Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#484 - M - "Paisagem #2".

Acrílica spray sobre placa de plexiglas de 3mm (anti-UV).
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicapas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo da aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegadas 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 520 placado Carvalho Branco (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 90€IVA.

A obra está assinada no verso.
Acompanhado de um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suiço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra, janeiro de 2027.

Biography

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente para o que eventualmente viria a ser a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando inúmeras acrílicas em cadernos A4 e depois A3 — sempre senti que quadros grandes chegam direto a você, dominadores e intimidador, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também um apreço por materiais espirituais, pois eles ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.
Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou a viajar pelo mundo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica à Ásia e à França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas locais de arte e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, silenciosamente fervilhando abaixo da superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de romper com o mundo e concentrar-me no meu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação em pintar. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre desejei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira empresarial, dediquei-me plenamente à pintura. Estabeleci meu ateliê em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. Ao final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando espaço em coleções particulares por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um ateliê maior em uma sacristia vaziada em Lisieux, Normandia.

Artistic CV

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, revelou uma abordagem distintiva da arte, afastada das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, com acabamento brilhante e, por vezes, frágil. Esse processo impede que eu veja a obra enquanto ela se desenvolve. Não tenho feedback visual nem controle durante o processo — algo que aceito. Permito "experimentos aleatórios" — tudo valê para contornar a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça finalmente é exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são apenas possíveis com um grande senso de disciplina. Essa abordagem, que ecoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo que conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico contente quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, isto é, o que provavelmente descobrimos quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência do ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no cerne da vida”, pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são desprovidas de objeto. Como todos os objetos, elas são objetos de si mesmas. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens, ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Enquanto meu trabalho pode às vezes evocar a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglas confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, ela muda, ela vê. A inter-relação de luz, cor e textura, dos partes ausentes também, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o próximo” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me impulsiona a aperfeiçoar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Para mim, pintar é um ofício diário, uma exploração, uma forma de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal acabou de começar.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

About the coherence in my practice

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglas — são os resultados quietos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que o quieto intercâmbio de pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática se apoia em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como "sem objeto" e ao afirmar que possuem "nem conteúdo, nem significado, nem sentido", espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação, em direção a um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que gosto de chamar de uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento silencioso a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o tenue reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça "vive, muda, vê."

A terceira é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na parte de trás do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de um “objeto de si mesma”, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência para esperar o que chega "aqui e agora."

Segurar essas intenções envolve alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de "coincidências significativas", mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero "comunicar algo" através de obras que considero sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença tranquila, uma quieta imobilidade.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, mas é curiosamente dirigida ao agora: um anseio pelas "necessidades irreduzíveis" encontradas no "silêncio e na luz" — um desejo de presença pura que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo requer atenção estável, mas busca um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “emergido por si só”. Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.

Nesse espírito, cheguei a sentir que "a era do informal acabou de começar". Minha prática é indebted à espontaneidade da Arte Informal, embora talvez com menos angústia e mais tranquilidade — uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas sim uma colaboradora silenciosa.

No seu âmago está uma busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez de intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No final, isto é apenas o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática alicerçada em paradoxa quieto não precisa ser frágil. Através de disciplina e clareza, acredito que tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner