Anton Kaestner - #395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
La mia prima pittura su vetro, un vetro recuperato in Marocco nel 1994.
#395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Acrilico in spray su lastra di vetro (Marocco 1994) da 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale a "più strati" il cui effetto lucido brillantissimo, simile all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni : 9,3" x 9,8" x 0,12" / 23,5 x 25 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (9,1 cm x 0,6 cm x 1,38 cm) raccomandata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 60€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna 7/10 maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra d’origine. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, a imprimere il seme di quella che sarebbe diventata, nel tempo, la mia passione.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici su taccuini A4 e poi A3: ho sempre sentito che grandi quadri arrivano dritti addosso, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più l’amore. Iniziai ad essere attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Nel tempo, e anche se mi considero ateo, ho sviluppato una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero un artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni, ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi confrontai con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera imprenditoriale, l’arte è sempre stata parte di me, che ribolliva silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per allontanarmi dal mondo e concentrarmi su me stesso interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho cominciato a dedicarmi interamente all’arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ricevuto riconoscimenti, trovando spazio in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande, in una sacrestia vacante a Lisieux, in Normandia.

Curriculum artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—cosa che accetto. Lasciare che “esperimenti casuali”—qualsiasi cosa vada—guidi l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lasciare spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini la fortuna non prende decisioni; al massimo pone domande; cointi significativi sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è sfidante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che siamo probabili scoprire quando ci fermiamo nel silenzio e nella luce.

Mantengo intenzionalmente l’approccio semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione/possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif” (la vitalità). Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuti, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che hanno anch’essi né ragione di esistere, né fine, né scopo. Sebbene il mio lavoro possa talvolta evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, rimane quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e tessitura, anche degli elementi mancanti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “parti per i dettagli”—un dettaglio di un’immagine è una foto completamente nuova—and “la distanza per l’insieme”, incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che può essere realizzato. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie capacità e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Pitturare per me è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per innescare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’età dell’informalità è appena cominciata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione nel vedere."

Sulla coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette a questa di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e non avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica, e verso un tipo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Viviuta. In quello spazio aperto, cerco di inserire ciò che considero un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato dall’illuminazione mutevole, dagli strati trasparenti e dal riflesso debole dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È un rilascio consapevole di controllo nell’atto di creare. Vado a impostare condizioni, ma cedo all’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, pienamente rivelato solo quando è completo. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—a una paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Sostenere queste intenzioni significa abbracciare alcuni delicati paradossi che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro limiti accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di "comunicare qualcosa" attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una tessitura di luce, una quieta presenza, una palpabile quiete.

Nostalgia del Presente
Una soft nostalgia persiste nel lavoro, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio delle “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Impegno ed Impegno Senza Fatica
Il processo richiede una costante attenzione, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se fosse emerso di sua volontà. Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho iniziato a sentire che “l’età dell’informale è appena cominciata.” La mia pratica è debitrice dello spirito dell’Art Informel, seppur forse con meno angoscia e più calma—un’informalità dove il caso non è una rottura, ma una collaboratrice silenziosa.

Al cuore c’è la ricerca di “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.
In definitiva, questa è semplicemente la strada di un unico artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di un’unica ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner