Anton Kaestner - #386 - S - " Chromatic MR11 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#386 - S - " Chromatic MR11 ".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.
Transparencia en impresión.

Dimensiones: Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de alta calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible al momento del envío por un importe adicional de 70€ IVA incluido.

La obra está firmada por detrás.
Un Certificado de Autenticidad la acompaña.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana 7/10 mayo 2026.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi país. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi abuelo fallecido, un artesano y artista, quien influyó sembrando la semilla de lo que eventualmentе se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993, comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te llegan de frente, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. En un principio me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó por todo el globo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me involucraba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una forma de escapar del mundo y centrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me dediqué por completo a la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme enteramente a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas en toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande, en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, “Échos”, realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra mientras se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que recibo con agrado. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para obstruir la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone finalmente. Pero aclarémoslo: en mis cuadros, la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad hace las preguntas; los “coincidencias” significativas sólo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que sintoniza con el proceso de revelado/fijación de la fotografía, resulta desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, dándole a cada obra una calidad “ascética”: me alegra cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente sencillo. Ni la “emoción” ni la “concepción teórica”, sino la experiencia de ser. Ni el “consumo rápido” ni la “intelectualización / posesión intelectual”, sino una ampliación de la conciencia y la exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “le vif”. Aunque la nostalgia siempre forma parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos por sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi obra a veces evoque la transparencia y la luminosidad del vitral, sigue siendo casi por completo abstracta. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel que brilla, donde se puede vislumbrar la propia silueta, única para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de luz, color y textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Espero que el juego entre “detalles para el acercamiento” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “la distancia para el conjunto”, anime a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad ante lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a perfeccionar mis habilidades y a explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio cotidiano, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era del informal acaba de comenzar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver".

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear un trabajo definido no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas —campos danzantes de color y luz dentro del plexiglás— son los silenciosos resultados de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la quieta interacción entre pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de un Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al decir que no tienen “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y acercarse a un modo de mirar más directo.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento situar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento tranquilo para sentir, modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo del espectador encontrando su propia mirada. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Incorporado. Pintar en la parte trasera del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero cedo el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto por sí mismo”, revelado plenamente solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora”.

Sostener estas intenciones implica algunos suaves paradoxos que sostienen la obra:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias” significativas, pero sólo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es una invitada bienvenida, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo meaningless (sin sentido). Quizás lo que se comparte no es una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permea la obra, y sin embargo está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” halladas en la “silencio y la luz”: un deseo de pura presencia que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo Sin Esfuerzo
El proceso exige atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si hubiera “emprendido por su propia voluntad”. Me atrae lo que parece inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era del informal apenas ha comenzado”. Mi práctica debe mucho al espíritu del Arte Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma, una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En su esencia, es una búsqueda de “le vif” —el núcleo vivo. El trabajo se inclina hacia la experiencia directa más que hacia la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo busca fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencioso parásito no debe ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, creo que estas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner