Yasuhiro Ishimoto - Chicago, Chicago (THIRD BOOK, WITH SLIPCASE) - 1969

UNA DEI PIÙ BELLE LIBRI DI FOTOGRAFIA GIAPPONESE MAI PUBBLICATI:
- Martin Parr, Gerry Badger, The Photobook, volume 1, pagina 289
- Manfred Heiting, Kaneko Ryuichi, The Japanese Photobook, pagina 390

FOTO CHE TOCCANO IL RESPIRO del fotografo italo-americano Yasuhiro Ishimoto (1921-2012), uno dei nomi più importanti della fotografia giapponese,
la sua carriera di decenni esplorò espressioni del design modernista nell’architettura tradizionale, le quiete ansie della vita urbana a Tokyo e Chicago, e la capacità della macchina fotografica di evidenziare l’astratto nel quotidiano e nei manufatti apparentemente concreti del mondo che lo circonda.

STAMPA CHE TERNERA IL RESPIRO.

LIBRO MOLTO RARO - CON L’ESTRAN SCARSO SCATOLA-TREGGIA.

LIBRO ANTICO MOLTO IMPORTANTE DELL’ARTISTA
Terzo dopo "Aru hi aru tokoro", "Someday somewhere", 1958 (Martin Parr, Gerry Badger, The Photobook, volume 1, pagina 272 e 273) e "Katsura: Nihon kenchiku ni okeru dentō to sōzō", 1960.

AVVISO DI HARRY CALLAHAN.

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Lavori precoci post-bellici a Chicago:
L’arrivo di Ishimoto a Chicago dopo la guerra avvenne insieme al secondo grande movimento della migrazione degli Afroamericani verso il nord. Chicago fu seconda solo a New York per numero di nuovi residenti accolti in entrambe le migrazioni. Come suggerisce Jasmine Alinder, le fotografie di Ishimoto di Afroamericani appena sistematisi a Chicago, dal sud rurale al nord urbano, rispecchiano i propri schemi di relocazione, prima dal Giappone rurale, verso la costa occidentale, e infine verso il terreno comune del nord urbano. Le esperienze di Ishimoto nell’affrontare la discriminazione anti-giapponese, sia nei campi che a Chicago, possono essere lette anche come informatrici della sua sensibilità nei confronti delle comunità diseredate e del suo fermo desiderio di immergersi negli angoli e nelle insenature del paesaggio urbano.

Molte delle prime foto di Ishimoto a Chicago si concentrano su bambini di quartieri diversi, catturando la vitalità spericolata del loro gioco, i their luoghi di cammino urbani e i loro sguardi sinceri, a volte impenetrabili, verso la macchina con una franchezza che non era né sentimentale né sardonica. Nel 1958 pubblicò il suo primo photobook, Someday Somewhere, che presentava immagini di Chicago e Tokyo messe in dialogo tra loro, usando strategie di allestimento e serialità che risalivano alla sua formazione all’Institute of Design.

Seconda permanenza a Chicago (1958-61):
Nel dicembre 1958 Ishimoto, il cui visto giapponese stava per scadere, tornò a Chicago con la moglie Shigeru con una borsa di studio dall’azienda produttrice di macchine fotografiche Chiyoda Kōgaku Kōgyō (oggi Konica Minolta). Sebbene avessero programmato di restare un anno, prolungarono la permanenza a tre anni e si stabilirono nel North Side, durante i quali Ishimoto percorse le strade della città scattando oltre 60.000 fotografie. Le opere di questo periodo furono presentate in numerose riviste giapponesi ed esposte al department store Nihonbashi Shirokiya nel 1962. Nel 1969 furono pubblicate da Bijutsu shuppan-sha come Chicago, Chicago, con testi accompagnatori di Harry Callahan e Shūzō Takiguchi.

Il design del libro fu curato da Yūsaku Kamekura, e le 210 immagini furono stampate utilizzando un processo a rilievo duotono, che offriva ricchezza nelle tonalità scure e nelle ombre catturate nelle foto di strada. Il libro cattura l’onda ur­bana radicale che si verificò tra la fine degli anni Cinquanta e l’inizio degli anni Sessanta a Chicago, con immagini che contrappongono lo smantellamento di edifici pre-bellici a nuovi grattacieli modernisti e progetti di edilizia popolare, e catturano con sensibilità le intricacies tensioni razziali e politiche che si manifestavano nello spazio pubblico. Ishimoto si immersero an­che nelle parate e in cortei, e catturò un’immagine dinamica di Martin Luther King Jr. durante un appassionato discorso a una convention del 1960, fiancheggiato da una fila di poster volanti che protestavano contro la segregazione nelle scuole. Ishimoto fu anche soggetto di una mostra personale all’Art Institute of Chicago nel 1960.

Il progetto del libro fu realizzato da David-sha e l’editore Hideo Kobayashi nel 1954, e inizialmente si prevedeva una semplice photobook delle immagini del sito. Durante l’editing, tuttavia, Tange, che Ishimoto aveva invitato a contribuire con un saggio, divenne di fatto l’editore e pubblicista del libro, assumendo un ruolo importante nella selezione, ritaglio, ordine e sistemazione delle immagini in modi che riflettessero le sue idee sulle forze dialettiche tra tradizione e modernità insite nella villa. Tange ritagliò e raggruppò le immagini per enfatizzare la presenza di unità modulari negli elementi costruiti e naturali, spesso contro la volontà di Ishimoto, e le disponeva su sfondo bianco per accentuare la rettilinearità e infondere al volume un ordine ritmico.

Dopo un lungo, a volte travagliato, processo di editing, che coinvolse anche Herbert Bayer come designer del libro, Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture (a volte abbreviato in Katsura) fu pubblicato nel 1960, con introduzione di Walter Gropius e un saggio di Tange. Il libro ebbe un impatto decisivo sugli architetti sia in Giappone che all’estero, alimentando il discorso ideologico in corso sulle caratteristiche dell’architettura giapponese postbellica e presentando una visione radicale di una tradizionale struttura precedentemente strettamente regolamentata durante un periodo di forte sconvolgimento sociale e culturale in Giappone.

Dal 1976 al 1982 il Ministero dell’Interno Imperiale svolse un rigoroso restauro della più grande struttura residenziale del complesso di Katsura, la Goten. Ricevendo una commissione dall’editore Iwanami Shoten, Ishimoto tornò sul sito nel novembre 1981 e febbraio 1982, questa volta fotografando la villa sia in bianco e nero sia a colori usando una fotocamera Sinar con una varietà di obiettivi. Le immagini a colori furono pubblicate come Katsura Villa: Space and Form nel 1983 con Iwanami Shoten in Giappone, e nel 1987 con Rizzoli negli Stati Uniti, e sia l’aspetto della villa sia la disposizione del libro differivano notevolmente dalla versione del 1960 curata da Tange. La seconda pubblicazione, per la quale Arata Isozaki fornì contributi sostanziali ed un saggio, presentò immagini molto più ampie nel loro inquadramento, abbracciò ornamenti e varietà cromatica e considerò dettagli di design nel contesto architettonico anziché evidenziarli isolatamente. Isozaki descrisse l’approccio di Ishimoto a Katsura come una visione “de-modernist”, presentando la villa secolare in un campo visivo completamente trasformato che abbraccia la coesistenza di elementi eterogenei nello stesso ambiente.

Dopo la pubblicazione di Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture, Ishimoto continuò a fotografare edifici architettonici in tutto il mondo, mantenendo il suo vivo interesse per le qualità atmosferiche dello spazio e le implicazioni dei dettagli strutturali. Ricevette una commissione per ripercorrere la diffusione dell’Islam a partire da Córdoba, in Spagna, e attraversò l’Asia fino a Fatehpur Sikri, in India, e Xi’an, in Cina. Il risultato del viaggio fu pubblicato come Islam: Space and Continent nel 1980. Ishimoto mantenne strette rapporti con molti architetti moderni, tra cui Kenzo Tange, Arata Isozaki e Hiroshi Naito, e fotografò molti dei loro edifici. Nel 1974 fotografò il lavoro di architetti californiani all’inizio del XX secolo Charles Sumner Greene e Henry Mather Greene di Greene and Greene per la rivista di design giapponese Approach.

Nel 1993 fu invitato a fotografare il Santuario di Ise durante la sessantunesima iterazione del processo cerimoniale di smontaggio e ricostruzione, che si svolge ogni vent’anni. Ishimoto si ispirò alla serie di dettagli architettonici fotografati da Yoshio Watanabe nel 1953, enfatizzando le forme nitide delle grondaie e dei pilastri. In contrasto con Watanabe, che catturava le immagini nel tardo pomeriggio per creare un’aura più drammatica con contrasti marcati tra luce e ombra, Ishimoto optò per una luce a mezzogiorno, conferendo all’ambientazione un’aria più morbida e meditativa.

Anche se forse meglio noto per il lavoro in bianco e nero su Katsura e Chicago, Ishimoto aveva cominciato a sperimentare la fotografia a colori sin dai giorni all’ID, e in seguito ne fece un uso sempre più pronunciato nel corso della sua carriera.

Durante la sua seconda permanenza a Chicago, Ishimoto iniziò a sperimentare con esposizioni multiple in pellicola a colori, sovrapponendo silhouettes con filtri colorati per creare forme astratte e trasparenti soggette al caso e all’inevitabilità fotografica. Queste tecniche furono poi impiegate nella sua serie Color and Form (Iro to Katachi) (2003), un esame delle forme sensuale e astratte di diversi tipi di flora.

Nel 1973 fotografò centinaia di divinità buddiste raffigurate nei Mandala delle Due Monde (Ryōkai Mandala) conservati nel tempio Tō-ji (conosciuto anche come Kyō-ō-gokoku-ji) a Kyoto. Usando pellicola a colori e flash, Ishimoto catturò tonalità vivaci e dettagli intricati di opere normalmente custodite nell’oscurità per scopi di conservazione. La sua esperienza nel fotografare i mandala aumentò i suoi interessi per la presenza della tradizione nella vita contemporanea e contribuì a spostare la sua precedente aspirazione per la bellezza “sottrattiva” (rappresentata in foto austere di Katsura) verso una modalità estetica che abbracciasse forze apparentemente contraddittorie del mondo, considerandole invece co-constitutive e interdipendenti tra loro, un modo di pensare modellato dai postulati del buddhismo esoterico.

Ishimoto espresse le seguenti riflessioni sull’effetto dei mandala sul suo atteggiamento verso la visione fotografica: “I fotografi tendono a raccogliere le cose buone e Spingere tutto il resto fuori dal telaio. Ma con i Budda mandala, i mandala affermano coraggiosamente gli elementi umani umili invece di espulgerli nel tentativo di raggiungere l’illuminazione. Invece di tagliare le cose brutte, ho capito che lo spazio incorniciato doveva essere una versione condensata di tutto.” Le fotografie furono pubblicate da Heibonsha nel 1977 in un’edizione speciale da collezione incapsulata intitolata The Mandalas of the Two Worlds: The Legend of Shingon-in, e presentate in una mostra itinerante organizzata dal Seibu Museum of Art e progettata da Ikko Tanaka.

In Food Journal/Wrapped Foods (Shokumotsushi/Tsutsumareta shokumotsu) (1984), Ishimoto fotografò cibi di uso quotidiano del supermercato, accentuando l’inquietudine di pesci e verdure stesi contro la pellicola trasparente e la plastica espansa evidenziando le intense qualità cromatiche dei soggetti contro sfondi neri netti, e donando loro una tonalità blu-verde che ricordava l’aspetto clinico delle radiografie. La serie richiama anche l’ascesa del consumismo di massa in Giappone negli anni ’80, e le ansie che Ishimoto, cresciuto in una famiglia di lavoro durante un periodo di scarsità, provava riguardo alla perdita di distintività e alla sicurezza alimentare che accompagnavano la rapida crescita industriale e commerciale.