Sonia J. - " Rupture" - "Here, There and Everywhere" Series - XXL

„Ruptură” a fost creat
Artist: Sonia J. (1971, Portugalia)
Colecție: Aici, Acolo și Oriunde
Tehnică: acrilic și medii mixte pe pânză
Dimensiuni: 116 × 148 cm (format XXL)
An: 2025
Stare: Nou – direct din studioul artistului
Semnătură: Semnat manual pe verso
Certificat: Include un Certificat de Autenticitate semnat.
Expediere: Rulat într-un tub de protecție solid (cu urmărire și asigurare).


Descrierea operei de artă

„Rupture” — din seria Here, There and Everywhere — a fost creată într-o zi în care mai multe emoții s-au ciocnit: tristețe, bucurie, furie, confuzie și nevoia urgentă de a înțelege sinele ca femeie. Albastrul profund, stratificat, formează un câmp atmosferic de introspecție, ancorând pictura cu o prezență liniștită, dar puternică.

În centru, flash-uri de roșu și verde apar ca o bătaie de inimă sub apă — crude, nerezolvate și clar umane. Aceste culori nu caută echilibru; se ridică și întrerup, întruchipând fisurile emoționale care apar atunci când lumea interioară nu mai poate fi ținută în frâu.

Semnele gestuale din întreaga lucrare sunt confesionale mai degrabă decât decorative. Fiecare tușă poartă tensiunea dintre a ține în și a se deschide, tăcere și exprimare, disciplină și eliberare. „Ruptura” nu urmărește armonia — ea îmbrățișează complexitatea și contradicțiile experienței trăite. Dezvăluie fracturile intime ale inimii, momentele vulnerabile când emoția se varsă în interior, în loc să iasă afară.

Din perspectiva decorului, această piesă XXL introduce o profunzime emoțională puternică în interioare rafinate. Paleta sa bogată și sofisticată și prezența sa impunătoare o fac un punct focal excepțional pentru spațiile de locuit contemporane, medii arhitecturale, case de colecție și decoruri de lux. „Rupture” reprezintă o declarație îndrăzneață și elegantă — aducând intensitate, nuanță și o tărie liniștită în orice spațiu care onorează arta cu gravitate emoțională.

Despre artistă — Sonia J. (Portugalia, 1971):

De la săli de ședințe la pânze...
De la înțelepciunea în afaceri la natura brută...
De la strategie la o viziune dincolo de pânză...
Împuternicirea femeilor prin artă...

Trăiesc între două lumi — cea pe care am construit-o prin precizie și cea pe care am recâștigat-o prin emoție. „Dual Hirathe” este locul unde se întâlnesc.

Am petrecut trei decenii într-o lume definită de claritate, viteză și control. Fiecare decizie era măsurată. Fiecare minut era valorificat. Fiecare scop, o linie pe o hartă strategică. A fost o viață construită pe precizie — analizând, incitant, solicitant și, uneori, consumator de energie. Timp de ani, am crezut că leadership-ul înseamnă să porți greutatea cu grație, să nu eziți niciodată, să nu încetinești niciodată. Eram înconjurat de oameni care prosperau din ambiție și logică, și am învățat să excelezi în cadrul acestei structuri. Dar undeva între mișcarea constantă și întâlnirile rafinate, am început să pierd sunetul propriei voci. Când am făcut în sfârșit o pauză (mid-2024) — cu adevărat o pauză — ceea ce am auzit a fost tăcerea. Nu goliciunea, ci o tăcere plină de potențial. De genul care invită ceva nou să apară. A fost începutul metamorphozei mele.

Munca mea se naște dintr-un dialog între lumi — între rațional și intuitiv, măsurat și instinctiv. Reflectă călătoria de la agerimea în afaceri la expresivitate, de la o viață de strategie globală la o viață modelată de textură, tăcere și peisaj. După trei decenii de leadership în domeniul corporatist, am învățat limba structurii — claritate, precizie, scop. Mi-a antrenat ochiul să vadă sisteme, să recunoască modele, să echilibreze complexitatea cu simplitatea. Dar când m-am îndreptat spre artă, acea limbaj a început să se dizolve. În locul său a apărut un alt vocabular — tactil, emoțional, fluid — unul care putea fi exprimat doar prin pigmenți și nisip, prin răbdarea stratificată a unui pânză în evoluție în timp.

Părăsirea lumii corporative nu a fost un act singular de curaj; a fost o predare treptată. La început, am încercat să aplic aceleași reguli în noua mea viață — obiective, rezultate, indicatori de performanță. Dar arta a refuzat să fie gestionată. Ea cerea vulnerabilitate. Îmi cerea să ascult în loc să dirijez. Când am atins pentru prima dată o pânză goală, nu știam că va deveni noua mea limbaj. Știam doar că cuvintele au limite, iar emoțiile — cele pe care le-am îngropat sub eficiență și profesionalism — cereau să fie lăsate să respire. Culorile au devenit vocabularul meu. Textura a devenit sintaxa mea. Fiecare strat de nisip, gesso și pigment vorbea ceea ce nu puteam încă spune cu voce tare: că transformarea nu înseamnă să ștergi cine ai fost, ci să permiți tuturor versiunilor tale să coexiste.

În leadership, am trăit după energia masculină: hotărâtă, analitică, orientată spre exterior. În artă, am întâlnit opusul său — femininul: receptiv, intuitiv, expansiv interior.
Nici unul nu este superior; amândouă sunt sacre. Am descoperit că creația are loc exact acolo unde se întâlnesc cele două. Prea multă structură face ca arta să devină rigidă. Prea mult flux și se dizolvă în haos. Același lucru este valabil și pentru viață. Pictura m-a învățat echilibrul. Mi-a amintit că puterea poate exista în liniște și că sensibilitatea nu este slăbiciune — este înțelepciune într-o altă formă. În multe moduri, practica mea a devenit o reconciliere a energiilor: cea assertivă și cea supusă, concretul și etericul, logica care mi-a construit trecutul și intuiția care îmi definește prezentul.

Acum trăiesc între două lumi: intensitatea cosmopolită a trecutului meu și serenitatea brută a Serra da Estrela, peisajul montan care acum modelează studioul și sufletul meu. De la geometria betonului din Lisabona la eroziunea naturală a stâncii și a vântului, ritmul meu creativ reflectă acea tranziție — de la accelerație la liniște, de la performanță la prezență. Prin abstractizare texturată, transform aceste contraste trăite în formă vizuală. Picturile mele sunt topografii emoționale — suprafețe stratificate unde reziliența, eliberarea și puterea tăcută coexistă. Nu sunt reprezentări ale unor locuri, ci stări de ființă: peisaje interioare modelate de mișcare, memorie și metamorfoză.

Munca mea navighează continuu între tensiuni duale — între ordine și emoție, lumină și materie, memorie și reînnoire, logică și intuiție, leadership și creativitate, control și surrender, trecut și renaștere, strategie și sensibilitate, precizie corporatistă și natură brută. Aceste tensiuni nu sunt contradicții, ci armonii în flux. Ele sunt frecția care generează expresie, pulsul invizibil de sub fiecare semn pe care îl las. Fiecare pânză începe în dialog cu controlul — partea din mine care încă caută structură, claritate, rezultat. Dar pe măsură ce procesul evoluează, controlul cedează în fața instinctului. Chiar și atunci când haosul pare să domine, intenția mea rămâne umană — de a reflecta echilibrul emoțional pe care toți îl căutăm între forță și surrender, între organizare și libertate.

Cred că arta nu este un lux; este o cale înapoi către noi înșine. Într-o lume care valorizează mai mult rezultatul decât prezența, arta ne încetinește suficient pentru a simți din nou. Pentru mine, arta este recuperare — nu a ceea ce s-a pierdut, ci a ceea ce s-a uitat. Liniștea, senzualitatea, frumusețea ne măsurată a simplului a fi. Prin abstractizarea tactilă, creez nu pentru a impresiona, ci pentru a liniști, a ancora, a restaura. Munca mea invită la atingere — nu literală, ci emoțională. Îi cere privitorului să întârzie, să respire, să simtă propria reflecție în tăcerea texturii. Picturez pentru spații care au nevoie de calm și pentru femei care și-au trăit viețile purtând pe alții, conducând, realizând, performând. Arta mea le oferă refugiu — un moment în care nu trebuie să dovedească, să realizeze sau să explice. Fiecare pictură este un act tăcut de rebeliune împotriva zgomotului productivității. Este o reamintire că liniștea poate fi puternică și că vindecarea poate avea loc în tăcere.

„Dual Hirathe” nu este doar un titlu; este identitatea mea artistică — un busolă pentru tot ceea ce creez. „Hirathe” derivă din focar și inimă, din căldură și origine, din locul intim unde începe creația. „Dual” reprezintă coexistenta opusurilor — cele două lumi în care trăiesc: tărâmul structurat și logic al conducerii și lumea intuitivă și senzorială a artei. Împreună, „Dual Hirathe” înseamnă inima în dualitate — intersecția vie unde mintea și materia, ordinea și emoția, masculinitatea și feminitatea converg. Este pulsul din spatele practicii mele, arhitectura invizibilă de sub fiecare tușă, fiecare textură, fiecare linie. Când colecționarii trăiesc cu operele mele, nu achiziționează doar o imagine — se angajează în acea dualitate vie. Linia devine oglinda lor: o tensiune pe care o pot simți, un prag pe care îl pot traversa, o invitație de a locui spațiul dintre gravitate și grație.

Fiecare dintre colecțiile mele este un fragment dintr-o conversație mai amplă — o narațiune continuă de transformare. Ele diferă în ton, ritm și formă, dar rămân unite de o întrebare fundamentală: cum putem împăca structura cu libertatea?

După ani de conducere prin logică, acum conduc prin sentiment. Ceea ce odată era strategie a devenit sensibilitate — o schimbare de la gestionarea rezultatelor la modelarea experiențelor, de la ghidarea organizațiilor la ghidarea emoției prin formă. Arta mea unește ARTA ȘI DESIGNUL, traducând emoția în prezență tangibilă. Fiecare piesă este mai mult decât o imagine; este un mediu — o suprafață vie care interacționează cu spațiul, lumina și memoria. Sunt creații concepute să trăiască împreună cu oamenii, nu separat de ei. Indiferent dacă sunt plasate într-o locuință privată, într-un hotel, într-un hol corporativ, într-o galerie sau într-un muzeu, picturile mele sunt gândite ca parte a arhitecturii experienței. Ele sunt menite să respire, să țină, să vindece — nu doar să fie agățate ca decor, ci să transforme atmosfera din jurul lor.


Pentru mine, arta nu este un obiect. Este o atmosferă, un PORTAL — o limbaj vizual și tactil al armoniei și prezenței. Ea trăiește prin vibrație: culoare, textură, tăcere și lumină în dialog cu spațiul pe care îl ocupă. Când cineva stă în fața unei picturi, nu privește ceva extern; intră într-un câmp de rezonanță. O suprafață texturată, o linie subtilă, o nuanță estompată — acestea devin invitații de a încetini, de a reînnoi conexiunea, de a respira diferit. Fiecare lucrare poartă amintirea gestului uman — energie făcută vizibilă.

Într-un spațiu corporativ, acea energie înmoaie rigiditatea. Într-o casă privată, aduce ancorare și intimitate. În centru de wellness sau hotel, restabilește calmul. Într-o galerie, dialoghează cu lumina și arhitectura, transformând contemplația în emoție. Într-un muzeu, devine dialog — între trecut și prezent, între corpul privitorului și memoria colectivă. Într-o expoziție, adună prezență — o coregrafie de culoare, materie și tăcere care conectează străini prin liniștea comună.

Oriunde există, creează prezență — acea schimbare invizibilă, dar perceptibilă, care face ca un spațiu să pară viu, și „prezența este noul lux”. - Sonia J.

De la „Autoritate la Experiență”: lumea artei se schimbă.
De secole, a funcționat prin autoritate — muzee, experți, colecționari decidând ce contează. Dar astăzi, în secolul XXI, trecem de la un sistem bazat pe autoritate la unul bazat pe experiență. Arta nu mai este restrânsă la pereți albi sau camere exclusive; ea se extinde în ritmul vieții de zi cu zi. Oamenii doresc să trăiască cu arta — să o simtă, să o habiteze, să lase ca influența ei să le modeleze mediile și emoțiile. Și exact asta face o platformă precum CATAWIKI — ajutând oamenii să trăiască cu ARTA! Și acesta este motivul pentru care sunt și eu aici.

Picturile mele nu sunt create doar pentru galerii sau expoziții. Deși galeriile rămân cele mai democratice spații pentru artă — locuri unde putem întâlni creația în forma sa cea mai pură, o putem experimenta fizic și permite simțurilor noastre, nu sistemelor, să-i definească valoarea. Picturile mele sunt și pentru spațiile unde se desfășoară viața reală — case, retreat-uri de wellness, birouri, hoteluri, muzee care invită atingerea și interacțiunea. Ele aparțin unei epoci în care arta se integrează cu designul, arhitectura și bunăstarea emoțională. Pentru mine, asta nu înseamnă diluare — ci extindere. Este arta care revine la scopul său original: să însoțească viața umană, să marcheze spații sacre, să creeze conexiuni.

Mari artiști precum Pollock, Mitchell, Bourgeois, Rembrandt, Van Gogh — și mulți alții — nu și-au creat operele având în minte galeriile sau muzeele. Ei au pictat din necesitate, din interior spre exterior. Pânzele lor erau instrumente de supraviețuire — oglinzi ale psihicului, extensii ale respirației. Prin sinceritatea lor brută, au inventat noi limbaje ale exprimării; NU PENTRU A IMPRESIONA, CI PENTRU A EXISTĂ. Mulți dintre ei s-au luptat profund — cu izolare, sărăcie, depresie — unii chiar pierzând lupta cu propriul haos interior. Și totuși, arta lor dăinuie pentru că vorbește despre nevoia colectivă de frumusețe, sens și adevăr emoțional. Nu au pornit să scrie istorie; au pornit să SIMTĂ — și, făcând asta, au permis artei să evolueze. Din nou, moștenirea lor ne amintește că cel mai înalt scop al artei nu este prestigiu, ci PREZENȚĂ! A fost întotdeauna menită să însoțească viața umană — să asculte bucuria și durerea, să locuiască în case și inimi, să marcheze spații sacre și momente împărtășite.

Viziune dincolo de pânză
Așadar, în secolul XXI, scopul artei nu mai este să aștepte cincizeci de ani pentru validare în muzee sau galerii — ci să TRĂIEȘTI ACUM — să existe în dialog cu viața noastră de zi cu zi, să transforme mediile în care trăim și să trezească emoție în timp real. Arta de astăzi trebuie să respire alături de noi: în casele noastre, la locul de muncă, în refugii, în orașele noastre, în instituțiile și societățile noastre, pe planetă și în colțurile noastre liniștite. Trebuie să se integreze în modul în care trăim, nu să rămână distantă, ca ceva de vizitat. Trebuie să înmoaie arhitectura vieții moderne și să reintroducă tandrețea în spațiile noastre. Aceasta este viziunea pe care o port dincolo de pânză — o credință că valoarea artei nu constă doar în ceea ce reprezintă, ci în ceea ce trezește. Așa cum cei dinaintea noastră pictau pentru a supraviețui furtunilor interioare, eu pictez pentru a reconecta părțile fragmentate ale existenței moderne — pentru a uni emoția cu mediul, logica cu sentimentul, arta cu viața. Acesta este noul capitol al evoluției artei: NU SEPARAREA ESTETICII DE EXPERIENȚĂ, CI REUNIREA LOR — unde arta devine din nou ceea ce a fost întotdeauna în esența sa: o necesitate umană.

În această viziune, artistul devine atât creator, cât și compozitor — modelând nu doar ceea ce se vede, ci și modul în care se simte. Fiecare decizie — de la pigment la scară, de la textură la plasare — răspunde energiei unei camere și oamenilor care o populează. Adesea mă gândesc la picturile mele ca la arhitecturi ale sentimentului. Ele ancorează spațiul ca niște însoțitori tăcuți, aducând ritm acolo unde este goliciune, calm acolo unde este haos. Nu impun sens; invită la experiență. Când colaborez cu designeri de interior sau curatori, dialogul depășește estetica. Devine despre modul în care lucrarea poate îmbunătăți arhitectura emoțională a spațiului — cum poate amplifica lumina, echilibra energia sau oferi contrast acolo unde este nevoie de liniște. Este o fuziune între sensibilitate și strategie, o continuare a vieții mele anterioare — dar transformată în formă creativă. Este întâlnirea a două inteligențe: precizia rațională a strategiei de afaceri și profunzimea intuitivă a viziunii artistice. Nu este o respingere a logicii, ci transformarea acesteia în empatie. Unde odată proiectam cadre pentru echipe, acum proiectez medii pentru emoție.

Medii de viață
În cele din urmă, munca mea este un ACT DE INTEGRARE — unirea clarității structurale a trecutului meu corporatist cu fluiditatea organică a artei. Fiecare pânză este un ecosistem: culoare, textură, gravitație și liniște găsind echilibrul. Într-o lume care adesea se fragmentază — separând mintea de corp, arta de viață, rațiunea de emoție — mă străduiesc să reiau legătura între ceea ce viața modernă a divizat. Asta înțeleg prin Integrarea Artei: reîntregirea experienței estetice, umane și spațiale. Picturile mele nu sunt pentru a fi privite — ci pentru a fi trăite. Sunt însoțitori, ancore, praguri de liniște. Ne amintesc că arta poate încă avea sens într-o lume hiper-digitală — nu prin explicație, ci prin prezență.

Aceasta este viziunea mea dincolo de pânză: să readuc arta în existența de zi cu zi, să fac spațiile mai umane și să înlocuiesc zgomotul autorității cu intimitatea experienței. Colecțiile mele nu sunt despre reprezentare, ci despre prezență. Nu sunt create doar pentru a decora, ci pentru a INHABITA — pentru a crea atmosfere care să ancoreze și să refacă. Ele aparțin atât de natural unui spațiu privat, cât și unuia public, unui mediu corporatist sau unei case de munte. Viziunea mea este să fac din artă o parte a modului în care trăim, nu doar ceea ce privim — să transform spațiile în medii de viață unde emoția și designul se îmbină, unde arta devine o atmosferă de reînnoire. De la perspicacitatea de afaceri la exprimare, de la ritmul cosmopolit la liniștea munților — fiecare pictură pe care o creez poartă în sine aceste două lumi și există poduri între logică și intuiție, între dorința umană de ordine și nevoia sufletului de libertate. Fiecare pânză este o negociere între aceste forțe — și în acea negociere, arta mea își găsește propria voce.


Realizări artistice și expoziții

Recunoașterea internațională în creștere a Sonia J. include:

• Recenzie de portofoliu — Charlotte Paritzky, Director al Z&B Gallery & Co-Fondator al OBRA Art (mai 2025)
Top 10 artiști contemporani din Berlin (2024–2025)
• A 5-a Târg de Artă Contemporană Internațională, Grupul IT’S LIQUID — Barcelona, Spania (18–28 iulie 2025)
• Artistul lunii — IT'S LIQUID Group (septembrie 2025)
Expoziția de Artă Contemporană Braga — Braga, Portugalia (12–14 septembrie 2025)
• Recenzie de portofoliu — Quentin Métayer, PR & Comunicare, Perrotin (octombrie 2025)
• Recenzie de portofoliu — Flavio Scaloni, manager de galerie, Galerie Lo Scalo (octombrie 2025)
Proiectul Centrului de Sănătate Terapie — colecție completă comandată pentru un spațiu de sănătate în Portugalia.
Proiect de Artă al Biroului Notarial Legal — colecție completă comandată, inspirată de colecția Blues.
• SensesART, grupul IT’S LIQUID — Lecce, Italia (decembrie 2025)
• Premiul Artistului European 2025 — IT’S LIQUID Group, Veneția, Italia (5 decembrie 2025)
Proiectul de artă SPA Verona — colecție completă comandată pentru un spa de hotel din Verona, inspirată de texturile mediteraneene.
Artist prezent pe Singulart, Artmajeur și listat pe Artprice.com
• Evaluarea AKOUN (iunie 2025) — Certificată oficial la €550 pentru formatul 15P (65 × 50 cm)

Ambalare și expediere

Opera de artă va fi trimisă rulată, în interiorul unui tub puternic de protecție, învelită în hârtie fără acizi și mai multe straturi de întărire pentru a asigura siguranța totală și costuri de transport semnificativ reduse.
Transportul include număr de urmărire și asigurare.

Estimare a livrării
• UE: 3–7 zile
• Non-UE: 7-15 zile (subiect la vamă)