Gerard Richter (after) - STRIP (921-2) / Lo tienes que ver…

Cartaz offset de Gerhard Richter (*)
Editado com motivo da exposição “Você precisa ver…” na Fundação Juan March em 2025.
Reprodução da obra STRIP (921-2), obra realizada por Richter em 2011 e que faz parte da coleção da Fondation Louis Vuitton, em Paris.
Publicada pela Fundação Juan March.
Impressão autorizada com copyright.
Grandes Formatos.

*** ÚLTIMAS EDIÇÕES ***

- Dimensões da folha: 96,7 x 61,5 cm
- Ano: 2025
- Estado: Excelente (esta obra nunca foi emoldurada nem exposta, sempre mantida em pasta profissional de arte, portanto está em perfeito estado).
- Procedência: Coleção particular.

A obra será cuidadosamente manuseada e embalada em embalagem de papelão reforçado. O envio será certificado com número de rastreio.

O envio incluirá, ainda, seguro de transporte no valor final da obra com reembolso total em caso de perda ou dano, sem custo para o comprador.

(*) Gerhard Richter, ainda ativo aos seus noventa e poucos anos, ousou contrapor-se a Adorno ao afirmar que, mesmo após Auschwitz, existe a poesia.
Este autor, nascido em 1932 em Dresden, formado na sua Academia de Belas-Artes e residente na Alemanha Ocidental desde 1961, transformou, no fundo, no centro de sua produção, a reflexão sobre até que ponto era possível fazer arte após o nazismo e o Holocausto. Preferiu destruir alguns de seus primeiros quadros, por vezes intitulados Execução ou Hitler (1962); peças que, na metade dos anos sessenta, deram lugar a Tia Marianne, Tio Rudi ou Sr. Heyde, baseadas em fotografias anteriores e que aludiam tanto ao passado alemão quanto à sua própria história familiar.
Paralelamente, começou a coletar testemunhos visuais históricos, às vezes privados, como fotos, recortes de jornais e esboços, num arquivo que chamou de Atlas, do qual não deixou de extrair fontes até hoje; desse arquivo fazem parte, novamente, imagens de campos de concentração que, nos anos noventa, tentou empregar pela primeira vez como motivos pictóricos, mas acabou por descartar a ideia.
Richter entende a arte como catalisador de problemas e como problema em si mesmo: tem interesse pelo outro lado da pintura, poder afirmar o sentido do ato de pintar para depois negá-lo e sublinhar as distâncias entre a pintura que representa motivos e aquela outra que reflete sobre si mesma e não sobre a realidade.
Quando decidiu abandonar a Alemanha Oriental, o fez após descobrir, na Documenta de Kassel de 1958, a obra de Fontana e a de Pollock: ambas representaram para ele um revulsivo ao concluir que sua busca deveria basear-se na luta contra a pintura sem abandoná-la. Sob influência de outros autores europeus (Giacometti e Dubuffet), começou a reproduzir fotografias a óleo e, desejoso de afastar-se da tradição alemã, iniciou um caminho artístico que pretendia independente, a meio caminho entre ceticismo filosófico e gravidade.
Aquelas fotografias que nutriam Richter lhe pareciam, ao mesmo tempo, muito amargas: ele considerava que vegetavam e que levavam uma vida nômade e miserável; também que ele poderia reeditá-las, resgatá-las. Para o alemão o pintor não deve procurar exprimir o caráter de seu modelo e, quando trabalha a partir de uma foto, não representará um indivíduo, mas uma imagem que não terá nada a ver com ele. O propósito de semelhança seria inútil.
Aprofundando essa ideia, ao pintar a partir de uma foto o pensamento consciente desapareceria: o artista não precisa tomar decisões. Não existe a noção de originalidade, a tentação de descrever, o sentimentalismo, o conteúdo temático ou iconográfico… Por tudo isso, o público também haveria de modificar seus modos de ver e pensar: se a tela já não imita, e não pode ser interpretada como documento, terá de buscar nela uma irrealidade em que caiba a ironia.
Em que consistem suas técnicas? Richter copia a óleo sobre tela imprimada, com precisão e sem pretensão de acrescentar ou retirar, fotos anônimas sem pretensões estéticas nem, aparentemente, valor emocional. Não altera nem desenfoca as imagens de partida, e sua razão é prévia à sua arte: Não preciso deformar como Bacon; os objetos já são bastante aterradores.
Os cinzas dominantes em muitas de suas peças conectam-se com esse desejo nulo de expressar opinião; de novo voltando às suas palavras, o cinza está mais qualificado que qualquer outra cor para não representar nada em absoluto. Rompe, porém, com esse mecanicismo, a descoberta que seria seu selo: o borrão dos contornos que contrasta com a nitidez da fotografia clássica e que provoca que estejamos, ao mesmo tempo, diante da imagem real e de sua dissolução.
Não preciso deformar como faz Bacon; os objetos já são bastante aterradores.
Quanto à seleção das imagens que alimentam sua produção, Richter não as escolhe ao acaso. Uma das mais emblemáticas é a citada Tio Rudi (1965), seu próprio tio: aparentemente um homem simpático que usa o uniforme do exército nazista. O artista dedicou essa obra às vítimas das SS durante a ação de punição à população checoslovaca de Lidice, em 1984; podemos entendê-la, portanto, como uma reflexão sobre os atos de comemoração e luto em seu país, no pós-guerra. A ele também intrigavam a dor e a morte, como novamente demonstrou em Tiroteado 2 (1988), manifestação de seu desespero diante do dilema de que nosso olho nos permite identificar as coisas e, ao mesmo tempo, impede e restringe a compreensão da realidade.
Em 2014, e para a série Birkenau, seu ponto de partida foram quatro fotos do próprio campo de concentração de Auschwitz-Birkenau, tiradas secretamente em 1944 por prisioneiros judeus que arriscaram suas vidas ao fazê-las. Mostram tanto o terreno do campo quanto o interior do quinto crematório, com numerosos cadáveres, e são as únicas imagens preservadas desses espaços para o extermínio que procedem das vítimas.
Não foram publicadas até depois da II Guerra Mundial e, em 1967, Richter já havia incluído várias delas em seu Atlas, mas não seria até o aparecimento de algumas no ensaio de Georges Didi-Huberman Imagens Apesar de Tudo (2008), em que o filósofo as utilizava para analisar como poderia representar-se o Holocausto, quando sentiu o impulso de empregá-las em sua obra. Transferiu quatro cenas, com carvão e pintura a óleo, para telas individuais e depois pintou sobre elas a partir de parâmetros abstratos, de modo que, com cada camada adicionada, os motivos originais desapareciam até não serem mais visíveis.
Referimo-nos a peças específicas, mas para compreender a obra de Richter devemos estudá-la em seu conjunto: seus diversos estilos foram simultâneos, e por isso ambíguos. Em uns e outros procurou a maestria técnica, e globalmente parecem articular uma grande ópera: ele cultivou a monocromia e o expressionismo, o hiper-realismo e a abstração. A paisagem, o retrato e o nature- morte.
São bem conhecidos seus muestrários cromáticos, que vinham desafiar certo decorativismo na abstração europeia; tratam-se de catálogos industriais que incidem sobre o que tem a pintura de espetáculo brilhante e reduzem o fundamento dos estilos. O fruto parece um fresco dessa disciplina no século XX.
Como Josef Albers, ele também investigou os campos cromáticos a partir da forma geométrica do quadrado desde meados dos anos sessenta, quando se encontrava fascinado, quase obcecado, pelas tarjas de amostra de cores produzidas industrialmente, com sua suavidade perfeita e sua precisão na reprodução dos tons e de suas possibilidades de variação. Para Richter, esses quadrados evocavam o oposto à ênfase emocional, à expressividade ou ao sublime, isto é, às propriedades que, até as primeiras décadas do século passado, tinham sido consideradas próprias da pintura.