resultatet, skikten och spegeleffekterna jag skapar, och ge utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket äntligen ställs ut. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar aldrig slumpen besluten; som mest frågar slumpen efter frågorna; meningsfulla “skenbara” är bara möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelse / fixeringprocessen i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser men ger varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är glad när jag känner igen “oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt upptäcker när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod avsiktligt enkel. Varken “känsla” eller “teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken “snabb konsumtion” eller “intellektualisering / intellektuell besittning”, utan vidgning av medvetandet och utforskning av verkligheten, av dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en jakt efter “livet vid livets kärna”, det som Alain Damasio kallar “le vif”. Även om nostalgi alltid har varit en del av mitt arbete är mina målningar utan objekt. Liksom alla föremål är de objekt av sig själva. Således har de varken innehåll, mening eller syfte; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, vilka också saknar orsak att vara, ände eller mening. Samtidigt som mitt arbete ibland kan framkalla transparens och luminositet i färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan skymta sin egen siluett, som skiljer sig åt varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, förändras, ser. Ljusspelet, färg och textur, de saknade delarna kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer spelet mellan “detaljer nära” - en detalj i en bild är en helt ny bild - och “avstånd till helheten” att uppmuntra åskådare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill vara ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättande och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som pressar mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Att måla för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter färg så perfekt att den inte behöver oss. Åldern av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken multiplicerar passionen för att se."

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där koncept och form väger lika mycket, söker jag skapa arbete som definieras inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar – skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas – är de stilla resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på den slutliga bilden än på det lugna samspelet av tanke och process som tillåter den att framträda.

Denna praxis vilar på tre samordnade avsikter.

Den första är en tillbakadragning från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som “utan objekt” och ha “varken innehåll, mening eller syfte”, hoppas jag mjukt lossa förväntningen på narration. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot ett mer direkt tittande.

Detta leder till den andra avsikten: Primat av upplevd erfarenhet. I det öppna utrymmet försöker jag införa vad jag kallar en “upplevelse av att vara.” Verket blir mindre ett objekt att tolkas än en tyst händelse att kännas – formats av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta påpekar, verket “lever, det förändras, det ser.”

Det tredje är där idé möter hand: Process som inkapslad tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbeta utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik av att släppa kontrollen. Det är en medveten frigivning av kontroll i skapandets ögonblick. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ”objekt av sig självt”, fullt avslöjat först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett tålmodigt väntande på vad som kommer här och nu.

Att hålla fast vid dessa avsikter är några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘skenbara’”, men de är endast möjliga inom noggrant avgränsade ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas kunna “kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd – en ljusstruktur, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgi för nuet
En mjuk nostalgi ligger kvar i verket, men den riktas nyfiket mot nuet: längtan efter de “oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt lugnt erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar på ett resultat som känns autonomt, som om det “uppstod av egen kraft.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att “åldern av det informella bara har börjat.” Min praktik är i skuld till andan av Art Informel, kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellitet där slumpen inte är ett brott, utan en lugn medarbetare.

I dess kärna är en sökande efter “le vif” – det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är avsedd att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta helt enkelt en konstens väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praktik grundad i lugna paradoxer inte behöver vara ömtålig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner