Anton Kaestner - #377 - S - " Glass Sea 2 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
La mia seconda pittura su vetro, un vetro recuperato in Marocco nel 1994.
#377 - S - "Glass Sea 2".

Acrilico in spray su lastra di vetro di 3 mm.
Questa opera non è una stampa. Si tratta di un’opera originale a piùstrati, la cui resa lucida "glossy", simile all’applicazione di una resina, è unica.
Trasparenza sull’impressione.

Dimensioni: 22,5 x 25,5 x 0,3 cm senza cornice (Inch 8,9 * 10 * 0,12).

Questa pittura viene consegnata senza cornice.
Una minuscola traccia è presente sul retro; fa parte dell’opera.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) raccomandata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 60€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale: Ginevra 18/28 giugno 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, un artigiano e artista, a influenzarmi e a piantare il seme di quella che sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3; ho sempre sentito che i grandi quadri ti arrivano dritti addosso, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono inspirare molto di più. Iniziai ad essere attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Nel tempo, e anche se mi considero ateo, ho sviluppato una passione per materiali spirituali in quanto risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare veramente un artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho perseguito una carriera internazionale nel business che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, in Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno allargato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi ritrovai a contatto con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera professionale, l’arte è sempre stata parte di me, tranquilla sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato grande soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte ho sempre sperato di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un’occasione per vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera nel business, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho allestito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente all’arte. Entro la fine del 2024 ho avviato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimenti, trovando collocazioni in collezioni private in tutta l’Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, proponeva un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglas riciclato (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera man mano che si sviluppa. Non ho feedback visivo né controllo durante il processo, cosa che accetto con favore. Lascio “esperimenti casuali”—tutto è lecito per interrompere la ragione!—per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiaro: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio che richiama la rivelazione / fissazione della fotografia è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze pur conferendo a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che probabilmente scopriamo quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo deliberatamente un approccio semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza di essere. Né “consumo rapido” né “spiritualizzazione / possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif” (il vivo). Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono privi di oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né motivo di esistere né fine o scopo. Sebbene il mio lavoro a volte possa evocare la trasparenza e la luminosità del vetro smaltato, rimane quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglas conferisce al dipinto una pelle luccicante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un mirror discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, anche degli elementi mancanti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per il close-up”—un dettaglio di un’immagine è una novità completa—e “distanza per l’insieme” incoraggino gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogarsi e crescere. Ogni nuova creazione è una sfida ai miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie capacità e a esplorare ancora ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è appena all’inizio.

Come direbbe Jean Bazaine: «La pratica quotidiana moltiplica la passione per la visione.»

Sulla coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno lo stesso peso, cerco di creare opere definite non dalla loro rilevanza, ma dalla loro presenza. I miei dipinti—campi di colore e luce che tremolano all’interno del plexiglas—sono i resultati silenziosi di un’indagine lunga e mirata. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sull’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette la sua nascita.

Questa pratica si basa su tre intenzioni allineate.

La prima è una Ritrazione dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e senza “contenuto, significato o senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decifrazione e verso un modo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Vivo. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un evento silenzioso da sentire—modellato dalla luce che cambia, dagli strati traslucidi e dal lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea e mano si incontrano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglas, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, rivelato pienamente solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—una paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Tenere queste intenzioni comporta alcune tenui paradossi che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini attenti. Il caso è un ospite gradito, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una textures di luce, una presenza silenziosa, un’immobilità palpabile.

Nostalgia per il Presente
Una morbida nostalgia persiste nell’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un anelito per le “necessità irrinunciabili” trovate nel “silenzio e la luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre in modo quieto.

Sforzo e Sforzo-non-Sforzo
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se “emergesse di sua spontanea volontà.” Sono attratto da ciò che appare inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’età dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica è debitore allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno agitazione e più calma—un informalità dove il caso non è una rottura, ma un collaboratore quieto.

Al centro c’è una ricerca del “le vif”—il nucleo vitale. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’ineriorizzazione. Le dimensioni modeste che scelgo spesso servono a favorire l’intimità, non lo spettacolo.

In fondo, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata su un paradosso silenzioso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner