Anton Kaestner - #385 - S - " Chromatic MR10 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del estudio.
#385 - S - " Chromatic MR10 ".

Acrílico en aerosol sobre placa de plexiglás de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multi-capa" cuyo acabado brillante "glossy" cercano a la aplicación de una resina es único.
Transparencia en impresión.

Dimensiones : Pulg. 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (Pulg. 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible durante el envío por un importe adicional de 70€IVA incluido.

La obra está firmada en la parte posterior.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo con base en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana 7/10 mayo 2026.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi país. La creatividad se valoraba en mi familia, y fue mi difunto abuelo, un artesano y artista, cuyo influencia sembró la semilla de lo que eventualmente se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993, empecé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que los cuadros grandes te vienen directamente encima, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajó inicialmente la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, perseguí una carrera internacional en los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me involucraba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera, el arte siempre formó parte de mi, cocinándose tranquilamente bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí —una manera de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo probar mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me dediqué por completo a la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacía en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás extruido reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que recibo con agrado. Permito experimentos “aleatorios” —todo vale para sabotear la razón— para guiar el resultado, las capas y efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone finalmente. Pero para ser claros: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; como máximo, la casualidad plantea preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que se asocia con el proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, al mismo tiempo que confieren a cada obra una cualidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos quedamos en silencio y en la luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica”, sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización / posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles, mi arte es una búsqueda de “la vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “le vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi trabajo a veces pueda evocar la transparencia y la luminosidad del vitral, sigue siendo casi totalmente abstracto. Además, el plexiglás ofrece a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes que faltan también, solo requiere empatía. Espero que el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “la distancia para el todo” anime a los espectadores a emprender sus propios recorridos introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero seguir siendo humilde sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a perfeccionar mis habilidades y explorar más lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de generar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde concepto y forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillos de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados tranquilos de una larga y deliberada indagación. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la interacción silenciosa entre pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica descansa sobre tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Impuesto. Describiendo las obras como “sin objeto” y con “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y dirigirse a una forma de mirar más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un suceso tranquilo que se siente, modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo de quien contempla encontrando su propio mirada. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en la cara inversa del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente de control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero cedo el resultado, dejando que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, plenamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una paciencia esperando lo que llega “aquí y ahora”.

Mantener estas intenciones implica algunos parejos suaves que sostienen el trabajo:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es un invitado bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Tal vez lo que se comparte no es una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero curiosamente orientada al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” encontradas en el “silencio y la luz”: un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo Sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por su propia voluntad”. Me atrae lo que se siente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era del informal acaba de empezar”. Mi práctica debe su deuda al espíritu del Arte Informel, aunque quizá con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora discreta.

En el fondo, es una búsqueda de “le vif” —el núcleo vivo. El trabajo se inclina hacia la experiencia directa más que a la intelectualización. El tamaño modesto que a menudo elijo está destinado a fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencioso conflicto paradójico no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner