Anton Kaestner - #21 - XL - " Dans l'Incertitude ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#21 - XL - "Na Incerteza".

Acrílico em spray sobre placa de Perspex de 3mm.
Transparências sobre impressão.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original de várias camadas, cujo acabamento brilhante "glossy", semelhante à aplicação de resina, é único.
Os detalhes deste quadro revelam-se com o tempo.

Dimensões: Polegada 34,0 * 24,2 * 0,12 / 86 * 61,5 * 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de alta qualidade da marca alemã Nielsen, em alumínio, referência 34 Natura 514 Carvalho (Polegada 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 140€TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra de 18 a 28 de junho de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada em minha família, e foi meu falecido avô, artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em privado, experimentando inúmeras acrílicas em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que quadros grandes vão direto ao encontro de você, dominantes e intimidadoras, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também um gosto por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que fosse, mergulhava nas cenas de arte locais e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de romper com o mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre achei imensa satisfação em pintar. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após aposentar-me da carreira empresarial, comprometi-me integralmente à pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando moradas em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Holanda.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior, em uma sacristia vaga em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, revelou uma abordagem distinta da arte, distante das técnicas de pintura tradicionais: eu pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexíglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra conforme ela se desenvolve. Não tenho feedback visual nem controle durante o processo — algo que aceito. Permito "experimentos aleatórios" — tudo vale para interromper a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixo espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito discipline. Essa abordagem, que dialoga com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que deem a cada obra uma qualidade "ascética": fico satisfeito quando reconheço as "necessidades irreduzíveis", ou seja, aquilo que provavelmente descobriremos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem "emoção" nem "concepção teórica", mas a experiência de ser. Nem "consumo rápido" nem "intelectualização/posse intelectual", mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela "vida no âmago da vida", pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objetos. Assim como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho possa, por vezes, evocar a transparência e a luminosidade de vitrais, ele permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, ela muda, ela vê. A interação de luz, cor e textura, incluindo as partes ausentes, exige apenas empatia. Espero que o jogo entre "detalhes para o close" — um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova — e "distância para o todo" incentive os espectadores a embarcarem em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero continuar humilde em relação ao que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, levando-me a refinar minhas habilidades e explorar mais do que posso realizar. Para mim, pintar é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver".

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o foco verdadeiro é menos a imagem final do que a quieta interação do pensamento e do processo que permite que ela surja.

Essa prática baseia-se em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como "sem objeto" e por terem "nada de conteúdo, nem significado, nem sentido", espero loosamente dissolver a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação, rumo a uma forma de olhar mais direta.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que penso ser uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento quieto a ser sentido — moldado pela luz variável, camadas translúcidas e o suave reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como muitas vezes observo, a peça "vive, muda, vê".

A terceira é onde a ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na parte de trás do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente do controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de "objeto de si mesmo", plenamente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência esperando pelo que chega "aqui e agora".

Mantendo essas intenções, seguem alguns paradoxos suaves que sustêm a obra:

Sorte e Disciplina
Falo de "coincidências significativas", mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma visitante bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação sem Mensagem
Espero "comunicar algo" através de obras que considero sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, porém curiosamente voltada para o agora: uma saudade das "necessidades irreduzíveis" encontradas no "silêncio e luz" — um desejo de plena presença que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço-Relutante
O processo requer atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse "emergido por si mesmo". Sinto-me atraído pelo que parece naturalmente inevitável.
Nessa linha, cheguei a acreditar que "a era do informal mal começou". Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

No seu cerne está a busca pelo "le vif" — o núcleo vivo. O trabalho tende à experiência direta em vez da intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho pretende incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No fim, este é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Encontrei que uma prática enraizada no paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem tornar-se, acredito, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner