"Cielo lontano". Acrilico materico su tavola Quello che colpisce subito non è il colore, ma la materia. Non è un quadro dipinto, è un quadro costruito. La superficie è ruvida, stratificata, quasi geologica. Si vede che l'artista ha lavorato per accumulo, a spatola, a mani nude. Tre orizzonti, tre stati d'animo: In alto, un grigio cenere, polveroso, opaco. È nebbia, è calce, è un cielo di città a fine inverno. Ha una grana grossa, come intonaco vecchio. Trasmette sospensione. Poi, la frattura. Una linea sottile, nervosa, di un turchese ossidato, quasi un verderame. È l'unico respiro freddo in tutta la composizione. Non è decorativo, è necessario. Senza quel blu l'opera collasserebbe su se stessa. È acqua che non c'è, è aria che manca, è il ricordo di un mare. E sotto, tutto il resto: l'ocra bruciata, il rosso ruggine, l'arancione profondo che vira fino al nero bruciato sul bordo inferiore. È terra, è lava solidificata, è campo arato d'estate. È caldo, materico, quasi violento nella sua saturazione rispetto al resto. Se ti avvicini vedi crateri, crepe, bolle. Vuole essere toccato. La cornice nera, sottile e essenziale, è una scelta giustissima. Contiene senza addomesticare. Isola il paesaggio astratto e lo trasforma in oggetto, in icona. Cosa funziona benissimo: L'equilibrio è da manuale alla Mark Rothko, ma con la brutalità di un Anselm Kiefer. È minimalista nella composizione ma massimalista nella materia. È un quadro che cambia completamente a seconda della luce - e la tua foto lo dimostra: la luce radente del pomeriggio gli regala un'ombra che lo fa sembrare sospeso dal muro, vivo. Non arreda. Abita. Non è un quadro da mettere sopra il divano perché "ci sta bene con i cuscini". È un quadro che ti obbliga a fermarti un secondo quando ci passi davanti. Un posto ideale è una parete bianca, completamente vuota, con tanto spazio attorno. Ha bisogno di silenzio per parlare.