Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#497 - M - " Djebel ".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglass de 3mm (anti-UV).
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicasca" cujo acabamento brilhante "glossy", semelhante à aplicação de resina, é único.

Dimensões : polegada 19,7 × 15,4 × 0,12 / 50 × 39 × 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 524 em efeito nogueira (polegada 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) ou outro acabamento recomendado e disponível no envio por um valor adicional de 90€TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas em toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra, janeiro de 2027.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, artesão & artista, quem plantou a semente do que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em particular, experimentando com inúmeros acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre acreditei que grandes quadros vão direto ao encontro de quem observa, dominadores e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Ao longo do tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, já que ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para me tornar verdadeiramente artista não foi imediato.
Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, desde os Estados Unidos até o Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla variedade de influências culturais. Por onde quer que eu fosse, mergulhava na cena artística local e interagia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de escapar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências genuínas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu ateliê em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à arte. No final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um ateliê maior em um sacristia vaziamento em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, afastada de técnicas de pintura tradicionais: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra conforme ela se desenvolve. Não tenho feedback visual nem controle durante o processo — algo que acolho. Permito "experimentos aleatórios" - tudo pode acontecer para sabotar a razão! - para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixo espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a chance nunca toma decisões; no máximo, a chance faz perguntas; coincidências significativas só são possíveis com muito disciplina. Essa abordagem, que ecoa o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que provavelmente veremos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no próprio coração da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Embora minha obra possa às vezes evocar a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrata. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, dos pedaços ausentes também, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o close” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e pretendo manter a humildade sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me impulsiona a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar para mim é um ofício diário, uma exploração, uma forma de acender conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "O cotidiano multiplica a paixão por ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a quieta intersubjetiva entre pensamento e processo que permite que ela surja.

Esta prática se sustenta em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada de Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e com “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Dentro desse espaço aberto, tento colocar o que vejo como uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento quieto a ser sentido — moldado pela mudança de luz, camadas translúcidas e o suave reflexo do espectador ao encontrar seu próprio olhar. Como muitas vezes observo, a peça “vive, muda, vê”.

A terceira é onde a ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Encarnado. Pintar no verso do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de criar. Defino condições, mas encanto o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de um “objeto de si mesmo” independente, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência para esperar o que chega “aqui e agora”.

Mantendo essas intenções, existem alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Casualidade e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosos. A casualidade é uma visitante bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação sem Mensagem
Espero “comunicar algo” por meio de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é partilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, porém é curiosamente voltada para o agora: um anseio pelas “ne cessidades irreduzíveis” encontradas na “silêncio e luz” — um desejo de presença pura que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço Sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas busca um resultado que pareça autônomo, como se “surgisse por si próprio”. Sou atraído pelo que parece inevitável. Nesse espírito, passei a sentir que “a idade do informal ainda mal começou”. Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais tranquilidade — uma informalidade onde a casualidade não é ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

No cerne está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez de à intelectualização. A escala modesta que muitas vezes escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No fim, isto é apenas o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Percebi que uma prática enraizada no paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através de disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner