Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#480 - M - " Punta del Este #1 ".

Acrílico en spray sobre plancha de plexiglás de 3 mm (antirreflejo).
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones : Pulg 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 520 chapado Roble Blanco (Pulg 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible al momento del envío por un importe adicional de 90€IVA incluido.

La obra está firmada en la espalda.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra enero 2027.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi patria. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi abuelo, un artesano y artista, cuyo influjo plantó la semilla de lo que eventualmente se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3, siempre he sentido que las grandes imágenes te llegan de frente, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo primero la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé un gusto por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirme en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, perseguí una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó a recorrer el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me involucraba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar de centrarme en mi carrera profesional, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de escapar del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí por completo a la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme plenamente a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó reconocimiento rápidamente, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte posterior de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso evita que vea la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que doy la bienvenida. Permito “experimentos aleatorios” -todo vale para interrumpir la razón- para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza queda expuesta por fin. Pero que quede claro: en mis imágenes la casualidad nunca toma las decisiones; a lo sumo, la casualidad formula las preguntas; coincidencias significativas solo son posibles con un gran grado de disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelación / fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, otorgando a cada obra una cualidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable que descubramos cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización / posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Si bien mi obra a veces puede evocar la transparencia y luminosidad del vitral, permanece casi por completo abstracta. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, color y textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Confiadamente, el juego entre “detalles de cerca” -un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva- y “distancia para el todo”, alentará a los espectadores a embarcarse en sus propias búsquedas introspectivas.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero permanecer humilde sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de suscitar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el paisaje del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados tranquilos de una indagación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la sutil interacción de pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada del Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y con “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que considero una “experiencia de ser.” La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento silencioso para sentir, modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el sutil reflejo del espectador cruzando su propia mirada. Como suelo mencionar, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en la cara posterior del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejarse ir. Es una liberación consciente del control al momento de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí misma” independiente, plenamente revelado solo cuando está completa. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una paciencia que espera lo que llega “aquí y ahora.”

Manteniendo estas intenciones hay algunas paradojas suaves que sostienen la obra:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es una invitada bienvenida, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Tal vez lo que se comparte no es una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” encontradas en “silencio y luz”: un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “emergiera por sí mismo.” Me atrae lo que se siente absolutamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal acaba de empezar.” Mi práctica debe mucho al espíritu del Informalismo, aunque quizá con menos angustia y más calma, una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En su fondo busca el “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende a la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el quieto paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner