Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#123 - M - " Lava #2 ".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglass de 3mm (anti-UV).
Transparências em print laranja.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicapas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões : Polegadas 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 Preto Fosco (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 90€TTC.

A obra está assinada no verso.
Um Certificado de Autenticidade acompanha-a.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suiço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra janeiro 2027.

Biography

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando inúmeros acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros chegam direto a você, dominantes e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, também desenvolvi uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Durante mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, desde os Estados Unidos até o Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas de arte locais e interagia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre foi parte de mim, fervendo silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim—uma maneira de romper com o mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre desejei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira de negócios, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. Ao final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando lares em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

Ao final de 2025, mudei-me para um estúdio maior em uma sacristia vaziada em Lisieux, Normandia.

Artistic CV

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem singular da arte, longe das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays no verso de plexiglass extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra à medida que ela se desenvolve. Não tenho retorno visual nem controle durante o processo—algo que acolho. Permito "experimentos randômicos" -qualquer coisa vale para encurtar a razão!- para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são apenas possíveis com muito disciplina. Essa abordagem que ecoa com o processo de revelação/fixação da fotografia é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade "ascética": fico feliz quando reconheço "necessidades irreduzíveis", ou seja, o que é provável que descubramos quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem a “emoção” nem a “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem o “consumo rápido” nem a “intelectualização/posse intelectual”, mas a expansão da consciência e a exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela "vida no próprio coração da vida", pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho às vezes possa evocar a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, dos elementos ausentes também, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre "detalhes para o próximo" - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e "distância para o todo", incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo possuir todas as respostas e quero permanecer humilde quanto ao que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, impulsionando-me a aperfeiçoar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de acender conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas—campos cintilantes de cor e de luz dentro de plexiglass—são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a interação silenciosa entre pensamento e processo que permite que ela emerga.

Essa prática repousa sobre três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como "sem objeto" e por terem "nem conteúdo, nem significado, nem sentido", espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e buscar um modo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que chamo de uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento quieto a ser sentido—percebido pela luz que muda, camadas translúcidas e o suave reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça "vive, muda, vê."

O terceiro é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na face reversa do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de desprendimento. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Estabeleço condições, mas rendo o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de "objeto de si mesmo", completamente revelada apenas quando completa. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico—a paciência esperando pelo que chega "aqui e agora."

Segurar essas intenções envolve alguns paradoxos suaves que sustentam a obra:

Azar e Disciplina
Falo de "coincidências significativas", mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. O acaso é um convidado bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero "comunicar algo" através de obras que eu chamo de sem sentido. Talvez o que seja compartilhado não seja uma declaração, mas um estado—a textura da luz, uma presença silenciosa, uma quieta imobilidade.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, mas é estranhamente dirigida ao agora: um anseio pelas "necessidades irreduzíveis" encontradas no "silêncio e na luz"—um desejo de pura presença que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço Sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse "emergido por si mesmo." Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Neste espírito, passei a sentir que "a era do informal mal começou." Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma—uma informalidade onde o acaso não é uma ruptura, mas um colaborador quieto.

No cerne está uma busca pelo "le vif"—o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta, em vez de à intelectualização. A escala modesta que muitas vezes escolho pretende incentivar a intimidade, não o espetáculo.
No fim, isto é apenas o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada no paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner