Anton Kaestner - #391 - S - " Chromatic MR13 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do atelier.
#391 - S - "Chromatic MR13".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglass de 3 mm.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicamadas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.
Transparência na impressão.

Dimensões: Polegadas 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 70€ TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são exibidas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne de 7 a 10 de maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que viria a se tornar, finalmente, a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando com inúmeras acrylics em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros vão direto a você, dominantes e intimidados, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressãoismo abstrato.
Ao longo do tempo, e enquanto me considero ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional em negócios que me levou ao redor do mundo, desde os Estados Unidos até o Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas locais de arte e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, quietamente fervilhando sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e focalizar meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências genuínas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à arte. Fim de 2024, iniciei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando casas em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No fim de 2025, mudei-me para um estúdio maior, em uma sacristia vazia em Lisieux, Normandia.

Currículo artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distinta da arte, afastando-se de técnicas de pintura tradicionais: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra como ela se desenvolve. Não tenho retorno visual nem controle durante o processo — algo que eu acolho. Permito “experimentos aleatórios” — qualquer coisa serve para encurtar a razão! — para orientar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixo espaço para revelação e descoberta quando a peça finalmente é exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são apenas possíveis com grande disciplina. Essa abordagem, que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que deem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico contente quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, aquilo que é provável descobrir quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica” mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis, minha arte é uma busca pela “vida no cerne da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif” (o vivo). Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas não têm objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho possa às vezes evocar a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglas confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, das partes ausentes também, requer apenas empatia. Espero que a relação entre “detalhes para o perto” — um detalhe de uma pintura é uma imagem completamente nova — e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me impulsiona a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar trabalho definido não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o foco verdadeiro é menos a imagem final do que a interação silenciosa entre pensamento e processo que permite que ela surja.

Essa prática baseia-se em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada de Significado Impondo. Descrevendo as obras como “sem objeto” e com “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para sair da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nese espaço aberto, tento colocar o que considero uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento quieto a ser sentido — moldado pela luz que se move, camadas translúcidas e o leve reflexo do observador ao encontrar seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

A terceira é onde a ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na parte traseira do plexiglass, trabalhando sem retorno visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente do controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de um “objeto por si só”, completamente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência esperando pelo que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia persiste no trabalho, mas é curiosamente dirigida ao agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e luz” — um desejo de presença pura que a obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço Sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se “tivesse surgido por si só.” Estou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nesse espírito, cheguei a sentir que “a era do informal mal começou.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas uma colaboradora quieta.

No âmago está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez da intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No final, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática alicerçada em paradoxos silenciosos não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner