Ciclo de Arte de Hoy - 5 issues - 1964

Cadernos do Ciclo de Arte de Hoje. Bosh - Llucia - Mensa - Pellsjo - Amelia Riera - Valbuena. 1964. 5 cadernos raríssimos (dos quais foram publicados ao todo 7), cada um contendo obras originais dos seis autores.
Caderno 1: Contém uma folha com seis pequenas obras originais dos seis autores assinadas a lápis.
Quaderno 2: Contém uma obra original de Luis Bosch Cruanas e uma carta de Bosch datada de 8-3-1964.
Caderno 5: Contém duas obras originais de Owe Pellsjö assinadas a lápis.
Quaderno 6: Contém uma obra original de Amelia Riera.
Caderno 7: Contém uma obra original de Francisco Valbuena.
Cadernos em bom estado, com manchas normais, leves sinais do tempo ou pequenos defeitos. Em leilão, sem reserva.


Os Cuadernos do Ciclo de Arte de Hoy eram uma publicação serial de arte moderna espanhola em um número extremamente limitado de cópias, publicada em Barcelona em 1964 pelo grupo de artistas chamado Ciclo de Arte de Hoy. Cada número incluía obras de arte originais de um artista específico e ensaios críticos. Eram publicados em folhas soltas, impressas pela Gráficas El Tinell. A coleção completa é composta por 7 volumes. É considerada uma peça de coleção muito difícil de encontrar; por exemplo, algumas fontes indicam que apenas o volume 1 é conhecido por existir em bibliotecas como o MoMA. Cada cópia é única porque contém obras de arte originais de um artista específico. Entre os nomes associados a esses cadernos estão figuras como Bosch, Llucia, Mensa, Pellsjö e Amelia Riera. Os textos que acompanham as obras foram escritos por importantes críticos e personalidades do mundo da arte da época, como Vicente Aguilera Cerni e Carlos Vivo.

Luis Bosch Cruañas (Sant Feliù de Guíxols 1929 - Barcelona 2019). Começou a pintar autodidata em 1947. Após abandonar o estilo figurativo, dedicou-se ao desenho, trabalhando em composições geométricas de tendência abstrata. Sua atividade como curador foi importante, primeiro como secretário do Cercle Artístic de Sant Lluís, depois como diretor da Fundació Miró, e por fim como criador do Prêmio de Desenho «Juan Miró».

Em 1962, fundou o grupo «Ciclo de Arte de Hoy», com o qual organizou o Man (Muestra de Arte Nuevo), que buscava divulgar a arte dos jovens nos circuitos artísticos de Barcelona. Em 1964, o grupo foi selecionado para a importante coletiva Abstractos Catalanes em Barcelona, e em 1969 para a exposição Tendencia Esencialista, organizada na Direção Geral de Belas Artes. Nos anos sessenta, sua pintura tornou-se mais matérica: o artista cunhou o termo «neoforma» para explicar suas composições, nas quais insere espessores na tela e utiliza matérias naturais, como terras ou pedras, aproximando sua produção da poética dos Cretti de Alberto Burri.

Joaquim Llucià (Vidreres, Girona, 1929 - Barcelona, 1973) foi um artista espanhol, conhecido por seu trabalho no campo da pintura e do colagem.
Carreira e Estilo Artístico
Após uma fase figurativa, em 1958 Llucià dedicou-se ao abstracionismo, especialmente com uma obra intitulada Homenagem a Kasimir Malevič. Ele utilizou frequentemente a técnica do collage, incorporando materiais como papel alumínio ou lâminas de latão, sempre mantendo uma estrutura geométrica essencial, que às vezes foi comparada ao Minimal Art. Suas obras são caracterizadas por incisões nítidas que canalizam a composição.
Llucià foi um membro ativo do grupo Cercle d'Art d'Avui e promoveu várias atividades, incluindo o prémio Miró, através do Cercle Artístic de Sant Lluc.

Carlos Mensa (Barcelona, 1936 – 1982) foi um pintor espanhol autodidata, conhecido por seu estilo figurativo que combina realismo, expressionismo e surrealismo em uma crítica feroz e irônica da sociedade contemporânea.
Biografia e Percurso Artístico
Formação: Cresceu durante a guerra civil espanhola, viveu um período de exílio que marcou profundamente sua visão de mundo. Começou a pintar em tempo integral em 1957, influenciado de forma decisiva por uma exposição de Giorgio de Chirico.
Grupos e Exposições: Em 1961, fundou o Grupo Síntesis. Teve uma ligação significativa com a Itália, onde realizou sua primeira exposição individual em 1965. Suas obras estão atualmente preservadas em importantes instituições como o Museo Reina Sofía de Madri e o MACBA de Barcelona.
Estilo e Temáticas
Assuntos: A sua pintura retrata personagens emblemáticos do poder e da burguesia (generais, prelados, toureiros, ricos burgueses) para denunciar a hipocrisia deles.
Estética da Surrealidade: Utiliza o absurdo e o grotesco para explorar as ansiedades do homem moderno, as verdades obscuras e a violência reprimida.
Técnica: Destaca-se por uma altíssima perícia técnica, com descrições minuciosas quase hiperrealistas dos sujeitos em primeiro plano, frequentemente inseridos em cenografias teatrais ou metafísicas caracterizadas por sombras profundas e arcos arquitetônicos.
Simbolismo: recorrente é o uso obsessivo da cor vermelha e a representação do 'colecionador' como metáfora do consumismo desenfreado e do acúmulo vazio.

Owe Pellsjö (1937–2011), um escultor e pintor sueco conhecido por suas obras em bronze e composições abstratas.
Aqui estão os principais detalhes sobre a sua figura:
Biografia: Nascido em Jönköping, Suécia, em 1937, atuou ativamente na segunda metade do século XX até seu falecimento em 2011.
Estilo e Obras: É especialmente conhecido como escultor, com uma produção focada em esculturas e relevos em bronze, frequentemente caracterizados por formas orgânicas ou abstratas. Também realizou pinturas a óleo sobre tela e papel, preferindo motivos paisagísticos e composições cromáticas.
Presença em Museus: Suas obras estão incluídas em coleções prestigiosas, como a do Moderna Museet de Estocolmo e do MACBA (Museu de Arte Contemporânea de Barcelona).
Mercado de arte: Suas esculturas em bronze, frequentemente assinadas e numeradas, aparecem frequentemente em leilões de arte escandinavos e internacionais (como Bukowskis e Auctionet).
Existe também um artista contemporâneo que assina como Karpüseeler, cujo sobrenome real é Pulejo (semelhante foneticamente), mas Owe Pellsjö continua sendo a referência principal associada a esse nome específico no cenário artístico internacional.

Amèlia Riera aprendeu a pintar no estúdio de Francisco Sainz de la Maza, em Barcelona, no cinzento panorama dos anos 50. Já nos anos 60, fez parte do grupo inicial do Cercle Artístic de Sant Lluc, também em Barcelona, e do Saló Femení d'Art Actual, promovido por um coletivo de pintoras claramente contestadoras, e fundou, com outras artistas, o MAN ou Mostres d'Art Nou. Desde então até sua morte em 2019, Amèlia Riera trabalhou naquilo que o crítico Juan Eduardo Cirlot chamou de 'pintura limite'. Diante da abstração informal predominante na época, ela conseguiu articular uma linguagem e uma iconografia totalmente únicas. Um mundo misterioso próximo ao surrealismo, sempre com uma perspectiva de gênero. Amèlia Riera foi, nesse sentido, uma pioneira. Seus quadros apresentam seres entre o manequim e a boneca articulada, com correntes, cercas ou cadeados, próximos ao sadomasoquismo ou à necrofilia. Um erotismo inquietante, numa linguagem muito próxima ao chiaroscuro, com uma densidade ou uma consistência material pronunciadas. Os títulos de algumas de suas séries são significativos, como 'Ex-votos', 'Sade', 'Eroticones', 'Elettrotermici' ou 'Vampirismo'.

Amèlia Riera participou de várias iniciativas coletivas, bem como de exposições individuais, em diversos espaços do país, como o Saló de maig (1962), o Palau de la Virreina (1970) e a Galeria Dau al Set (1978), em Barcelona, ou o Palau Solterra (2005) em Torroella de Montgrí. Destaca-se a retrospectiva apresentada no Centro d'Arte Tecla Sala em L'Hospitalet de Llobregat (1995). Após sua morte, seu trabalho foi destacado em exposições como a apresentada no Espai Volart de Barcelona (2010) e na La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona (2022). Seu trabalho está presente em coleções como as da Fundació Vila Casas, do Museu Nacional d'Art de Catalunya e do MACBA de Barcelona.