Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglass de 3mm.
Esta obra não é uma impressão. Tratase de uma obra original "multi-camadas" cuja acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões : Polegadas 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm sem moldura.

Esta pintura é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 70€TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne, maio de 2026.


Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, quem plantou a semente do que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em privado, experimentando inúmeras aquarelas em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros vão direto ao encontro de quem olha, dominantes e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também uma predileção por materiais espirituais, pois eles ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para me tornar realmente um artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, persigui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica à Ásia e à França. Minhas viagens broadenaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhei nas cenas de arte locais e me envolvi com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim—uma maneira de me libertar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após aposentar-se da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à arte. Ao final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Holanda.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior, em uma sacristia vã em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, afastando-se de técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra enquanto ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo—algo que eu acolho. Permito experimentos "aleatórios" -qualquer coisa serve para interromper a razão!- para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, deixando espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: em minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são apenas possíveis com um grande senso de disciplina. Essa abordagem, que ecoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que deem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irredutíveis”, ou seja, o que provavelmente descobrimos quando paramos em silêncio e iluminação.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no âmago da vida”, pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todo objeto, são objetos em si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Enquanto meu trabalho às vezes pode evocar a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação da luz, da cor e da textura, bem como das partes ausentes, exige apenas empatia. Espero que a relação entre “detalhes para o nítido” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me impele a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma forma de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."


Sobre a coerência em minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm igual peso, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas—campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass—são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a silenciosa interação de pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática se apoia em três intenções alinhadas.

A primeira é um Recuo do Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e ao ter “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e buscar um olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que chamo de uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento silencioso a ser sentido—modelado pela luz mutationante, camadas translúcidas e o leve reflexo do observador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê”.

A terceira é onde a ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na face reversa do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de criar. Defino condições, mas abandono o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de um “objeto de si mesmo” independente, plenamente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico—a paciência esperando pelo que chega "aqui e agora".

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Caso e Disciplina
Falo de coincidências significativas, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é um convidado bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que considero sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado—uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, mas é curiosamente dirigida ao agora: um anseio pelas “necessidades irredutíveis” encontradas em “silêncio e luz”—um desejo de presença pura que a própria obra oferece discretamente.

Esforço e Esforço-se
O processo requer atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse surgido por si só. Estou atraído pelo que parece absolutamente inevitável.
Nesse espírito, cheguei a sentir que “a idade do informal acaba de começar.” Minha prática deve muito ao espírito do Informalismo, embora talvez com menos angústia e mais serenidade—uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas uma colaboradora quieta.

No cerne está a busca pelo "le vif"—o núcleo vivo. O trabalho tende para a experiência direta, em vez de intelectualização. A modesta escala que frequentemente escolho pretende incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No final, este é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Percebi que uma prática enraizada no paradoxo silencioso não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, acredito que tais tensões podem se tornar uma fonte de resistência.

Anton Kaestner