Anton Kaestner - #395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
Mi primera pintura en vidrio, un vidrio recuperado en Marruecos en 1994.
#395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Acrílico en spray sobre placa de vidrio (Marruecos 1994) de 3mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones : Pulgadas 9,3 * 9,8 * 0,12 / 23,5 * 25 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (Pulgadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible en el momento del envío por un importe adicional de 60€IVA incluido.

La obra está firmada por detrás.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo con base en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición - Lausana 7/10 mayo 2026.

Biography

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, un artesano y artista, quien sembró la semilla de lo que acabaría convirtiéndose en la pasión de mi vida.
En 1993, empecé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes llegan directo a ti, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Primero me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, desarrollé también una afinidad por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, persiguí una carrera internacional en los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Donsequiera que fui, me sumergí en las escenas artísticas locales y me conecté con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera, el arte siempre formó parte de mí, humeándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí—una manera de escapar del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera en los negocios, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó reconocimiento rápidamente, encontrando hogar en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacía en Lisieux, Normandía.

Artistic CV

Mi primera exposición individual, "Échos", realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra mientras se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que recibo con gusto. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para acortar la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone finalmente. Pero sea claro: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; como máximo, la casualidad formula las preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que dialoga con el proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, a la vez que confieren a cada obra una cualidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles. Mi arte es una búsqueda de “la vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “le vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mis obras a veces evoquen la transparencia y luminosidad de los vitrales, siguen siendo casi completamente abstractas. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel iridiscente donde se pueden entrever la propia silueta, diferente para cada nuevo observador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de luz, color y textura, de las partes faltantes también, solo requiere empatía. Espero que el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “distancia para el todo” anime a los espectadores a iniciar sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me impulsa a perfeccionar mis habilidades y explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver".

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos destellantes de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados tranquilos de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la quieta interacción entre pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacerles “ningún contenido, significado o sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a apartarse de la decodificación, y hacia una forma de mirar más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un quieto evento para sentir—modelado por la luz cambiante, las capas translúcidas y el leve reflejo del espectador encontrando su propia mirada. Como suelo decir, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar sobre el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente de control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero abandono el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto por sí mismo”, plenamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico—una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Mantener estas intenciones implica unos pocos paradójicos suaves que sostienen la obra:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Tal vez lo que se comparte no sea una afirmación, sino un estado—una textura de luz, una presencia silenciosa, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” que se hallan en “el silencio y la luz”—un deseo de pura presencia que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso exige atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por sí mismo.” Me atrae lo que parece perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica debe mucho al espíritu del Arte Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora tranquila.

En su esencia se halla una búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa más que a la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en la paradoja tranquila no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner