Anton Kaestner - #377 - S - " Glass Sea 2 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
Mi segunda pintura sobre vidrio, un vidrio recuperado en Marruecos en 1994.
#377 - S - " Glass Sea 2 ".

Acrílico en spray sobre placa de vidrio de 3mm.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original de múltiples capas cuyo acabado brillante "glossy" cercano a la aplicación de una resina es único.
Transparencia sobre impresión.

Dimensiones: Pulg. 8,9 * 10 * 0,12 / 22,5 * 25,5 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Una pequeña hendidura está presente en la parte trasera; forma parte de la obra.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 (Pulg. 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible en el envío por un monto adicional de 60€IVA incluido.

La obra está firmada por detrás.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exhiben por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual: Ginebra 18/28 de junio de 2026.

Biografía

Nací en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi abuelo fallecido, un artesano y artista, quien influyó sembrando la semilla de lo que eventualmente sería la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes pinturas te llegan de frente, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. En un inicio me atraía la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, desarrollé también una predilección por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para llegar a ser verdaderamente artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me vinculaba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una forma de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que acepto. Permito “experimentos aleatorios” -cualquier cosa vale para sabotear la razón- para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone por fin. Pero para ser claro: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad plantea las preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que resuena con el proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, pero dan a cada obra una cualidad “ascética”: me alegra cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable que descubramos cuando nos detenemos en silencio y la luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia ha sido siempre parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi trabajo a veces evoque la transparencia y la luminosidad del vitral, sigue siendo casi totalmente abstracto. Además, el plexiglás brinda a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, distinta para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de luz, color y textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Ojalá, cuando la gente vea el juego entre “detalles de cerca” -un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva- y “distancia para el todo”, se anime a emprender sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad respecto a lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionarse y crecer. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y a explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de un color de pintura tan perfecto que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de comenzar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

Sobre la coherencia de mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados quietos de una larga y deliberada indagación. Para mí, el verdadero enfoque es menos la imagen final que la quieta interacción de pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una retirada del significado impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a distanciarse de la decodificación y acercarse a un tipo de mirar más directo.

Esto conduce a la segunda intención: la primacía de la experiencia vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que considero una “experiencia de ser.” La obra se convierte en menos un objeto para interpretar que un evento quieto para sentir, modelado por luces cambiantes, capas translúcidas y el leve reflejo del espectador que se encuentra con su propia mirada. Como suelo decir, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el proceso como pensamiento incorporado. Pintar sobre la parte trasera del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, completamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelismo silencioso con el revelado fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Sostener estas intenciones implica algunos paradoxos suaves que sostienen la obra:

Coincidencia y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no es una afirmación, sino un estado: una textura de la luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” que se encuentran en “silencio y luz”, un deseo de presencia pura que la obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención sostenida, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por su propia voluntad.” Me atrae lo que parece perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica debe mucho al espíritu del Arte Informal, aunque tal vez con menos angustia y más calma, una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora tranquila.

En su esencia está la búsqueda del “le vif”—el núcleo vivo. La obra se inclina hacia la experiencia directa más que hacia la intelectualización. la modesta escala que sueles elegir pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.
En último término, esto es simplemente el camino de un solo artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una búsqueda única. He descubierto que una práctica basada en un silencioso paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner