Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#484 - M - "Paisagem #2".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglas de 3mm (anti-UV).
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicapas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegadas 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
mouldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 520 revestimento de Carvalho Branco (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado e disponível no envio por um valor adicional de 90€ TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra, janeiro de 2027.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, fui criado cercado pela beleza natural e riqueza cultural de minha terra natal. A criatividade era valorizada em minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente para o que acabaria se tornando a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em privado, experimentando inúmeras tintas acrílicas em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros vêm direto em você, dominadores e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui atraído pela primeira vez pela pintura não figurativa e pela expressão abstrata.
Com o tempo, e embora eu me considere ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Béliga, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas artísticas locais e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Embora o foco estivesse na minha carreira, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, pintar tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de escapar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação em pintar. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências genuínas. Através da minha arte, sempre quis oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após se aposentar da minha carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, inaugurei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando moradias em coleções particulares por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vazia em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição solo, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distinta da arte, afastada das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e aerossóis na parte de trás de plexiglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra à medida que se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que acolho. Permito experimentos “aleatórios” — tudo pode acontecer para contornar a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas telas a chance nunca toma as decisões; no máximo, a chance faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito disciplina. Essa abordagem, que ecoa o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável que descubramos quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas expansão da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no coração da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora o sentimento de nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas não têm objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho às vezes possa evocar a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, ela muda, ela vê. A interação de luz, cor e textura, dos pedaços ausentes também, exige apenas empatia. Espero que, entre o “detalhe para o fechamento” — um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova — e o “distância para o todo”, estimule os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é uma confrontação com meus limites, que me impulsiona a aperfeiçoar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A idade do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver".

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a intervenção quieta entre pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática repousa sobre três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Descrevendo as obras como “sem objeto” e tendo “nada de conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Dentro desse espaço aberto, tento colocar o que considero uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento quieto a ser sentido — moldado pela mudança de luz, camadas translúcidas e o leve reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como costumo dizer, a peça “vive, muda, vê”.

O terceiro é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Encorpado. Pintar na reversa do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Defino condições, mas abro mão do resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de “objeto de si mesmo”, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência esperando o que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Azar e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que considero sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença quieta, uma tranquilidade palpável.

Nostalgia do Presentemente
Uma suave nostalgia permeia o trabalho, ainda que curiosamente voltada para o agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas na “silêncio e luz” — um desejo de presença pura que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço Sem Esforço
O processo exige atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse "surgido por si próprio." Sou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nessa linha, cheguei a sentir que “a idade do informal mal começou”. Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a chance não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

No coração está uma busca pelo "le vif" — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez da intelectualização. A modesta escala que frequentemente escolho pretende incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No fim, este é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática fundamentada no paradoxo tranquilo não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem se tornar, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner