European School (XVII) - NO RESERVE - The Descent from the Cross - After Rubens

Technische Daten

Öl auf Leinwand.
Maße: 81 × 61 cm; mit Rahmen 98 × 78 cm.
Barocke flämische Schule, Ende des 16. Jahrhunderts – Anfang des 17. Jahrhunderts.
Europäische Schule (XVII) nach Rubens.
Unterstützung: altes Leinen, neu aufgezogen, mit modernerem Hinterrahmen.
Zustand: feines, generalisiertes Craquelé, Verdunkelung der Lacke und leichte Oberflächenabrasionen; die bildnerische Struktur bleibt stabil und lesbar, mit gut integrierten Restaurierungen.
Marco: schlichter schwarzer Rahmen mit goldenem Innenfilet, inspiriert vom Barock, der den sakralen und musealen Charakter des Werks unterstreicht.

Argumente für eine Attribution an den Workshop / Kreis von Rubens

Das allgemeine Kompositionsschema – die diagonale Hauptlinie des Leibes Christi, eine kompakte Gruppe von Figuren, die ihn umgeben, das Kreuz, das teilweise außerhalb des Rahmens liegt – ist vollständig mit den rubenianischen Formeln für den Descendimiento vereinbar, die durch Leinwände und Radierungen bekannt sind, die aus seinem Atelier verbreitet wurden.

Die anatomische Behandlung des Körpers Christi, mit robuster Muskulatur und serpentinenartiger Torsion, offenbart ein direktes Wissen über die klassischen und miguelangelesken Modelle, die Rubens intensiv studierte.

Die Hände und Köpfe einiger Figuren, insbesondere des bärtigen Mannes, der das Leinentuch hält, zeigen eine Konzeption, die dem Meister sehr ähnlich ist, obwohl die Ausführung das letzte Maß an Verfeinerung vermissen lässt, was auf das Eingreifen eines qualifizierten Helfers hindeutet, der einem rubensischen Karton oder Skizze folgte.

Die warme Farbpalette aus goldenen Hauttönen, leicht zerbrochenem Weiß und tiefen Rottönen sowie die Verwendung dunkler Lasuren zur Vereinheitlichung der Schatten sind Teil der technischen Praxis der Rubens-Schule der frühen Jahrzehnte des 17. Jahrhunderts.

Die Dichte und das Alter, sichtbar im Rissmuster, zusammen mit der Struktur des darunter liegenden Zeichnungsaufbaus, die unter den Farbschichten erahnt werden kann, scheinen mit einer Ausführung aus der Epoche kompatibel zu sein, nicht mit einer späteren akademischen Kopie.

Nichtsdestotrotz laden bestimmte Starrheiten in der Darstellung der Nebenfiguren, die geringere Lichtbrillanz und die etwas härtere Modellierung einiger Gesichter dazu ein, dieses Gemälde eher dem Atelier oder einem nahen Kreis zuzuordnen, als es in der direkten Hand von Rubens zu sehen ist. Eine vorsichtige Zuschreibung 'attrib. workshop of Peter Paul Rubens' bleibt einer technischen Untersuchung vorbehalten (Röntgenaufnahmen, Infrarotreflektografie und Pigmentanalyse), die den Grad der Nähe zum Meister genauer bestimmen könnte.

Ästhetische Bewertung, Rahmen und Sammlerpotenzial

Trotz der Verdunkelung der Lacke bewahrt das Werk eine große dramatische Kraft und eine sehr intensive Andachtspräsenz, mit einem Rhythmus aus Diagonalen und Blicken, der den Betrachter durch die Szene führt. Das Gemälde besitzt die theatralische und emotionale Qualität, die in der barocken Malerei mit passionalem Thema gesucht wird, und steht deutlich über der durchschnittlichen Produktion seiner Zeit.

Der schwarze Rahmen mit goldenem Rand – von nüchternem Geschmack, wahrscheinlich später, aber gut gewählt – steht in effektivem Dialog mit dem Werk: Er verstärkt den Hell-Dunkel-Kontrast, verleiht liturgische Ernsthaftigkeit und ermöglicht eine sofortige Präsentation in einem musealen Kontext oder in einer spezialisierten Sammlung alter Gemälde.

Aus sachverständiger Sicht handelt es sich um ein Stück von hohem Interesse für den Markt der alten flämischen Malerei, insbesondere aufgrund seiner kompositorischen und stilistischen Nähe zum rubenianischen Universum.

Eine professionelle Restaurierung, die Lacke reinigt und die Oberfläche stabilisiert, zusammen mit einer gründlichen technischen Untersuchung und der eventualen Veröffentlichung im katalog razonado oder in einer spezialisierten Ausstellung, könnte ihre Wertschätzung erheblich steigern und sie in eine Bewertungsrange einordnen, die den besten Werkstättenwerken eines der begehrtesten Meister des europäischen Barock entspricht.

Kompositorische und ikonografische Beschreibung

Die Szene zeigt den Herabstieg Christi, mit dem leblosen Körper Jesu, der vom Kreuz gelöst und den Figuren am Fuße des Kreuzes übergeben wird.

Die Komposition ist deutlich vertikal, aufgebaut um eine kraftvolle Diagonale, die von der oberen linken Seite – dem Querbalken des Kreuzes und dem weißen Tuch des Leichentuchs – bis zum Körper Christi verläuft, der von mehreren Figuren gehalten wird.

Im oberen Bereich manipulieren zwei Männer, die auf der Leiter stehen, das Leinentuch und erzeugen eine leuchtende Masse, die im Kontrast zum dunklen Hintergrund steht. Unter ihnen halten ein bärtiger Mann – wahrscheinlich José de Arimatea – und eine andere Figur den Oberkörper und den Arm von Christus.

Am unteren Rand versammeln sich die heiligen Frauen, darunter eine jugendliche Figur in Rot, die den Arm zum Körper Jesu hebt, und eine kniende, die den Blick auf den Betrachter richtet und so die emotionale Verbindung verstärkt.

Das Chiaroscuro umhüllt die Szene in einer dramatischen Atmosphäre: Der Hintergrund bleibt im Halbdunkel, während die Gesichter, Hände und Hauptfalten in warmem Licht hervortreten, wodurch die Aufmerksamkeit auf den Körper Christi und die Gesten von Schmerz und Andacht gelenkt wird.

Die Menge entspricht einer vollständig kontrareformatorischen Sprache, die für fromme Kontemplation gedacht ist.

Stil, Schule und Kontext Rubeniano

Die volumetrische Behandlung der Körper, mit kraftvoller Muskulatur und dynamischen Torsionen, positioniert das Werk im Bereich des ersten flämischen Barock. Der Pinselstrich ist locker, aber diszipliniert, mit großzügigeren Pastosen bei den Fleischfarben und Stoffen, und einer Palette, die von goldenen Ockern, rötlichen Erdtönen, gedämpften Grün- und warmen Schwarztönen dominiert wird, sehr ähnlich dem chromatischen Repertoire von Rubens in seiner frühen Phase.

Die Komposition erinnert an die von Rubens für Passionsmotive entwickelten Modelle: pyramidale Struktur, verschobenes Kreuz, Anordnung der Figuren um Christus und die Verwendung von gekreuzten Diagonalen, um den Blick zu lenken.

Die Gesichter zeigen rubensartige Gesichtstypen – gerade Nasen, mandelförmige Augen, dichte Bärte – wenn auch mit einem etwas trockeneren und weniger raffinierten Finish als in den Originalwerken, ein Merkmal, das bei Werkstattarbeiten üblich ist.

Es sind Echos der italienischen manieristischen Tradition (Tintoretto, die Bassano) in den Skizzen und in der leidenschaftlichen Gestik der Figuren zu erkennen, durchdrungen von der barocken Synthese, die typisch für Rubens Umfeld ist, das zwischen Italien und Antwerpen um 1600–1620 aktiv war.