Anton Kaestner - #481 - M - " Punta del Este #2 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#481 - M - " Punta del Este #2 ".

Acrílica em spray sobre placa de plexiglass de 3mm (anti-UV).
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multi-camadas" cujo acabamento brilhante "glossy", semelhante à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegadas 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 520 acabamento Carvalho Branco (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 90€IVA incluídos.

A obra é assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço baseado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra, janeiro de 2027.

Biography

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada em minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, iniciei a pintura de forma privada, experimentando inúmeras acrílicas em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que quadros grandes vêm direto ao seu encontro, dominadores e intimidantes, enquanto pequenas obras podem inspirar muito mais amor. Fui primeiro atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, desde os Estados Unidos até Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Por onde eu fosse, eu me imergia nas cenas de arte locais e interagia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervendo discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e concentrar-me no meu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Por meio da minha arte, sempre desejei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, depois de me aposentar da carreira empresarial, comprometi-me plenamente à pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para surpresa minha, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando casas em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Holanda.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior, em um sacristia vazia em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distinta da arte, afastada das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra à medida que se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que aceito. Permito experimentos "aleatórios" - tudo vale para burlar a razão! - para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça finalmente é exposta. Mas vamos ser claros: em minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito domínio. Essa abordagem, que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, porém conferem a cada obra uma qualidade "ascética": fico feliz quando reconheço "necessidades irreduzíveis", isto é, o que provavelmente descobrimos quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem "emoção" nem "concepção teórica", mas a experiência de ser. Nem "consumo rápido" nem "intelectualização/posse intelectual", mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis. Minha arte é uma busca pela "vida no próprio cerne da vida", pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas não têm objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Embora meu trabalho às vezes evoque a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde é possível vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra funciona como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação entre luz, cor e textura, das partes ausentes também, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre "detalhes para perto" - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e "distância para o todo" incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde quanto ao que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é uma confrontação com meus limites, empurrando-me a refinar minhas habilidades e explorar ainda mais o que posso realizar. A pintura, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm igual peso, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a quieta interação entre pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática assenta em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como "sem objeto" e por terem "nem conteúdo, nem significado, nem sentido", espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que considero uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento quieto a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o suave reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça "vive, muda, vê."

O terceiro é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na face reversa do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de "objeto de si mesmo", revelado plenamente apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma espera paciente pelo que chega "aqui e agora."

Mantêm-se essas intenções com alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de "coincidências significativas", mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é um hóspede bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero "comunicar algo" por meio de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença tranquila, uma quieta imobilidade.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, porém é curiosamente dirigida ao agora: um anseio pelas "necessidades irreduzíveis" encontradas no "silêncio e na luz" — um desejo de presença pura que a própria obra oferece discretamente.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo exige atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse emergido por vontade própria. Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nesse espírito, passei a sentir que "a era do informal mal começou". Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

No seu âmago está a busca pelo "le vif" — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez de à intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.
No fim, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Encontrei que uma prática enraizada no paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner