Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#485 - M - "Paisagem #1".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglas de 3mm (anti-UV).
Esta tela não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicamadas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de resina, é único.

Dimensões : Polegadas 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sem moldura.

Esta tela é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 520 folhamento Carvalho Branco (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no momento do envio por um valor adicional de 90€TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanham-se um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas em toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra, janeiro de 2027.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão & artista, cuja influência plantou a semente do que se tornaria, no fim, a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando inúmeras acrilicas em cadernos A4 e depois A3 — sempre senti que grandes quadros vão direto ao encontro de quem os vê, dominadores e intimidados, enquanto obras menores podem inspirar muito mais afeto. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também uma afeição por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para me tornar verdadeiramente artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios, que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica pela Ásia e França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Para onde quer que eu fosse, eu mergulhava nas cenas artísticas locais e me conectava com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de romper com o mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre tive a esperança de oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo sob uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu ateliê em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à arte. Ao final de 2024, iniciei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando casa em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e nos Países Baixos.

Ao final de 2025, mudei para um ateliê maior em uma sacristia vazia em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, longe das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglas reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra no momento em que se desenvolve. Não tenho feedback visual nem controle durante o processo — algo que eu aceito. Permitindo “experimentos aleatórios” —qualquer coisa para curto-circuitar a razão!— orientar o resultado, as camadas e efeitos de espelho que crio, deixando espaço para revelação e descoberta quando a peça fica exposta. Mas vamos ser claros: em minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com grande disciplina. Essa abordagem que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável descobrir quando paramos em silêncio e na luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no próprio coração da vida”, pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são desprovidas de objeto. Como qualquer objeto, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho possa às vezes evocar a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglas confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra funciona como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, dos pedaços ausentes também, exige apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o close” — um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova — e “distância para o todo” incentive os espectadores a iniciarem suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, me levando a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintei para mim é um ofício diário, uma exploração, uma forma de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver".

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os silenciosos resultados de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a interação silenciosa entre pensamento e processo que permite que ela surja.

Essa prática repousa sobre três intenções alinhadas.

A primeira é um Retiro de Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e terem “nem conteúdo, nem significado, nem senso”, espero soltar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento inserir o que penso ser uma “experiência de estar”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento silencioso a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o leve reflexo do observador encontrando seu próprio olhar. Como costumo dizer, a peça “vive, muda, vê”.

O terceiro é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na face invertida do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de “objeto de si mesmo”, revelado plenamente apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma espera paciente pelo que chega “aqui e agora”.

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Risco e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” por meio de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é partilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença quieta, uma calma tangível.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia persiste no trabalho, contudo é curiosamente voltada para o agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e na luz” — o desejo de presença pura que o próprio trabalho oferece discretamente.

Esforço e Esforço-Insustentável
O processo exige atenção constante, mas busca um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “acontecido por si mesmo.” Estou inclinado ao que parece perfeitamente inevitável.
Dessa forma, cheguei a acreditar que “a idade do informal mal começou.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

Em seu cerne está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende ao experiência direta em vez de intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho é destinada a incentivar a intimidade, não o espetáculo.
No final, isso é apenas o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada no paradoxo silencioso não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner