Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Pièce unique, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#123 - M - " Lava #2 ".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglass de 3mm (anti-UV).
Transparências sobre impressão laranja.
Esta pintura não é uma impressão. Trata-se de uma obra original de múltiplas camadas cujo acabamento brilhante "glossy", semelhante à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegada 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sem framing.

Esta obra é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 Preto Fosco (Polegada 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 90€TTC.

A obra é assinada no verso.
Acompanhado por um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra janeiro de 2027.

Biography

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade sempre foi valorizada em minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente para o que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em privado, experimentando com inúmeras acrílicas em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que quadros grandes chegam direto a você, dominantes e intimidados, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui atraído pela primeira vez à pintura não figurativa e ao expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também apresso por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.

Durante mais de três décadas, atravessei uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Em todos os lugares que fui, mergulhei nas cenas de arte locais e envolvi a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira de negócios, a arte sempre fez parte de mim, fervendo silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim—uma maneira de romper com o mundo e focar no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação em pintar. Cada nova obra é uma jornada na qual posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências verdadeiras. Através da minha arte, sempre espero oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após aposentar-me da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vazia em Lisieux, Normandia.

Artistic CV

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, afastada das técnicas de pintura tradicionais: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes
frágil. Este processo me impede de ver a obra à medida que ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo—algo que eu aceito. Permito experimentos "aleatórios" - tudo vale para contornar a razão! - para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, deixando espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: em minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com grande disciplina. Essa abordagem que ecoa com o processo de revelação/fixação da fotografia é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, todavia conferem a cada trabalho uma qualidade "ascética": fico feliz quando reconheço as "necessidades irreduzíveis", ou seja, o que é provável que descubramos quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem "emoção" nem "concepção teórica" mas a experiência de ser. Nem "consumo rápido" nem "intelectualização/posse intelectual", mas widen de consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis, minha arte é uma busca por uma "vida no próprio âmago da vida", pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas não têm objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens, ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho possa às vezes evocar a transparência e a luminosidade das vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglas oferece à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, ela muda, ela vê. A interação da luz, cor e textura, dos aspectos ausentes também, requer apenas empatia. Espero que a relação entre “detalhes para o close” - um detalhe de uma imagem é uma imagem inteiramente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é uma confrontação com meus limites, me impulsionando a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar para mim é um ofício diário, uma exploração, uma forma de acender conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A idade do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas—campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass—são os resultados silenciosos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o foco verdadeiro é menos a imagem final do que a quieta inter-relação de pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática repousa sobre três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como "sem objeto" e tendo "nem conteúdo, nem significado, nem sentido", espero soltar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e em direção a um tipo de contemplação mais direta.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nessa espaço aberto, tento colocar o que penso ser uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento silencioso a ser sentido—formado pela luz oscilante, camadas translúcidas e o leve reflexo do espectador encontrando o próprio olhar. Como costumo observar, a peça "vive, muda, vê."

A terceira é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na face reversa do plexiglass, trabalhando sem retorno visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Eu estabeleço condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de um "objeto de si mesmo", totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico—uma paciência para o que chega "aqui e agora."

Sustentando essas intenções estão alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Dois elementos: Acaso e Disciplina
Falo de "coincidências significativas", mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. O acaso é um hóspede bem-vindo, mas a estrutura é criada com cuidado.

Comunicação sem Mensagem
Espero "comunicar algo" através de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado—uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia perpassa o trabalho, mas é curiosamente dirigida ao agora: um anseio pelas "necessidades irreduzíveis" encontradas no "silêncio e na luz"—um desejo de plena presença que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço-essência
O processo requer atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse emergido por conta própria. Sou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
N Nesse espírito, sinto que "a era do informal acabou de começar". Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma—a informalidade onde o acaso não é uma ruptura, mas um colaborador quieto.

No seu âmago está a busca pelo "le vif"—o núcleo vivo. A obra tende a uma experiência direta em vez de intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No fim, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Percebi que uma prática enraizada em um paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através de disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner