Anton Kaestner - #486 - M - " Paysage #2 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#486 - M - "Paisagem #2".

Spray acrílico sobre placa de plexiglass de 3mm (anti-UV).
Esta tela não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multi-camadas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegadas 17,3 x 12,6 x 0,12 / 44 x 32 x 0,3 cm sem moldura.

Esta tela é fornecida sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 520 envernizada em Carvalho Branco (Polegadas 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 90€TTC.

A obra está assinada pelo verso.
Acompanham Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra, janeiro de 2027.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada em minha família, e foi meu falecido avô, artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que mais tarde se tornaria a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando incontáveis acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que quadros grandes vêm diretamente até você, dominantes e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Primeiro fui atraído pela pintura não figurativa e pelo expressãoismo abstrato.
Com o tempo, e apesar de me considerar ateu, desenvolvi também uma afeição por matérias espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para me tornar verdadeiramente artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, persisti em uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica à Ásia e à França. minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que fosse, mergulhava nas cenas locais de arte e me engajava com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na carreira, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada na qual posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após aposentar-me da carreira nos negócios, comprometi-me plenamente à pintura. Instituí meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me exclusivamente à minha arte. No final de 2024, inaugurei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando moradas em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vaga em Lisieux, Normandia.

Currículo Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, afastada de técnicas de pintura tradicionais: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e aerossóis na parte de trás de plexiglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra conforme ela se desenvolve. Não tenho feedback visual nem controle durante o processo — algo que acolho. Permito "experimentos aleatórios" - tudo vale para encurtar a razão! - para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, deixando espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens a chance nunca toma as decisões; no máximo, a chance faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito discernimento. Essa abordagem, que ecoa o processo de revelação / fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que confiram a cada obra uma qualidade “ascética”: fico satisfeito quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável descobrir quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem apenas "emoção" nem apenas "concepção teórica", mas experiência de estar. Nem um consumo rápido nem intelectualização / posse intelectual, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no próprio coração da vida”, pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Enquanto meu trabalho por vezes possa evocar a transparência e a luminosidade do vitral, continua quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, dos trechos ausentes também, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o perto” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me impulsiona a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pinta, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de estimular conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A idade do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver."

Sobre a coerência da minha prática

No panorama da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são resultados silenciosos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o foco verdadeiro é menos a imagem final do que a quieta interação entre pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática se apoia em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Descrevendo as obras como “sem objeto” e sem “conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero soltar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e buscar um olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento situar o que considero uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento silencioso a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o fraco reflexo do espectador encontrando o próprio olhar. Como costumo observar, a peça “vive, muda, vê”.

A terceira é onde ideia encontra mão: Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na face reversa do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de abrir mão. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Defino condições, mas anulo o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de seu próprio “objeto de si”, plenamente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência esperando pelo que chega “aqui e agora”.

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Aleatoriedade e Disciplina
Falo de "coincidências significativas", mas elas são possíveis apenas dentro de fronteiras cuidadosas. A chance é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero "comunicar algo" através de obras que considero sem significado. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quieta tranquilidade.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia persiste na obra, ainda que voltada curiosamente para o agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e na luz” — um desejo de presença pura que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço Sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas almeja um resultado que pareça autônomo, como se tivesse emergido por si só. Sou atraído pelo que parece impossível de evitar.
Nesse espírito, cheguei a sentir que “a idade do informal acabou de começar”. Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a chance não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

No seu âmago está uma busca pelo "le vif" — o núcleo vivo. A obra tende para a experiência direta em vez da intelectualização. A escala modesta que geralmente escolho visa encorajar intimidade, não espetáculo.

No final, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática baseada em paradoxos silenciosos não precisa ser frágil. Através de disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner