Tijs Dragtsma (1992) - One Eye Breaks Her Oath

On reconnaît son identité à ce pli de tissu qui couvre ses yeux, le seul détail qui fait d’elle non pas une femme armée d’une épée, mais la Justice. Ici, ce tissu a glissé, juste ce qu’il faut. Un œil reste caché. L’autre est ouvert, détourné du spectateur, fixé sur quelque chose à la limite de l’échelle qu’elle est censée maintenir de niveau sans jamais regarder d’un côté ou de l’autre.

Ni peinture, ni impression, ni encre ne l’ont façonné. La figure, l’épée à son côté et l’échelle au-dessus existent parce que le verre acrylique s’est détaché de lui-même, un champ de marques individuelles directement gravées dans la surface plutôt que déposées dessus. L’image est présente à toute heure, quelle que soit la lumière, et ne dépend ni de l’une ni de l’autre pour être vue.

La lumière se regroupe là où cela compte le plus. Sa tête, l’épaule nue, le bras levé et l’échelle elle-même portent la densité des marques, accumulées jusqu’à ce que la surface se lise comme de la pierre taillée saisie en plein geste. L’épée retombe dans l’obscurité à son côté, plus suggestive que réelle, et les plis inférieurs de sa robe se dissolvent dans le même noir contre lequel se dresse l’ensemble de la figure, de sorte que ce qui reste éclairé est exactement ce qu’elle choisit d’utiliser, un œil, un bras, une balance, et rien d’autre.

Regardez ce qui se trouve dans chaque plaquette. L’une porte une pièce, dessinée finement, presque transparente contre le noir. L’autre porte un sac, fermé, solide, qui capte bien plus de lumière que tout ce qui se trouve de l’autre côté. Le bras ne chancelle pas. L’œil si. Il a déjà décidé quelle platine mérite d’être observée.

One Eye Breaks Her Oath appartient à In Plain Sight, une série dans Art with Scratch par Tijs Dragtsma, dans laquelle les images sont construites par des dommages de surface contrôlés plutôt que par pigment ou impression, et où ce même dommage devient un moyen de montrer ce que tout le monde pressent déjà à moitié sur les balances en lesquelles nous avons confiance, à savoir que la main qui les tient n’a guère besoin de regarder pour savoir quel côté elle privilégie.

La lumière ne crée pas cette image, elle l’affine. Sous une lumière directe, les rayures sur son visage et la chaîne de l’échelle se saisissent et se retiennent, le contraste s’accentue, et l’œuvre se lit différemment selon l’endroit où vous vous tenez, sans que l’œil ouvert ne détourne jamais le regard du sac.

"L’aveuglement n’a jamais été la promesse. L’aveuglement n’était que le costume."

À propos d’Art with Scratch

Art with Scratch est un corpus d’œuvres dans lequel l’image n’est pas dessinée, mais libérée. Sculpée ligne par ligne dans une surface noire profonde, chaque travail émerge grâce à d’innombrables rayures précises qui captent la lumière et font surgir la forme des ténèbres.

Vu de loin, l’image paraît presque photographique. Puissante, reconnaissable et pleine de présence. Pourtant, de près, l’œuvre se dissout dans un champ dense de marques individuelles. Fine, fragile et presque sans poids. Ce qui semblait solide se révèle être une délicate toile de lignes, chacune un geste délibéré, chacune essentielle à l’ensemble.

La lumière ne crée pas l’image. Elle l’affine. La surface noire absorbe, tandis que les traits rayés reflètent. Alors que la lumière se déplace sur la surface, l’image respire. D’un angle, la figure se tient nette et définie. D’un autre, elle s’adoucit et se résout dans l’obscurité d’où elle vient, sans jamais disparaître. Sous un faisceau focalisé, le contraste s’accentue et l’image prend une qualité sculpturale, presque lumineuse.

Ce qui rend ce médium si séduisant, c’est sa tension tranquille. L’acte de gratter est direct et irréversible. Chaque ligne est une décision irrévocable. Et pourtant le résultat n’est pas rude. Il est intime, atmosphérique et vivant de mouvement. La dureté devient douceur. La destruction devient création. L’absence devient présence.

Dans des œuvres comme ce portrait, la figure n’est jamais totalement fixes. Par l’interaction de la ligne, de la lumière et de l’ombre, l’image se déplace selon la perspective et l’atmosphère. À certains moments, le sujet semble s’avancer hors du noir. À d’autres, il se replie dans le calme. C’est dans ce mouvement, entre netteté et calme, que l’œuvre prend vie.

Comme tous les matériaux touchés par le temps, la surface porte sa propre vie discrète. Chaque rayure porte un instant, un souffle, un geste. Ensemble, elles forment non pas seulement une image, mais une présence, qui continue de se révéler à chaque changement de lumière.

À propos de l’artiste

Je m’appelle Tijs Dragtsma, fondateur de TD Fine Art Studio.

En tant qu’artiste, je suis guidé par un désir constant d’explorer de nouveaux langages visuels. Je ne vois pas l’art comme un style fixe, mais comme un champ d’exploration en évolution où le matériel, la structure, la lumière et l’émotion se conjuguent.

Mon travail commence souvent par une question simple. Comment un matériau peut-il parler d’une manière nouvelle. Comment la dureté peut-elle devenir intimité. Comment la précision peut-elle créer de l’émotion. Cette quête est au cœur de tout ce que je crée.

Au sein de TD Fine Art Studio, chaque corps de travail est abordé comme son propre monde, avec sa propre logique, son ambiance et son identité visuelle. Certains travaux se construisent par le rythme, la répétition et la structure. D’autres émergent par l’absence, l’ombre, le reflet ou la tension. Ce qui les relie, c’est un engagement commun envers l’originalité, la clarté et la présence émotionnelle.

Je suis fasciné par le contraste. Entre force et fragilité. Entre contrôle et ressenti. Entre ce qui est visible et ce qui reste ouvert à l’interprétation. Mon objectif n’est pas simplement de créer une image, mais de concevoir une œuvre qui retient l’attention, invite à la réflexion et continue de se révéler avec le temps.

TD Fine Art Studio est l’espace dans lequel ces explorations convergent. Ce n’est pas seulement un studio, mais un univers artistique évolutif façonné par la curiosité, la précision et l’ambition de créer des œuvres qui se sentent distinctives, intentionnelles et vivantes.