André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Este abstracto sculpture do renomado artista suíço André Ramseyer (1914-2007) foi adquirido diretamente do artista por volta de 1970 e é emblemático de seu estilo, fortemente influenciado pela abstração geométrica de Henry Moore. Sua obra desse período foca a interação entre “preto e vazio”, sendo o furo circular no acaso um elemento clássico de sua linguagem plástica. Embora muitos de seus trabalhos mais conhecidos tenham sido moldados em bronze, ele também trabalhou com pedras como mármore e alabastro. Esta peça específica parece ser feita de um tipo de mármore polido. A escultura está numerada 1/1 e possui seu monograma característico. As dimensões são 28 cm de comprimento, 18 cm de altura e 12 cm de profundidade. As últimas 3 fotos são de obras semelhantes da mesma época.

Proveniência
Oficina do artista
Família van Vliet, Eindhoven (1971)

Importante !!
A base maciça preta não é incluída devido ao peso (>25 kg), a menos que a peça seja retirada pessoalmente.

André Ramseyer
Para André Ramseyer, a escultura era uma verdadeira vocação: “Eu não podia fazer outra coisa. Eu obedecia a uma vocação interior.” Uma vocação que ele tentou atender, nem sempre sem dor: “Você almeja um objetivo que fica cada vez mais distante à medida que se aproxima. O artista sempre fica aquém do que gostaria de alcançar. É uma fonte de sofrimento e, ao mesmo tempo, de inspiração”, disse ele aos 90 anos a Dominique Bosshard (no Neuchâtel Express, 31 de janeiro de 2004).

Depois de estudar com Léon Perrin (1886-1978) em La Chaux-de-Fonds e ter feito cursos nas Academies Libres de Montmartre e Montparnasse em Paris, André Ramseyer tratou o corpo humano em um estilo que refletia sua admiração por mestres como Rodin (1840-1917) e Maillol (1861-1944). A última obra figurativa do escultor é A Danzarina, que olha para a piscina no centro do jardim formal diante do Hôtel DuPeyrou em Neuchâtel. Foi um marco importante em sua carreira: em primeiro lugar, porque foi seu primeiro grande pedido oficial, e em segundo, porque a obra gerou controvérsia. André Ramseyer teve de defendê-la contra um grupo de opositores que defendiam a arte tradicional. Demorou cinco anos até a obra ser revelada, embora o projeto original do escultor remendesse de 1948.

Depois de sua experiência no ateliê de Ossip Zadkine (1890-1967), André Ramseyer moveu-se gradualmente em direção à abstração. As figuras dos casais que ele esculpia tornaram-se formas simplificadas e refinadas, com espaços vazios entre seus corpos. Ele explicou seu desenvolvimento da seguinte maneira:

“Foi em 1948, após A Danzarina no Hôtel DuPeyrou, que eu me afastei da arte figurativa. Depois de passar um ano em Paris, trabalhei com o escultor Ossip Zadkine. Sob a influência dele, desenvolvi-me lentamente para uma forma de liberdade pela qual tanto desejei.” Zadkine continuou sendo um escultor figurativo, mas ele concede liberdades com o corpo humano, liberdades que eu assimilei, como em Consolo, uma escultura que hoje se encontra na praça central de Biel/Bienne; ainda é o corpo masculino e feminino, mas tratado com grande liberdade.”¹

Quando Ramseyer se aventurou pela abstração, essa forma de arte foi fortemente julgada pelo grande público e por muitos artistas, como Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) e Paulo Röthlisberger (1892–1990). Ramseyer conta que este último, durante uma estada em Paris, ficou tentado a pintar não figurativamente, mas acabou desistindo. “Diante de uma escultura de Marino Marini, ele disse a mim mesmo: ‘Isso não é para nós.’” No que diz respeito a Léon Perrin, ele avaliou o trabalho de seu antigo aluno como “infantil, quase uma depravação!”²

Os pintores amigos de Ramseyer, como Georges Froidevaux e Claude Loewer, que também haviam aderido à arte abstrata, encontraram o mesmo incompreensão: o público de Neuchâtel simplesmente não olhava. Não conseguia acompanhar o ritmo. Ainda assim, a região de Neuchâtel e Jura, desde os anos cinquenta, fez uma entrada espetacular na era da arte moderna; o escultor André Ramseyer foi um dos primeiros a abandonar a arte figurativa e deu às suas explorações do círculo uma dimensão pessoal, ainda que suas obras apresentassem ecos de Jean Arp ou Henry Moore (que ele descobriu no Kunstmuseum Bern em 1950).

Essas explorações formais tornaram-se cada vez mais inovadoras, com o risco de ferir as sensibilidades do público neuchâtelois, ainda amplamente indisposto à arte abstrata. Assim escreveu o Courrier de Genève em 1960, após a inauguração de uma escultura na fachada do prédio da seguradora Winterthur em Neuchâtel:

“Fornecedores interessados – e acreditamos que há muitos – queremos apontar que o motivo em bronze na fachada do edifício, criado pelo escultor Ramseyer, recebe o título Envol (Fuga), o que é bom saber.”³ O escultor quis, mais uma vez, integrar a obra à arquitetura. Ramseyer explicou isso no Feuille d’Avis de Neuchâtel:

“Para este prédio moderno, o objetivo era escolher um motivo simples, adequado para o exterior, visível de longe e também para os motoristas, mesmo os que passam rapidamente.” Escolhi um jogo de curvas que, em contraste, enfatizou as verticais e horizontais do edifício. Era necessário criar um ritmo ascendente, obedecendo ao grande movimento para cima da fachada e à longa parede retangular que precisava ser decorada. Quero enfatizar que esta obra – que chamei de Fuga – não representa nada em si. É um elemento escultórico no qual se deve ver apenas um jogo de formas e ritmos. A arquitetura contemporânea exige uma escultura contemporânea.”⁴

Ramseyer criou inúmeras obras monumentais e engajou-se em um diálogo dinâmico com a arquitetura. Ele sempre buscou integrar-se ao espírito do lugar, brincando com o espaço, a luz e os materiais desses lugares. Segundo Olivier Bauermeister, as esculturas de Ramseyer geram “gradualmente o espaço de que precisam, em um movimento contínuo de começo e fim.”5

Ramseyer encontrou um caminho original ao multiplicar variações na forma de círculo. Para ele, “a esfera é a mais bela de todas as linhas…” Ele também deu um lugar central à “magia do vazio” que habita e penetra a forma. Os extremos opostos do material e do imaterial se unem assim. O artista costumava dizer que suas obras se desdobram no espaço, assim como o espaço as envolve. Ele queria que elas “emitissem brilho de dentro para fora”. Em sua monografia sobre o artista de 1979, Marcel Joray escreve: “Formas nascidas do círculo, símbolo do céu, e de seções nascidas do quadrado, símbolo da terra, multiplicam-se. O círculo se tornará a forma central de todas as esculturas de Ramseyer, que almejam alcançar o sinal, a matéria espiritualizada.” O escultor repete esse ponto (em L’Express, 31 de janeiro de 2004): “Em uma obra de arte há matéria, espaço, luz, toda a habilidade que se pode colocar nela. Mas deve haver uma dimensão extra, essencial, que eu chamaria de espiritual. A obra transmite suas próprias vibrações.”

A série Cantata of Gates of Day (1988-1990) ocupa um lugar único em sua obra. Ramseyer caminhava repetidamente pelos painéis de granito que seu vizinho, um pedreiro, guardava em seu ateliê. Certa vez, sentiu a ânsia de extrair formas arquitetônicas dessas placas e acrescentar gravuras sutis, como uma homenagem ao próprio material. Essa abordagem perturbou muitos e o próprio artista teve dificuldade com ela.

Ramseyer falou várias vezes sobre seu trabalho, em entrevistas e palestras. Ele também escreveu os textos para a segunda parte da monografia publicada em 1994 pelas Éditions du Griffon.