Claus Bertermann (1965) - Trace

Artiste : Claus Bertermann

SITE OFFICIEL : www.bertermann.art

Claus Bertermann est un artiste contemporain d’envergure internationale dont le profil sur le marché est soutenu par une autorité de marché internationale et par des résultats exceptionnels sur le marché secondaire. Connu pour ses œuvres abstraites puissantes et de grande taille, Bertermann a constamment enregistré des prix élevés dans les maisons de vente les plus prestigieuses du monde. Ses prix de vente les plus élevés comprennent 18 900 € chez Christie's Paris (Retro Zen), 15 240 € chez Sotheby’s Cologne (F5TP#CB), et 15 120 € chez Christie's Paris (Whispershade). Avec d’autres ventes réussies chez Van de Ham, Artcurial, Tajan et Dorotheum, les œuvres de Bertermann constituent un actif sûr pour les collectionneurs sérieux du monde entier.

La nouvelle expressionist série se poursuit

Avec un master en architecture (TU Munich), Bertermann a initialement acquis une reconnaissance mondiale grâce à sa technique des « strates architecturales » — superposer et gratter la peinture à l’huile pour construire une profondeur spatiale. En 2026 il ouvre un chapitre radicalement nouveau : des scènes figuratives dans des couleurs plus vives et chargées d’émotion, guidées par les peintres de l’expressionnisme allemand — un terrain posé dans des coups de pinceau grossiers, avec la ligne au fusain huile posée dessus et jamais travaillée dans le tableau par la suite. « Trace » appartient à cette série et l’oriente vers le静 : une jeune femme à une table d’échecs, une pendule d’échecs à ses côtés, et sa main suspendue au-dessus des pièces qui semblent en verre.

Empreinte artistique internationale

Avec plus de 1 000 œuvres grand format dans des collections privées et institutionnelles à travers le monde — dont un monumental triptyque dans son alma mater, l’Université technique de Munich — Bertermann continue de combler le fossé entre structure rigoureuse et liberté intuitive. Cette offre Catawiki présente une opportunité rare d’acquérir une œuvre clé d’une série nouvelle et passionnante par un artiste dont le dossier international en ventes aux enchères est bien établi.

Détails clés pour les collectionneurs

– Titre : Trace
– Année : 2026
– Dimensions (H x L) : 200 x 150 cm (79 × 59 pouces)
– Support : acrylique et fusain huile sur toile
– Signé par l’artiste sur le recto et le verso
– Œuvre originale unique - MADE BY A REAL PERSON, NOT AI.
– Expédié roulé sans cadre

Ce qui rend cette pièce unique

Les échecs sont le seul jeu à la mémoire parfaite. Une partie disputée à Londres en 1851 — celle que les joueurs d’échecs continuent d’appeler le Jeu des Immortels — peut être rejouée ce soir, coup après coup, exactement tel que cela s’est passé. Chaque décision survit.
Tout le reste est perdu. Personne n’a écrit combien de temps les mains des joueurs ont flotté avant de toucher une pièce, ce qu’ils pensaient, s’ils avaient peur. La notation conserve les coups et oublie les personnes.
Cette peinture fait le contraire.

Regardez le plateau. Les pièces y sont à peine perceptibles : contours gris et blancs sur un fond vert foncé, transparents comme le souffle sur une fenêtre froide, comme si elles étaient déjà en train de se transformer en notation. Les seules choses peintes avec un poids total sont la femme elle-même, les fleurs dans ses cheveux — et la pendule.
Et voici le rebondissement. Ce n’est pas vraiment une peinture sur les échecs. C’est l’un des plus anciens sujets de la peinture européenne, déguisé.

Pendant des siècles, les peintres ont disposé les mêmes objets sur une table pour dire une seule chose : tout passe. Une horloge, car les heures s’écoulent. Des fleurs fraîches, car elles se faneront d’ici la semaine prochaine. Du verre, car il se brise. Ces images s’appellent vanités. Comptez maintenant ce qu’il y a sur la table dans « Trace » : une horloge, des fleurs, et toute une armée en verre. Les trois attributs y figurent. Le jeu d’échecs est le costume.
Seul le crâne manque, le seul objet qui dit au spectateur qui gagne à la fin. Les peintres du Moyen Âge tardif connaissaient la réponse et la peignaient sans hésitation : un homme à la table d’échecs, et en face de lui, la Mort. Dans « Trace », il n’y a pas du tout d’adversaire. La seule autre présence à la table est l’horloge.

Une pendule d’échecs est un instrument étrange. Il a deux faces, et une seule d’entre elles tourne jamais : celle qui appartient au joueur qui doit décider. Appuyez sur le bouton et votre temps s’arrête tandis que celui de quelqu’un d’autre commence. C’est la seule pendule jamais conçue qui ne mesure pas combien de temps vous vivez — seulement combien de temps vous hésitez.

Sa main est exactement là. Ouverte, pâle, suspendue au-dessus des pièces de verre, sans les toucher encore. Selon les règles des échecs, une pièce touchée doit être déplacée. Tant que la main plane, toutes les possibilités restent vivantes. C’est le moment le plus éphémère de tout jeu, et peut-être de toute vie — et c’est le seul moment que aucune notation n’enregistre.

Le tableau le retient. Ses yeux sont baissés, presque clos ; elle ne ressemble pas à quelqu’un qui calcule, elle ressemble à quelqu’un qui écoute. Les fleurs restent fraîches, le verre reste entier, et une pendule peinte peut tourner éternellement sans que son temps ne s’épuiser.

D’où vient le titre. Une trace est ce qui demeure après que quelque chose est passé : pas le résultat, seulement la marque d’une main. Nous ne saurons jamais si elle a gagné. Nous savons seulement qu’elle était là, et qu’elle a hésité avec beauté.

Pourquoi cela vaut le prix

Il s’agit d’une peinture de grande envergure, d’une dimension musée (200 x 150 cm) en format portrait, tirée de la série expressionniste de 2026. Pour les collectionneurs, les œuvres de l’année d’ouverture d’une nouvelle série portent une remarquable provenance, et « Trace » est une peinture à double couche : une figure contemporaine en couleur expressionniste chargée sur la surface, et en dessous l’un des grands genres des maîtres anciens, la nature morte vanité, transportée dans le présent sans aucune skull ou bougie.

C’est aussi l’équivalent naturel de « Gambit » dans la même série — même format, même table, même jeu. Dans « Gambit » un jeune homme regarde en haut depuis le plateau et droit vers le spectateur ; dans « Trace » une jeune femme regarde en bas et vers l’intérieur et ne nous remarque pas du tout. Une peinture parle de l’adversaire, l’autre du temps. Accrochées côte à côte, les deux toiles se complètent ; à elle seule, « Trace » tient un mur avec une présence calme, presque dévotionnelle.

Sur le plan technique, la toile est bâtie en deux mouvements séparés, qui constituent la méthode du travail figuratif de Bertermann. D’abord le fond : la nuit bleu profond, la table vert menthe, le plateau vert foncé et les masses orange, ocre et vert de sa robe sont posés avec des coups de pinceau grossiers et larges qui laissent percevoir le mouvement du bras et ne fixent rien avec précision. Puis le dessin : le fusain huile passe sur ce champ peint et pose les contours — les yeux abaissés, les sourcils et la bouche en bleu foncé, les mèches noires de ses cheveux rassemblées, le contour blanc de la main qui plane, les pièces d’échecs translucides, les deux cadrans de la pendule et les fines lignes du plateau. La ligne dessinée ne suit pas le fond peint qui se trouve en dessous ; elle se pose au-dessus et garde sa propre autorité. Et elle obéit à la même règle vers laquelle la femme hésite encore : une fois qu’une ligne de fusain huile a touché la toile, elle compte. Rien n’est effacé. Liberté en dessous, précision au-dessus — l’instinct d’un architecte pour la structure combiné à l’appétit d’un expressionniste pour la couleur.

Description visuelle et état

La composition montre une jeune femme assise derrière une table d’échecs, vue de la hauteur de la taille, la tête inclinée vers le plateau. Son visage est peint en bleu pâle et blanc, les yeux abaissés, les sourcils, le nez et la bouche dessinés en bleu foncé à l’huile. Ses cheveux foncés sont rassemblés sur le dessus de la tête en mèches noires lâches, ornées de fleurs jaunes, orange et rouges. Elle porte une robe enveloppante avec un décolleté en V, peinte en vermillon, orange, ocre et jaune avec des passages verts et bleus et traversée par des lignes d’huile noire ; à gauche la manche se délite en coups de pinceau orangés et rouges.

Sa main droite, bleu pâle et contourée en fusain huile blanc, pends ouverte au-dessus du plateau, les doigts pointant vers les pièces. Le plateau est un champ vert foncé et presque noir traversé par des grilles orange et bleues faintes. Sur celui-ci se dressent des pièces d’échecs peintes en formes gris et blanc translucides avec des contours en fusain huile blanc et de petites touches orange et rouges. À l’extrémité droite de la table se dresse une pendule d’échecs bleue avec deux cadrans ronds blancs, aiguilles rouges et beiges jaunes, contourée en fusain noir.

Le dessus de la table est une bande de travail au pinceau vert menthe et turquoise qui traverse la toile ; l’arrière-plan est un champ bleu nuit profond et ultramarine, s’éclaircissant vers le cobalt et le turquoise vers le bord supérieur. Les couleurs se coulent et se mêlent visiblement ; la perspective et l’anatomie sont volontairement déformées pour privilégier le poids émotionnel sur le réalisme. L’œuvre est signée en fusain huile jaune en bas à droite.

L’œuvre est non encadrée et non tendue. État excellent. Toutes les irrégularités de surface sont intentionnelles et inhérentes au processus de l’artiste.

Contexte / cadre artistique

Claus Bertermann travaille dans la peinture figurative expressionniste contemporaine, en se concentrant sur des états d’être plutôt que sur une simple représentation. Avec sa série 2026, il a placé la figure humaine dans des situations de couleur chargée, s’en inspirant directement de l’héritage de l’expressionnisme allemand : perspective courbée, couleur accrue, une surface délibérément fluide, et une ligne dessinée qui demeure visiblement au-dessus.

Deux anciennes traditions se rencontrent sur cette toile. La nature morte vanité disposant horloges, fleurs et verre sur une table, comme un rappel discret de la brièveté de tout. Le joueur d’échecs, quant à lui, est devenu l’un des imagery favoris de l’esprit au travail — et au Moyen Âge tardif, du jeu unique que nul ne peut gagner.

« Trace » permet aux deux de se rencontrer à la même table et retire ce qui les rendait bruyants : pas de crâne, pas de Mort, pas d’adversaire visible. Ce qui demeure est une femme, une main qui n’a pas encore décidé, et une horloge qui ne tourne que lorsqu’elle réfléchit. Ce n’est pas une peinture sur la perte de temps. C’est une peinture sur le fait que le moment juste avant une décision est le moment le plus vivant qu’il existe — et qu’il est toujours la première chose à disparaître.

Détails pratiques pour les acheteurs :

Œuvre originale, unique
Acrylique et fusain huile sur toile
Dimensions (H x L) : 200 x 150 cm (79 × 59 pouces)
Signée par l’artiste sur le recto et le verso
Certificat d’authenticité inclus
Expédiée roulée (non encadrée ni tendue)
Emballage professionnel et expédition mondiale avec des partenaires premium tels que UPS.

La toile comprend une bordure blanche continue d’environ 10 cm (environ 4 pouces) sur tous les côtés au-delà de la surface peinte. Cette marge permet à l’œuvre d’être tendue de manière professionnelle sur des barres de châssis de qualité musée jusqu’à 6 cm (environ 2,4 pouces) de profondeur, offrant une présentation propre, sans cadre décoratif.

Veuillez noter que l’œuvre est vendue sans cadre et sans barres de châssis. L’étirement professionnel est à la charge de l’acheteur. Le tableau est expédié roulé pour un transport international sûr et une installation flexible selon les préférences de l’acheteur.

L’œuvre est signée au recto et au verso, avec le titre, l’année et le nom complet de l’artiste inscrits au verso.

Veuillez noter concernant les visions en pièce jointe d’intérieur :

Certaines photographies montrent le tableau placé numériquement dans un intérieur. Ces visions de pièce sont des visualisations IA, créées pour donner une impression d’échelle et de présence uniquement — il ne s’agit pas de photographies de l’œuvre réelle accrochée dans une pièce. Tant les proportions de taille que les couleurs présentées peuvent différer de l’original. Les références liées à l’agencement sont les dimensions indiquées ci-dessus (H x L) et la photographie studio du tableau lui-même. Veuillez aussi noter que les couleurs peuvent apparaître différemment selon l’étalonnage de l’écran.