Anton Kaestner - #510 - M - " Suncub ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, direto do ateliê.
#510 - M - " Suncub ".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglas de 3mm (anti-UV).
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multi-camadas" cujo acabamento brilhante "glossy" próximo da aplicação de uma resina é único.

Dimensões: Polegada 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 520 lameado em Carvalho Branco (Polegada 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 90€TTC.

A obra está assinada nas costas.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça, em Dubai e no Japão. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual - Genebra, janeiro de 2027.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e riqueza cultural da minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que mais tarde se tornaria a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em privado, experimentando com inúmeras acrílicas em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que quadros grandes chegam até você de forma implacável, dominadores e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fiquei inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Ao longo do tempo, e mesmo me considerando ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.

Durante mais de três décadas, segui uma carreira internacional de negócios que me levou ao redor do mundo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica à Ásia e à França. Minhas viagens broadenam minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, eu me imergia nas cenas locais de arte e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira de negócios, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e me concentrar no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da minha carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, iniciei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e nos Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vaga em Lisieux, Normandia.

CV artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distinta da arte, afastada das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na traseira de plexiglas reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra conforme ela se desenvolve. Não tenho retorno visual ou controle durante o processo — algo que eu aceito. Permito "experimentos aleatórios" - tudo pode acontecer para interromper a razão! - para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: em minhas imagens, a chance nunca toma as decisões; no máximo, a chance faz as perguntas; coincidências significativas são apenas possíveis com bastante disciplina. Essa abordagem que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia é desafiadora e liberadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que deem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, isto é, o que provavelmente descobriremos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem a “emoção” nem a “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intellectualização/posse intelectual”, mas expansão da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis, minha arte é uma busca pela “vida no próprio coração da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas não têm objeto. Como todo objeto, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou finalidade. Embora meu trabalho possa às vezes evocar a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, das partes ausentes também, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o próximo próximo” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é uma confrontação com meus limites, empurrando-me a refinar minhas habilidades e explorar ainda mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício cotidiano, uma exploração, uma maneira de acender conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal ainda mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass — são os resultados silenciosos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que o suave intercâmbio de pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática repousa sobre três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e ao terem “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero soltar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e para uma forma de olhar mais direta.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Dentro desse espaço aberto, tento colocar o que chamo de uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento quieto a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o tênue reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê”.

A terceira é onde a ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na reverse do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente do controle no ato de produzir. Estabeleço condições, mas abandono o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de um “objeto de si mesmo” independente, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao revelamento fotográfico — uma paciência para o que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de coincidências significativas, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quieta imobilidade.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, porém, curiosamente, dirigida ao agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e luz” — um desejo de presença pura que a própria obra oferece em silêncio.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo exige atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse emergido por si só. Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nesse espírito, cheguei a sentir que “a idade do informal acabou de começar”. Minha prática deve-se ao espírito do Arte Informal, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a chance não é ruptura, mas uma colaboradora quieta.

No seu cerne está uma busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez da intelectualização. A modesta escala que muitas vezes escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.
No final, isso é apenas o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática fundamentada em paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, acredito, tais tensões podem tornar-se fonte de resiliência.

Anton Kaestner