Sawaya & Moroni - Bicchiere (6) - Cristallo

Sei bellissimi bicchieri d'acqua in cristallo, in carta sottile, di Sawaya & Moroni, Italia circa il 2000. Nella loro scatola originale, con imbottitura rinforzata.

Dimensioni in cm ( H x P ): 8,2 x 9,3

Come nuovi occhiali, scatola con segni di usura.

Spedizione sicura

Sawaya & Moroni si afferma sulla scena del design internazionale nel 1984, combinando rapidamente il talento professionale dell'architetto e designer William Sawaya con l'imprenditorialità di Paolo Moroni. L'azienda è ora affermata come produttrice di mobili di design di alta qualità.

Entrambi i partner provengono da aree non legate al settore dell'arredamento, quindi la mancanza di una tradizione familiare da rispettare e tramandare, tipica di questa zona, diventa un elemento positivo, privo di tutte le restrizioni concettuali e produttive. Grazie a questa libertà nasce una collezione di limited editions firmate dai grandi protagonisti dell'architettura, del design e dell'arte contemporanea, insieme a una moltitudine di mobili, argenti e manufatti che hanno trovato collocazione in collezioni private e musei del design in tutto il mondo.

Ogni prodotto ha una storia. Nel corso del nostro secolo, i valori artistici sono gradualmente penetrati in vari campi, al punto che il significato artistico è stato attribuito a molti oggetti originariamente progettati per altri scopi. Gli estremi delle trasformazioni esteticamente orientate di praticamente qualsiasi oggetto e prodotto si possono trovare in diversi movimenti artistici. Uno di questi è il Dada, che paradossalmente invitava l'osservatore a vedere i prodotti industriali più quotidiani come opere d'arte. Un altro è stato il Pop Art, che ha canalizzato il flusso di immagini mediatiche e prodotti di consumo di massa verso il mulino dell'arte. In Italia, abbiamo avuto anche il movimento Arte Povera, il cui scopo era usare l'arte per recuperare anche i rifiuti meno preziosi della società industrializzata, come i materiali poveri di ferro, carta e mattone.

La saggezza del senno di poi dimostra la logica dietro a questi sviluppi: con un certo grado di arroganza, la qualità artistica veniva attribuita dal mercato in opposizione al valore materiale dell'opera e, soprattutto, in contrasto con il reale lavoro impiegato per raggiungere il risultato finale. Questo era certamente uno dei fenomeni più irragionevoli e provocatori della nostra epoca, poiché l'arte sembrava essere diventata un modo per attribuire un valore eccessivo (prima estetico, ma come conseguenza anche economico) a un oggetto che aveva ben poco valore intrinseco in termini di materiali, tecnica e lavoro.

L'attuale presentazione di una collezione di pezzi artistici in argento rappresenta quindi una sfida a questa mentalità. Ogni oggetto della collezione — che si tratti di un candelabro, di una ciotola di frutta, di un vassoio o di una caraffa — è praticamente unico, fortemente individuale ed eccezionale, a differenza dell'approccio 'multiplo' e della diffusa riproducibilità tecnica, così spesso usata e abusata nelle arti. Ma in questa collezione di argento, non è tanto la qualità del materiale a definire il carattere del prodotto quanto l'accumulo di un lungo, lento e complesso processo di elaborazione e lavoro, un approccio che capovolge il concetto di attribuire valore a un'opera d'arte in modo puramente arbitrario, conferendo uno status estetico a oggetti tecnicamente poveri, creati senza alcuna maestria.

Ognuno di questi oggetti in argento possiede l’unicità di un prototipo, poiché ognuno di essi è praticamente fatto a mano. Sebbene la produzione sia preceduta da uno studio di progettazione dettagliato, i risultati sono ottenuti individualmente attraverso un complesso processo di artigianato manuale, curato fino al più piccolo dettaglio. Gli architetti e i designer che hanno ideato la collezione sono noti e altamente autorevoli. Tuttavia, il contributo degli artigiani nel trasformare il progetto in un prodotto gode di pari qualità e autorità, anche se sono meno conosciuti. Sebbene questi pezzi siano il risultato di strati su strati di una concezione progettuale così profonda, di artigianato e cura artistica da essere degni di esposizione in un museo, ciò non significa che trascurino i loro obiettivi funzionali: un’opera d’arte autentica non deve temere di essere usata.

Un vassoio o un candelabro realizzati in questo modo sono un oggetto 'nobile' e un'opera d'arte in virtù di questo modo di fondere il design concettuale e il processo creativo. In questo modo, ciascuno di questi oggetti in argento racconta una storia. Non sono pezzi progettati una volta per tutte e poi prodotti in serie da un'industria che utilizza fraintendimenti artistici contemporanei per diffondere e aumentare il loro valore.

I pezzi presentati qui sono tutti unici, ognuno di loro ha sempre una storia da raccontare: la storia che li ha portati individualmente al risultato visibile, proprio come il ritratto che ognuno di noi ha di sé stesso, che racconta come siamo evoluti come esseri umani individuali.

Il marchio Sawaya & Moroni è principalmente conosciuto per le sue ricerche e il design concettuale, nonché per le audaci collaborazioni con architetti come Jean Nouvel, Daniel Libeskind, Dominique Perrault, Michael Graves, OM Ungers, Massimiliano Fuksas, Zaha Hadid, Charles Jencks, Kazuo Shinohara, Ettore Sottsass, Adolfo Natalini, Jakob + MacFarlane, Hani Rashid, Mario Bellini, Jean-Michel Wilmotte, ma anche per progetti di design firmati dallo stesso William Sawaya e da designer o artisti come Ron Arad, Michael Young, Richard Hutten, John Maeda, Toshiyuki Kita, Borek Sipek, Toni Cordero, Platt + Young, Christian Ghion, Mario Cananzi, Jeannot Cerutti, Terry Dwan, Matt Sindall, Veit Streitenberger, Luigi Serafini, Marco Mencacci, Tim Watson, Setsu + Shinobu Ito e altri.