Anton Kaestner - #376 - S - " Glass Sea 1 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
La mia prima pittura su vetro, un vetro recuperato in Marocco nel 1994.
#376 - S - " Glass Sea 1 ".

Acrilico spray su lastra in vetro di 3 mm.
Questo quadro non è una stampa. Si tratta di una opera originale "multi-strati" la cui resa brillante "glossy", simile all’applicazione di una resina, è unica.
Trasparenza sull’impressione.

Dimensioni: Pollici 8,7 * 10,4 * 0,12 / 22 * 26,5 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene consegnato senza cornice.
Una piccola ammaccatura è presente sul retro; fa parte dell’opera.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (Pollici 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile durante la spedizione per un importo aggiuntivo di 60€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelte su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna 7/10 maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme di ciò che sarebbe diventata la mia passione per la vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre pensato che grandi quadri arrivino direttamente verso di te, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più. Mi sono inizialmente avvicinato alla pittura non figurativa e all’espressionismo astratto.
Con il tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per i materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare veramente un artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho perseguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, in Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a un’ampia gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi impegnavo con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante la focalizzazione sulla carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, piano piano sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuovo lavoro è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte spero sempre di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e di riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho cominciato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho avviato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimento, trovando collocazioni in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in mostra un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di un plexiglas riciclato (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che apprezzo. Lascio che “esperimenti casuali” - tutto è lecito per interrompere la ragione! - guidino l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascino spazio per rivelazione e scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiaro: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo, la casualità pone domande; coincidenze significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che probabilmente scopriremo quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo volutamente semplice il mio approccio. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “assoggettamento/intellettualizzazione”, ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che hanno anch’essi né ragione di essere, né fine, né scopo. Mentre il mio lavoro potrebbe a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro piombato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un proprio discreto specchio: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, delle parti mancanti, richiede anche empatia. Si spera che il gioco tra “dettagli per il primo piano” - un dettaglio di un dipinto è un dipinto completamente nuovo - e “la distanza per l’insieme” incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere realizzato. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie capacità ed esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per innescare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

A proposito della coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno lo stesso peso, cerco di creare opere definite non dalla rilevanza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata inchiesta. Per me, la vera focalizzazione è meno sull’immagine finale che sull’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primacía dell’esperienza vécuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’esistere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato da luci mutevoli, strati traslucidi e il leggero riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso segnalo, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: Processo come pensiero incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto di creare. Fisso condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, pienamente rivelato solo quando completo. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva “qui ed ora.”

Mantenendo queste intenzioni, ci sono alcuni delicati paradossi che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia del presente
Una dolce nostalgia permane nell’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio delle “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un anelito di presenza pura che l’opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e senza sforzo
Il processo richiede una costante attenzione, ma mira a un risultato che sembra autonomo, come se fosse “emerso di propria volontà”. Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho iniziato a sentire che “l’era dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica deve molto allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un’informalità dove il caso non è una rottura, ma un collaboratore quieto.

Nel cuore c’è la ricerca di “le vif” — il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta anziché all’idealizzazione. La modesta scala che spesso scelgo è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

In fondo, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner