Anton Kaestner - #510 - M - " Suncub ".

Obra única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del estudio.
#510 - M - " Suncub ".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm (anti-UV).
Esta obra no es una impresión. Se trata de una pieza original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Esta obra se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 520 en roble blanco (dimensiones 0,23" x 1,38" / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible en el envío por un importe adicional de 90€ IVA incluido.

La obra está firmada por detrás.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza, en Dubái y en Japón. Más información y selección en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra, enero 2027.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad fue valorada en mi familia, y fue mi abuelo, un artesano y artista fallecido, cuyo influencia plantó la semilla de lo que acabaría convirtiéndose en la pasión de mi vida.
En 1993 empecé a pintar de forma privada, probando innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te llegan directamente, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo al principio la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, pursued una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me involucraba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre fue parte de mí, hervando tranquilamente bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí—una forma de liberarme del mundo y centrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción en la pintura. Cada nueva obra es un viaje en el que puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me dediqué por completo a la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme enteramente a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando lugares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas tradicionales de pintura: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte posterior de plexiglás reciclado extrusionado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso impide que vea la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que bienvenido. Permito “experimentos aleatorios” -todo vale para acortar la razón- para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero para ser claro: en mis imágenes, la casualidad nunca toma las decisiones; como máximo, la casualidad formula las preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que se conecta con el proceso de revelación / fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, dando a cada obra una cualidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco las “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepciones teóricas” sino la experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización / posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles, mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “le vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi obra, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi trabajo a veces puede evocar la transparencia y la luminosidad del vitral, sigue siendo casi por completo abstracto. Además, el plexiglás proporciona a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes faltantes también, solo requiere empatía. Ojalá, el juego entre “detalles para lo cercano” -un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva- y “distancia para el todo” incentive a los espectadores a embarcarse en sus propias búsquedas introspectivas.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantenerme humilde sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinando mis habilidades y a explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una manera de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver."

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear una obra definida no por su protagonismo, sino por su presencia. Mis pinturas—campos ondulantes de color y luz dentro del plexiglás—son los quietos resultados de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la tranquila interacción de pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada del Significado Impuesto. Describiendo las obras como “sin objeto” y con “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y dirigirse a una forma de mirar más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte en menos un objeto para ser interpretado que un quieto evento para ser sentido—formado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo del espectador encontrando su propia mirada. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Corporeizado. Pintar en el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, plenamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al revelado fotográfico—una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Sostener estas intenciones implica algunos suaves paradoxos que sostienen la obra:

Azar y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. El azar es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Tal vez lo que se comparte no sea una afirmación, sino un estado—una textura de luz, una presencia quieta, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” que se encuentran en “silencio y luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera emergido por sí mismo.” Me atrae lo que parece inevitable.
En ese espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica debe al espíritu del Arte Informal, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde el azar no es una ruptura, sino un colaborador silencioso.

En su núcleo está una búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. El trabajo se inclina hacia la experiencia directa más que hacia la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo está destinada a fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en un silencio paradójico no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, sostengo que tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner