Mark Rothko - Sin título (Verde sobre morado)

Offset Lithography Senza titolo (Verde su viola) / 1961/ Mark Rothko.
Copyright @ Kate Rothko Prizel e Christophel Rothko / VEGAP Madrid.
Pubblicato dal Thyssen-Bornemisza Museo Nacional.

Sebbene Rothko sia associato all’Espressionismo astratto, la sua pittura si discosta dallo stile gestuale e spontaneo dei suoi contemporanei. Nella sua maturità, una o più forme rettangolari fluttuano generalmente sulla superficie dello sfondo senza risaltare su di esso. I colori vivaci, altamente diluiti, applicati in strati successivi, avvolgono lo spettatore e lo attirano in una nuova forma di spazialità oltre ogni nozione misurabile. Negli anni Sessanta, i colori accesi e spaziosi della decade precedente hanno ceduto in favore di toni più cupi e introspettivi—viola, grigio, verde scuro e marrone. Nella pittura qui presente, il termine «astrazione del sublime», che il critico Robert Rosenblum applicò alla sua opera, ne rivela pienamente il significato.

Sebbene sia generalmente associato alla generazione di pittori espressionisti astratti della New York School, Rothko cessò molto presto di condividere con i suoi coetanei la natura gestuale e spontanea della loro pittura. All’inizio degli anni Cinquanta, Mark Rothko aveva già sviluppato un linguaggio astratto personale, che sottopose a un processo di raffinamento e semplificazione nei successivi venti anni. Le sue tele—generalmente di grande formato, poiché credeva che ciò producesse una maggiore intimità durante la visione—sono divise in diversi campi rettangolari di colore, più o meno orizzontali, aperti e vivaci, che, senza alcuna relazione con la geometria, sembrano fluttuare in uno spazio indeterminato. I colori, applicati in strati sottili successivi—come se fossero acquarelli anziché oli—non rivelano mai il tratto, riducendo la tessitura della pittura al minimo assoluto.

Rothko concepiva le sue opere come drammi, come raffigurazione di una tragedia senza tempo. Le sue pitture, intrise di grande intensità spirituale, avvolgono lo spettatore con una potente emozione, invitandolo a contemplare e meditare. Robert Rosenblum descrisse la sua pittura come la «astrazione del sublime» e la collegò alla tradizione romantica dei paesi nordici. Secondo quest’autore, i dipinti di Rothko, come quelli di Friedrich un secolo prima, «cercano il sacro in un mondo profano».

Rothko riteneva che il colore puro fosse il modo migliore per esprimere le emozioni, e in questo senso possiamo collegare la sua opera alle teorie mistiche dell’astrazione sviluppate da Kandinskij. Come Kandinskij, Rothko credeva che il colore agisse direttamente sull’anima ed fosse capace di evocare emozioni profonde nel osservatore. Nei primi anni Sessanta, le tonalità forti e brillanti dei suoi dipinti iniziali—che producevano una sorta di radiamento espansivo—furono sostituite da colori cupi, quali viola, grigi, verdi scuri e marroni, con cui Rothko creò opere più enigmatiche, ancor più suggestive di stupore.

Nel 1961, lo stesso anno in cui Rothko dipinse Green on Purple (Thyssen-Bornemisza Museum), una importante mostra antologica dell’opera dell’artista fu allestita al Museum of Modern Art—la prima mostra personale che questo museo newyorkese aveva mai dedicato a un artista della New York School. Rothko, che coordinava sempre meticolosamente l’allestimento delle sue opere—poiché attribuiva grande importanza all’esperienza del pubblico—creò una presentazione molto intensa e drammatica, con le pitture esposte molto vicine tra loro e l’illuminazione pesantemente diffusa, prefigurando il cambiamento che stava avvenendo nel suo lavoro, una vera riflessione sullo stato depressivo in cui versava. Sebbene non sia noto con certezza, Gail Levin osserva che Green on Purple è probabilmente stato dipinto dopo la chiusura della suddetta mostra ed è considerato uno dei primi esempi dell’evoluzione della pittura di Rothko verso toni più opachi e cupi.

Jeffrey Weiss si riferì alla contraddizione tra l’attrazione che proviamo per i dipinti di Rothko—che si prestano a una meditazione prolungata—e quanto sia difficile decifrarli. Paradossalmente, Rothko aspirava sempre a essere compreso, convinto che «l’evoluzione dell’opera di un pittore sia un viaggio nel tempo verso la chiarezza: verso l’eliminazione di tutti gli ostacoli tra il pittore e l’idea, e tra l’idea e lo spettatore»; e per lui «raggiungere quella chiarezza significa semplicemente essere compresi.»

Un importante oggetto da collezione.

La stampa misura 68 x 89 cm.

Tutti i poster sono stati selezionati da amanti dell’arte per amanti dell’arte.

Il poster verrà spedito in un tubo rigido di cartone.

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