Anton Kaestner - #385 - S - " Chromatic MR10 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, direto do ateliê.
#385 - S - "Chromatic MR10".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglass de 3mm.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multi-camadas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.
Transparência na impressão.

Dimensões: Polegadas 9,1 x 12,6 x 0,12 / 23 x 32 x 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de alta qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 70€TTC.

A obra é assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informação e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne 7/10 de maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão & artista, cuja influência plantou a semente do que viria a se tornar, mais tarde, a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando inúmeras acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros chegam direto a você, dominantes e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e mesmo me considerando ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, desde os Estados Unidos até o Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas de arte locais e interagia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, silenciosamente a fervilhar por baixo da superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim—uma maneira de me libertar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo sob uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira empresarial, comprometi-me plenamente à pintura. Estabeleci meu ateliê em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à arte. Ao final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando espaço em coleções particulares por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Holanda.

Ao final de 2025, mudei para um ateliê maior em uma sacristia vazia em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distintiva da arte, distante das técnicas de pintura tradicionais: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra conforme ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo—algo que eu acolho. Permito experimentos "aleatórios" -qualquer coisa serve para interromper a razão!- para guiar o resultado, as camadas & efeitos de espelho que crio, e deixo espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a acaso nunca toma as decisões; no máximo, o acaso faz perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito disciplina. Essa abordagem que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia é desafiadora e liberadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável que descubramos ao parar em silêncio e na luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica” mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas expansão da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis, minha arte é uma busca pela “vida no próprio coração da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens, ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora minha obra às vezes possa evocar a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrata. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra funciona como um espelho discreto: ela vive, ela muda, ela vê. A interação de luz, cor e textura, dos espaços ausentes também, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o próximo” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo possuir todas as respostas e quero manter-me humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me impulsiona a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Para mim, pintar é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar trabalhos definidos não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas—campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass—são os resultados quietos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o foco verdadeiro é menos a imagem final do que a interação silenciosa de pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática baseia-se em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como "sem objeto" e tendo "nem conteúdo, nem significado, nem sentido", espero aliviar gentilmente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, procuro colocar o que considero uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento silencioso a ser sentido—formado pela mudança de luz, camadas translúcidas e o leve reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê”.

A terceira é onde ideia encontra mão: Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na contracapa do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de “objeto de si mesmo”, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico—uma espera paciente pelo que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Acaso e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. O acaso é um convidado bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado—uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma tranquilidade palpável.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, ainda que curiosamente voltada ao agora: um anseio pelas “necessidades irredutíveis” encontradas no “silêncio e luz”—um desejo de presença pura que a obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço sem Esforço

O processo requer atenção constante, mas busca um resultado que pareça autônomo, como se “surgisse por si só”. Sou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nesse espírito, cheguei a sentir que “a era do informal mal começou.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais tranquilidade—uma informalidade onde o acaso não é uma ruptura, mas um colaborador quieto.

No cerne está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez da intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho pretende incentivar a intimidade, não o espetáculo.

Em última análise, este é apenas o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada em paradoxos silenciosos não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner