Anton Kaestner - #396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
Minha primeira pintura em vidro, um vidro recuperado no Marrocos em 1994.
#396 - S - "Glass Horizon 2".

Acrílico em spray sobre placa de vidro (Marrocos 1994) de 3 mm.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multi-camadas" cujo acabamento brilhante "glossy", semelhante à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegadas 9,3 * 9,8 * 0,12 / cm 23,5 * 25 * 0,3 sem moldura.

Esta obra é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível durante o envio por um valor adicional de 60€TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne 7/10 de maio de 2026.

Biography

Nascido em Genebra, Suíça, cresci rodeado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que se tornaria a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar privatamente, experimentando inúmeras tintas acrílicas em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros chegam diretamente até você, dominantes e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui atraído pela primeira vez pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora eu me considere ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, já que ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Durante mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Em qualquer lugar aonde fui, busquei me imergir nas cenas artísticas locais e me envolver com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, pintar tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e focar no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação em pintar. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após aposentar-me da carreira nos negócios, comprometi-me plenamente à pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando moradas em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em um sacristia vago em Lisieux, Normandia.

Artistic CV

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distinta da arte, afastando-se das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra enquanto ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que acolho. Permito “experimentos aleatórios” — tudo vale para interromper a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça finalmente é exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito disciplina. Essa abordagem, que dialoga com o processo de revelação / fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que provavelmente descobriremos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho meu approach deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas expansão da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca por a “vida no cerne da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho às vezes evoque a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglas confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente a cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, incluindo as partes ausentes, exige apenas empatia. Espero que a brincadeira entre “detalhes para o perto” - um detalhe de uma imagem é uma foto completamente nova - e “distância para o todo”, incentive os espectadores a embarcarem em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde quanto ao que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, me levando a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal acabou de começar.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

Sobre a coerência da minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que o diálogo silencioso entre pensamento e processo que permite que ela emergente.

Essa prática se ancora em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Descrevendo as obras como “sem objeto” e tendo “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nessa espaço aberto, tento colocar o que considero uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento quieto a ser sentido — moldado pela mudança da luz, camadas translúcidas e o reflexo tênue do espectador encontrando seu próprio olhar. Como costumo observar, a peça “vive, muda, vê”.

A terceira é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na face oposta do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente do controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de um “objeto de si mesmo” independente, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência esperando pelo que chega, aqui e agora.

Seguem-se algumas pequenas antíteses que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosos. A sorte é um convidado bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quieta imobilidade.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, mas é curiosamente voltada para o agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e luz” — um desejo de presença pura que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas mira um resultado que pareça autônomo, como se tivesse emergido por conta própria. Sou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Neste espírito, cheguei a sentir que “a idade do informal acabou de começar”. Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

No âmago está uma busca por “le vif” — o núcleo vivo. O trabalho tende à experiência direta em vez de intelectualização. O tamanho modesto que frequentemente escolho pretende favorecer a intimidade, não o espetáculo.
No final, isto é simplesmente o caminho de um único artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada no paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner