Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Piesă unică, pictură originală de Anton Kaestner, direct din atelier.
#480 - M - „Punta del Este #1”.

Acrilic spray pe placă de plexiglas de 3 mm (anti-UV).
Această lucrare nu este o imprimare. Este o operă originală „multistrat” al cărei finisaj lucios „glossy”, asemeni aplicației unei rășini, este unic.

Dimensiuni: 17,3 x 12,6 x 0,12 inch / 44 x 32 x 0,3 cm fără ramă.

Această lucrare este livrată fără ramă.
Rama de înaltă calitate, marca germană Nielsen, din aluminiu, referința 34 520 placaj Stejar Alb (inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomandată și disponibilă la expediere pentru o sumă adițională de 90€ TVA inclus.

Opera este semnată pe verso.
O Fă„sințion autentic” o însoțește.
Livrarea este acoperită de o asigurare.

Anton Kaestner este un pictor, sculptor și autor elvețian, cu sediul la Paris. Operele sale sunt expuse în toată Europa, în Elveția și în Dubai. Informații suplimentare și opțiuni pe www.antonkaestner.com.

Următoarea expoziție personală – Geneva, ianuarie 2027.

Biografie

Născut în Geneva, Elveția, am crescut înconjurat de frumusețea naturală și bogăția culturală a patriei mele. Creativitatea era valorizată în familia mea, iar a fost marele meu bunic, meșter și artist, a cărui influență a introdus sămânța pentru ceea ce avea să devină pasiunea vieții mele.
În 1993, am început să pictez în privat, experimentând cu numeroase acrilice în carnețele A4 și apoi A3 – întotdeauna am simțit că tablourile mari vin direct spre tine, dominatoare și intimidante, în timp ce lucrările mici pot inspira mult mai multă iubire. Am fost atras inițial de pictura non-figurativă și expresionismul abstract.
Cu timpul, și în timp ce mă consider ateu, am dezvoltat și o afecțiune pentru materiale spirituale, deoarece rezonau cu explorarea existenței umane și cu adevărurile mai profunde ale naturii și vieții.

Totuși, drumul pentru a deveni cu adevărat artist nu a fost imediat.

Pentru mai bine de trei decenii, am urmărit o carieră internațională în afaceri care m-a purtat în jurul lumii, din Statele Unite în Maroc, Belgia, prin Asia și Franța. Călătoriile mi-au lărgit perspectiva, expunându-mă la o gamă largă de influențe culturale. Oricând mergeam, mă cufundam în scenele locale de artă și mă conectam cu energia creativă a fiecărui loc.
În ciuda concentrării pe cariera mea în afaceri, arta a fost mereu parte din mine, fierbind tăcut sub suprafață. Timp de aproape 30 de ani, pictura a devenit o formă de meditație secretă pentru mine — o modalitate de a scăpa de lume și a mă concentra asupra sinelui meu interior.

Întotdeauna am găsit o satisfacție imensă în pictură. Fiecare lucrare nouă este o călătorie în care îmi pot testa creativitatea, explora noi tehnici și trăi experiențe autentice. Prin arta mea, am sperat întotdeauna să ofer altora o întâlnire sinceră cu frumusețea, o oportunitate de a vedea lumea dintr-o perspectivă diferită și de a reflecta asupra propriilor vieți.

În 2023, după ce m-am retras din cariera mea în afaceri, m-am consacrat pe deplin picturii. Mi-am înființat studioul la Paris și am început să mă dedic în întregime artei mele. Până la sfârșitul lui 2024, mi-am lansat cariera artistică publică, iar, spre surprinderea mea, lucrarea mea a câștigat rapid recunoaștere, găsind locuri în colecții private în toată Europa, în special în Germania, Portugalia, Belgia, Italia și Țările de Jos.

La sfârșitul lui 2025 m-am mutat într-un studiou mai mare, într-un sacristie vacant din Lisieux, Normandia.

CV artistic

Prima mea expoziție solo, „Échos”, organizată la Paris la sfârșitul lui 2024, a prezentat o abordare distinctivă a artei, departe de tehnicile tradiționale de pictură: pictez cu acrilice, pigmenți metalici și sprayuri pe partea din spate a plexiglasului reciclat extrudat (Perpex), o suprafață ușoară, netedă, lucioasă și uneori fragilă. Acest proces îmi împiedică să văd lucrarea pe măsură ce se dezvoltă. Nu am feedback vizual sau control în timpul procesului — ceva ce întâmpin cu plăcere. Permite „experimente aleatorii” — orice este permis pentru a scurta rațiunea! — să ghideze rezultatul, straturile și efectele de oglindire pe care le creez, și să lase loc pentru revelație și descoperire când piesa este în sfârșit expusă. Dar să fim clari: în tablourile mele șansa nu ia decizii; cel mult, șansa pune întrebări; coincidențele semnificative sunt posibile doar cu multă disciplină. Această abordare, care răsfrânge procesul de revelație/fixare al fotografiei, este provocatoare și eliberatoare. Valorile compoziției sunt îmbogățite prin straturi și transparențe, oferind totuși fiecărei lucrări o calitate „ascetică”: sunt bucuros când recunosc „necesități ireductibile”, adică ceea ce este probabil să descoperim când ne oprim în tăcere și lumină.

Îmi păstrez abordarea deliberat simplă. Nici „emoția”, nici „concepția teoretică”, ci experiența de a fi. Nici „consumul rapid” și nici „intellectualizare/posesiune intelectuală”, ci lărgirea conștiinței și explorarea realității, a poveștilor sale vizibile și invizibile; arta mea este o căutare a „vieții în centrul vieții”, a ceea ce Alain Damasio numește „le vif”. Deși nostalgia a făcut mereu parte din munca mea, picturile mele sunt fără obiect. Ca toate obiectele, ele sunt obiecte de sine stătătoare. Prin urmare, nu au conținut, nici sens, nici înțelegere; sunt ca lucruri, copaci, animale, oameni sau zile, care de asemenea nu au un motiv să existe, nici sfârșit, nici scop. În timp ce munca mea poate uneori să evoce claritatea și strălucirea sticlei vopsite, rămâne aproape în întregime abstractă. Mai mult, plexiglasul conferă picturii o piele sclipitoare în care se poate zări propria siluetă, diferită pentru fiecare nou privitor. Fiecare lucrare acționează precum o oglindă discretă: trăiește, se schimbă, vede. Interacțiunea dintre lumină, culoare și textură, a părților lipsă, cere de asemenea empatie. Sperăm că jocul dintre „detalii pentru apropiere” — un detaliu al unei imagini este o cu totul nouă imagine — și „distanța pentru ansamblu” va încuraja privitorii să pornească în propriile călătorii introspective.

Nu pretind să am toate răspunsurile și vreau să rămân umil în ceea ce poate fi realizat. Pur și simplu, găsesc satisfacție în procesul continuu de interogare și creștere. Fiecare nouă creație este o confruntare cu limitele mele, care mă împinge să îmbunătățesc abilitățile și să explorez mai departe ceea ce pot realiza. Pictura pentru mine este o îndeletnicire zilnică, o explorare, o cale de a stimula conversații semnificative, o căutare a unui pigment atât de perfect încât să nu aibă nevoie de noi. Epoca informelului abia a început.

După cum ar spune Jean Bazaine: „Practica zilnică multiplică pasiunea pentru a vedea.”

Despre coerența în practica mea

În peisajul artelor contemporane, unde conceptul și forma au aceeași importanță, caut să creez lucrări a căror definiere nu se bazează pe proeminență, ci pe prezență. Picturile mele — câmpuri strălucitoare de culoare și lumină în plexiglas — sunt rezultatele calme ale unei investigații îndelungate și deliberate. Pentru mine, adevărata concentrare este mai degrabă finalul imaginii decât interacțiunea tăcerii dintre gând și proces care o face să apară.

Această practică se sprijină pe trei intenții aliniate.

Prima este retragerea din înțelesul impus. Prin descrierea lucrărilor ca „fără obiect” și având „nici conținut, nici sens, nici semnificație”, sper să slăbesc ușor așteptarea de narațiune. Este o invitație de a pătrunde în afara decodificării și către un tip de privire mai direct.

Aceasta duce la a doua intenție: Primitatea experienței trăite. În acel spațiu deschis, încerc să așez ceea ce numesc o „experiență a ființei”. Lucrarea devine mai degrabă un eveniment liniștit de simțit — modelat de lumina în schimbare, straturi translucide și reflexia slabă a privitorului întâlnind propria lui privire. Așa cum notez adesea, lucrarea „trăiește, se schimbă, vede.”

A treia este locul unde ideea întâlnește mâna: Procesul ca Gândire Întemeiată. Pictura pe contre-plaquea de plexiglas, lucrul fără feedback vizual, este o practică fizică a renunțării. Este o eliberare conștientă de control în actul de a crea. Setez condiții, dar predau rezultatul, permițând picturii să devină ceea ce numesc un „obiect al său însuși”, pe deplin dezvăluit doar când este complet. Este un paralel dezvoltat la fotografia dezvoltării — o așteptare răbdătoare a ceea ce sosește „aici și acum.”

Susținerea acestor intenții este însoțită de câteva paradoxuri blânde care susțin lucrarea:

Șansă și Disciplina
Vorbesc despre „coincidențe semnificative”, dar acestea sunt posibile doar în cadrul unor limite atente. Șansa este o gazdă binevenită, dar structura este construită cu grijă.

Comunicare Fără Mesaj
Sper să „comunică ceva” prin lucrările pe care le numesc lipsite de sens. Poate ceea ce este împărtășit nu este o afirmație, ci o stare — o textură a luminii, o prezență liniștită, o liniște palpabilă.

Nostalgie pentru Prezent
O nostalgie blândă rămâne în lucrare, însă este ciudat orientată spre prezent: dorința pentru „necesitățile ireductibile” găsite în „tăcere și lumină” — o dorință pentru prezența pură pe care lucrarea, în mod tăcut, o oferă.

Efort și Efortless
Procesul necesită atenție constantă, dar urmărește un rezultat ce pare autonom, ca și cum „ar fi apărut de la sine.” Sunt atras de ceea ce pare perfect inevitabil.
În acest spirit, am ajuns să simt că „epoca informale este abia la început.” Practica mea este datoare spiritului Artei Informel, deși poate cu mai puțină îngrijorare și mai mult calm — o informalitate în care șansa nu este o ruptură, ci un colaborator tăcut.

În esență, aceasta este o cale a unui singur artist. Biografia mea, procesul meu și reflecțiile mele nu sunt fire separate, ci părți ale unei singure căutări. Am descoperit că o practică bazată pe paradoxul tăcut nu trebuie să fie fragilă. Prin disciplină și claritate, astfel de tensiuni pot deveni, cred eu, o sursă de reziliență.

Anton Kaestner