Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#485 - M - "Paisagem nº1".

Acrílico em spray sobre placa de acrílico de 3mm (anti-UV).
Esta tela não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multi-camadas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegadas 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm sem moldura.

Esta tela é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 520 folheada em Carvalho Branco (Polegadas 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) recomendada e disponível no momento do envio por um valor adicional de 90€ TTC.

A obra está assinada nas costas.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço baseado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra, janeiro de 2027.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada em minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em particular, experimentando inúmeras técnicas com acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros vão direto ao encontro do espectador, dominantes e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui atraído pela primeira vez pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Ao longo do tempo, e apesar de me considerar ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.
Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que fosse, mergulhava nas cenas locais de arte e interagia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira de negócios, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências genuínas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu ateliê em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à minha arte. Ao final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou reconhecimento rapidamente, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e nos Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um ateliê maior em uma sacristia ociosa em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição solo, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, afastada das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de acrílico extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra à medida que se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que acolho. Permito “experimentos aleatórios” - qualquer coisa vale para interromper a razão! - para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixo espaço para revelação e descoberta quando a peça enfim é exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com grande disciplina. Essa abordagem, que ecoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que deem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável que possamos descobrir quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no cerne da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas não têm objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho possa, às vezes, evocar a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o acrílico fornece à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, dos vazios também, só requer empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o próximo olhar” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - & “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde quanto ao que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no contínuo processo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me impulsiona a aperfeiçoar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma forma de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver".

Sobre a coerência na minha prática

No panorama da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de acrílico — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a quieta interação do pensamento e do processo que permite que ela emerja.

Essa prática sustenta-se em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada de Significado Imposé. Ao descrever as obras como “sem objeto” e ao afirmar que têm “nem conteúdo, nem significado, nem senso”, espero dissolver suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nessa clareira, tento inserir o que considero uma “experiência de ser.” A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento quieto a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o leve reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

A terceira é onde ideia encontra mão: Processo como Pensamento Incorporado. Pintar no reverse do acrílico, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente do controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de “objeto de si mesmo”, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência para esperar o que chega “aqui e agora.”

Mantêm-se essas intenções com alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Acaso e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. O acaso é um hóspede bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” por meio de obras que chamo sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença quieta, uma quieta imobilidade.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, mas é curiosamente dirigida ao agora: um anseio pelas “neces­sidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e na luz” — um desejo de pura presença que a própria obra oferece em silêncio.

Esforço e Esforço-essencial
O processo requer atenção constante, mas busca um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “emergido por si só”. Estou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
N nesse espírito, passei a sentir que “a era do informal mal começou.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais tranquilidade — uma informalidade onde o acaso não é uma ruptura, mas um colaborador quieto.

No cerne está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende para a experiência direta em vez da intelectualização. A modesta escala que frequentemente escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No final, isso é simplesmente o caminho de um único artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada no paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner