Anton Kaestner - #386 - S - " Chromatic MR11 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#386 - S - " Chromatic MR11 ".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglass de 3mm.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original de várias camadas cujo acabamento brilhante "glossy", semelhante à aplicação de resina, é único.
Transparência na impressão.

Dimensões: Polegadas 9,1 x 12,6 x 0,12 / 23 x 32 x 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 70€TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas em toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne 7/10 de maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra natal. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu avô falecido, um artesão e artista, quem plantou a semente do que, mais tarde, se tornaria a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar privadamente, experimentando inúmeros acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros chegam direto até você, dominadores e intimidadoras, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora eu me considere ateu, desenvolvi também uma afeição por materiais espirituais, pois ressonavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.
Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional na área de negócios que me levou ao redor do mundo, desde os Estados Unidos até o Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, exposto a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, eu me imergia nas cenas artísticas locais e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira, a arte sempre fez parte de mim, fervendo discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de romper com o mundo e focar no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada na qual posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre desejei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo sob uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira de negócios, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. Ao final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando espaços em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

Ao final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vaga em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição solo, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distinta da arte, distante das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra à medida que se desenvolve. Não tenho retorno visual nem controle durante o processo — algo que aceito. Permito “experimentos aleatórios” — tudo vale para burlar a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça for finalmente exposta. Mas, vamos ser claros: em minhas imagens, a chance nunca toma as decisões; no máximo, a chance faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito disciplina. Essa abordagem, que ressoa com o processo de revelação/ fixing da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico satisfeito quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que provavelmente descobrimos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intellectualização/posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no âmago da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Embora meu trabalho possa às vezes evocar a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglas oferece à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, de partes ausentes também, exige apenas empatia. Espero que a brincadeira entre “detalhes para o próximo” — um detalhe de uma imagem é uma imagem totalmente nova — e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não pretendo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me leva a refinar minhas habilidades e explorar ainda mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal está apenas começando.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass — são os resultados quietos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a interação silenciosa entre pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática se apoia em três intenções alinhadas.

A primeira é um Retiro do Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e com “nenhum conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e buscar uma forma de olhar mais direta.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que considero uma “experiência de ser.” A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento quieto a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e pelo leve reflexo do espectador encontrando o próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

A terceira é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na parte de trás do plexiglass, trabalhar sem retorno visual, é uma prática física de deixar ir. É um ato consciente de liberação de controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de um “objeto de si mesmo” independente, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência esperando pelo que chega “aqui e agora.”

Sustentam essas intenções alguns paradoxos suaves que mantêm o trabalho:

Caso e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A chance é um convidado bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia persiste no trabalho, mas é curiosamente dirigida ao agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e na luz” — um desejo de presença pura que a própria obra oferece calmamente.

Esforço e Esforço Sem Esforço
O processo requer atenção constante, ainda que busque um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “emergido por si mesmo”. Sou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nesse espírito, passei a sentir que “a era do informal acabou de começar.” Minha prática é devida ao espírito do Arte Informal, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a chance não é ruptura, mas uma colaboradora quieta.

No seu cerne está a busca por “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende a uma experiência direta em vez de intelectualização. O modesto tamanho que frequentemente escolho visa encorajar intimidade, não espetáculo.
Ao final, este é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada em um paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem tornar-se, acredito, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner