Ciclo de Arte de Hoy - 5 issues - 1964

Notatniki z cyklu sztuki dzisiaj. Bosh - Llucia - Mensa - Pellsjo - Amelia Riera - Valbuena. 1964. 5 niezwykle rzadkich notatników (w sumie wydano 7), z których każdy zawiera oryginalne dzieła sześciu autorów.
Quaderno 1: Zawiera arkusz z sześcioma małymi oryginalnymi dziełami sześciu autorów, podpisanymi ołówkiem.
Notes 2: Zawiera oryginalne dzieło Luis Bosch Cruanas oraz list Bosch datowany na 8-3-1964.
Quaderno 5: Zawiera dwie oryginalne prace Owe Pellsjö podpisane ołówkiem.
Quaderno 6: Zawiera oryginalne dzieło Amelii Riera.
Quaderno 7: Zawiera oryginalne dzieło Francisco Valbuena.
Notatniki w dobrym stanie, z normalnym starzeniem się i lekkimi śladami czasu lub drobnymi defektami. W aukcji bez rezerw.


Notatniki z cyklu sztuki dzisiejszej to serialowa publikacja hiszpańskiej sztuki nowoczesnej w bardzo limitowanej liczbie kopii, wydana w Barcelonie w 1964 roku przez grupę artystów nazwaną Ciclo de Arte de Hoy. Każdy numer zawierał oryginalne dzieła sztuki konkretnego artysty oraz eseje krytyczne. Były publikowane na nieoprawionych kartkach, drukowane przez Gráficas El Tinell. Cała kolekcja składa się z 7 tomów. Uważana jest za bardzo rzadki kolekcjonerski egzemplarz; na przykład niektóre źródła wskazują, że tylko tom 1 jest znany w bibliotekach takich jak MoMA. Każda kopia jest unikalna, ponieważ zawiera oryginalne dzieła konkretnego artysty. Wśród nazw związanych z tymi notatnikami znajdują się postacie takie jak Bosch, Llucia, Mensa, Pellsjö i Amelia Riera. Teksty towarzyszące dziełom zostały napisane przez ważnych krytyków i osobowości świata sztuki tamtej epoki, takich jak Vicente Aguilera Cerni i Carlos Vivo.

Luis Bosch Cruañas (Sant Feliù de Guíxols 1929 - Barcelona 2019). Zaczął malować jako samouk w 1947 roku. Porzucił styl figuratywny i poświęcił się rysunkowi, tworząc kompozycje geometryczne o tendencjach abstrakcyjnych. Ważną częścią jego działalności było również kuratorstwo, najpierw jako sekretarz Cercle Artístic de Sant Lúc, potem jako dyrektor Fundació Miró, a na końcu jako pomysłodawca Nagrody za Rysunek „Juan Miró”.

W 1962 roku założył grupę «Ciclo de Arte de Hoy», z którą organizował Man (Muestra de Arte Nuevo), próbując promować sztukę młodych artystów w kręgach artystycznych Barcelony. W 1964 roku grupa została wybrana do udziału w ważnej kolektywnej wystawie Abstractos Catalanes w Barcelonie, a w 1969 roku do wystawy Tendencia Esencialista, zorganizowanej w Direción General de Bellas Artes. W latach sześćdziesiątych jego malarstwo stało się bardziej materialne: artysta ukuł termin «neoforma», aby wyjaśnić swoje kompozycje, w których nakłada grubości na płótno i używa naturalnych materiałów, takich jak ziemie czy kamienie, co sprawia, że jego twórczość zbliża się do poetyki Cretti Alberto Burri.

Joaquim Llucià (Vidreres, Girona, 1929 – Barcelona, 1973) był hiszpańskim artystą, znanym z pracy w dziedzinie malarstwa i kolażu.
Kariera i styl artystyczny
Po fazie figuratywnej, w 1958 roku Llucià zajął się abstrakcją, szczególnie pracą zatytułowaną Homenatge a Kasimir Malevič. Często korzystał z techniki kolażu, włączając materiały takie jak folia aluminiowa czy blachy mosiężne, zawsze zachowując podstawową strukturę geometryczną, którą czasami porównywano do Minimal Art. Jego dzieła charakteryzują się wyraźnymi wycięciami, które kierują kompozycją.
Llucià był aktywnym członkiem grupy Cercle d'Art d'Avui i promował różne działania, w tym nagrody Miró, poprzez Cercle Artístic de Sant Lluc.

Carlos Mensa (Barcelona, 1936 – 1982) był hiszpańskim samoukiem malarzem, znanym z jego stylu figuratywnego, który łączy realizm, ekspresjonizm i surrealizm w ostrej i ironicznej krytyce współczesnego społeczeństwa.
Biografia i Ścieżka artystyczna
Wykształcenie: Wychowany podczas hiszpańskiej wojny domowej, przeżył okres wygnania, który głęboko wpłynął na jego postrzeganie świata. Zaczął malować na pełny etat w 1957 roku, będąc pod znaczącym wpływem wystawy Giorgio de Chirico.
Grupy i wystawy: W 1961 roku założył Grupo Síntesis. Miał znaczący związek z Włochami, gdzie w 1965 roku odbyła się jego pierwsza indywidualna wystawa. Jego prace są obecnie przechowywane w ważnych instytucjach, takich jak Museo Reina Sofía w Madrycie i MACBA w Barcelonie.
Styl i Tematy
Tematy: Jego malarstwo ukazuje symboliczne postaci władzy i burżuazji (generałów, prelaturę, torreadorów, bogatych burżujów), aby potępić ich hipokryzję.
Estetyka surrealizmu: wykorzystuje absurd i groteskę, aby eksplorować lęki współczesnego człowieka, mroczne prawdy i tłumioną przemoc.
Technika: Wyróżnia się niezwykle wysoką biegłością techniczną, z drobiazgowymi, niemal hiperrealistycznymi opisami pierwszoplanowych postaci, często osadzonych w scenografiach teatralnych lub metafizycznych, charakteryzujących się głębokimi cieniami i architektonicznymi łukami.
Symbolika: Powszechne jest obsesyjne użycie koloru czerwonego oraz przedstawienie 'kolekcjonera' jako metafory niepohamowanego konsumpcjonizmu i pustego gromadzenia.

Owe Pellsjö (1937–2011), szwedzki rzeźbiarz i malarz znany z jego dzieł w brązie oraz kompozycji abstrakcyjnych.
Oto główne szczegóły dotyczące jego postaci:
Biografia: Urodzony w Jönköping, Szwecja, w 1937 roku, aktywnie działał w drugiej połowie XX wieku aż do swojej śmierci w 2011 roku.
Styl i dzieła: Jest szczególnie znany jako rzeźbiarz, z produkcją skoncentrowaną na rzeźbach i rilievi w brązie, często charakteryzujących się formami organicznymi lub abstrakcyjnymi. Tworzył również obrazy olejne na płótnie i papierze, preferując motywy pejzażowe i kompozycje chromatyczne.
Obecność w muzeach: jego dzieła są włączone do prestiżowych kolekcji, takich jak Moderna Museet w Sztokholmie i MACBA (Muzeum Sztuki Współczesnej w Barcelonie).
Rynek sztuki: jego rzeźby z brązu, często podpisane i numerowane, pojawiają się często na aukcjach sztuki skandynawskiej i międzynarodowej (takich jak Bukowskis i Auctionet).
Istnieje również współczesny artysta podpisujący się jako Karpüseeler, którego prawdziwe nazwisko to Pulejo (fonetycznie podobne), jednak Owe Pellsjö pozostaje głównym odniesieniem związanym z tym konkretnym nazwiskiem na arenie międzynarodowej artystycznej.

Amèlia Riera nauczyła się malować w pracowni Francisco Sainz de la Maza w Barcelonie, na tle szarej panoramy lat 50. Już w latach 60. była członkinią początkowej grupy Cercle Artístic de Sant Lluc, również w Barcelonie, oraz Saló Femení d'Art Actual, promowanego przez kolektyw wyraźnie kontestujących malarek, a także założyła wraz z innymi artystkami MAN, czyli Mostres d'Art Nou. Od tego czasu aż do swojej śmierci w 2019 roku, Amèlia Riera pracowała nad tym, co krytyk Juan Eduardo Cirlot nazwał „sztuką graniczną”. W obliczu dominującej wówczas abstrakcji informale, potrafiła wypracować własny język i ikonografię, które były całkowicie unikalne. To tajemniczy świat bliski surrealizmowi, zawsze z perspektywą płci. Amèlia Riera była w tym sensie pionierką. Jej obrazy przedstawiają istoty będące gdzieś pomiędzy manekinem a ruchomą lalką, z łańcuchami, ogrodzeniami lub kłódkami, bliskie sadomasochizmowi lub nekrofilii. Niepokojący erotyzm w języku bardzo zbliżonym do chiaroscuro, z wyraźną gęstością lub materią. Tytuły niektórych jej serii są wymowne, na przykład „Ex-votos”, „Sade”, „Eroticones”, „Elettrotermici” czy „Vampirismo”.

Amèlia Riera brała udział w licznych inicjatywach zbiorowych, a także w wystawach indywidualnych, w różnych przestrzeniach kraju, takich jak Saló de maig (1962), Palau de la Virreina (1970) i Galeria Dau al Set (1978) w Barcelonie, czy Palau Solterra (2005) w Torroella de Montgrí. Warto wspomnieć o retrospektywie prezentowanej w Centro d'Arte Tecla Sala w L'Hospitalet de Llobregat (1995). Po jej śmierci jej prace zostały wyróżnione na wystawach takich jak ta w Espai Volart w Barcelonie (2010) oraz w La Virreina Centre de la Imatge w Barcelonie (2022). Jej prace znajdują się w kolekcjach takich jak Fundació Vila Casas, Museu Nacional d'Art de Catalunya oraz MACBA w Barcelonie.