Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

O Piesă unică, pictură originală de Anton Kaestner, direct din atelier.
#484 - M - "Peisaj #2".

Acrilice sub formă de spray pe placă de plexiglas de 3mm (anti-UV).
Această pictură nu este o imprimare. Este o operă originală „multistrat” ale cărei randare lucioasă, glossy, asemănătoare cu aplicarea unei rășini, este una aparte.

Dimensiuni: Inch 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm, fără ramă.

Această pictură este livrată fără ramă.
Ramă de calitate, marca germană Nielsen, din aluminiu, referința 34 520 placaj Stejar Alb (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomandată și disponibilă la expediere pentru un cost suplimentar de 90€TVA inclus.

Operea este semnată pe verso.
Însoțește un Certificat de Autenticitate.
Livrarea este acoperită de o asigurare.

Anton Kaestner este un pictor, sculptor și autor elvețian, cu sediul la Paris. Operele sale sunt expuse în toată Europa, în Elveția și în Dubai. Informații suplimentare și opțiuni la www.antonkaestner.com.

Următoarea expoziție individuală - Geneva, ianuarie 2027.

Biografie

Născut la Geneva, Elveția, am crescut înconjurat de frumusețea naturală și bogăția culturală a patriei mele. Creativitatea era valorizată în familia mea, iar mult părintele meu, un meșter și artist, a fost acel personaj care a plantat sămânța pentru ceea ce avea să devină pasiunea mea în viață.
În 1993 am început să pictez în privat, experimentând cu nenumărate acrilice în caiete A4 și apoi A3 - mereu am simțit că marile tablouri vin direct spre tine, dominante și intimidante, în timp ce lucrările mici pot inspira mult mai multă dragoste. Am fost atras inițial de pictura nonfigurativă și de expresionismul abstract.
Cu timpul, și deși mă consider ateu, am dezvoltat o afecțiune pentru materiale spirituale, întrucât rezonau cu explorarea existenței umane și cu adevărurile profunde ale naturii și vieții.

Totuși, drumul spre a deveni cu adevărat artist nu a fost imediat.

Peste trei decenii am urmat o carieră internațională în afaceri care m-a purtat în întreaga lume, de la Statele Unite la Maroc, Belgia, Asia și Franța. Călătoriile mele mi-au lărgit perspectiva, oferindu-mi expunere la o gamă largă de influențe culturale. Oriunde mergeam, mă dedicam scenei locale de artă și energiei creative a fiecărui loc.
În ciuda accentului pe cariera mea în afaceri, arta a fost mereu parte din mine, fierbind liniștit sub suprafață. Aproape 30 de ani, pictura a devenit o formă de meditație secretă pentru mine — o modalitate de a scăpa de lume și de a mă concentra pe sinele meu interior.

Întotdeauna am găsit o satisfacție imensă în pictură. Fiecare operă nouă este o călătorie în care îmi pot testa creativitatea, explora noi tehnici și trăi experiențe autentice. Prin arta mea, am sperat întotdeauna să ofer altora o întâlnire sinceră cu frumusețea, o oportunitate de a vedea lumea dintr-o perspectivă nouă și de a reflecta asupra propriilor vieți.

În 2023, după retragerea din cariera mea în afaceri, m-am dedicat pe deplin picturii. Am înființat studioul meu în Paris și m-am dedicat în întreg la arta mea. Până la sfârșitul lui 2024 am lansat cariera mea artistică publică și, spre surprinderea mea, munca mea a câștigat rapid recunoaștere, găsind locuri în colecții private în toată Europa, în special în Germania, Portugalia, Belgia, Italia și Țările de Jos.

La sfârșitul anului 2025 m-am mutat într-un spațiu mai mare, într-o sacristie goală din Lisieux, Normandia.

CV artistic

Prima mea expoziție solo, "Échos", organizată în Paris la sfârșitul lui 2024, a prezentat o abordare distinctivă a artei, departe de tehnicile tradiționale de pictură: pictez cu acrilice, pigmenți metalici și sprayuri pe spatele plexiglasului reprodus din vrac (Perpex), o suprafață ușoară, netedă, lucioasă și uneori fragilă. Acest proces mă împiedică să văd lucrarea pe măsură ce se dezvoltă. Nu am feedback vizual sau control în timpul procesului — ceva ce întâmpin cu plăcere. Permitem „experimente aleatorii” — orice este permis pentru a intrerupe rațiunea — să ghideze rezultatul, straturile și efectele oglindă pe care le creez, lăsând loc pentru revelație și descoperire când piesa este în cele din urmă expusă. Dar să fim clari: în fotografii, norocul nu decide niciodată; cel mult, norocul pune întrebări; coincidențele semnificative sunt posibile doar cu o disciplină considerabilă. Această abordare, care răspunde procesului de revelație/fixare al fotografiei, este provocatoare și eliberatoare. Valorile compoziției sunt îmbogățite prin straturi și transparențe, oferind fiecărei lucrări o calitate „ascetică”: mă simt fericit când recunosc „necesități ireductibile”, adică ceea ce este probabil să descoperim când ne oprim în liniște și lumină.

Îmi păstrez abordarea în mod deliberat simplă. Nici „emoția”, nici „concepția teoretică”, ci experiența de a fi. Nici „consum rapid”, nici „inteliectualizare/posesie intelectuală”, ci lărgirea conștiinței și explorarea realității, a poveștilor sale vizibile și invizibile; arta mea este o căutare a „vieții în toiul vieții”, a ceea ce Alain Damasio numește „le vif”. Deși nostalgia a făcut mereu parte din creațiile mele, picturile mele sunt fără obiect. Ca toate obiectele, sunt obiecte ale lor însele. Prin urmare, nu au conținut, nici sens, nici semnificație; sunt ca lucruri, copaci, animale, oameni sau zile, care de asemenea nu au motiv de a fi, sfârșit sau scop. În timp ce lucrarea mea poate evoca uneori transparența și luminozitatea ferestrei, rămâne aproape în întregime abstractă. Mai mult, plexiglasul conferă picturii o piele strălucitoare în care se poate zări propria siluetă, diferită pentru fiecare privitor nou. Fiecare lucrare acționează ca o oglindă discretă: trăiește, se schimbă, vede. Interacțiunea luminii, culorii și texturii, a părților lipsă de asemenea, necesită doar empatie. Speranța este ca jocul dintre „ detalii pentru apropiere” — un detaliu al unei imagini este o cu totul altă imagine — și „distanța pentru întreg” să îi încurajeze pe spectatori să pornească în propriile călătorii introspective.

Nu pretind că am toate răspunsurile și vreau să rămân smerit în ceea ce poate fi realizat. Pur și simplu, găsesc satisfacție în procesul continuu de a pune întrebări și de creștere. Fiecare nouă creație este o confruntare cu limitele mele, împingându-mă să-mi rafinez abilitățile și să explorez mai departe ceea ce pot realiza. Pictura, pentru mine, este o îndeletnicire zilnică, o explorare, o modalitate de a stârni conversații semnificative, o căutare pentru un pigment atât de perfect încât să nu aibă nevoie de noi. Epoca informalului abia a început.

Așa cum ar spune Jean Bazaine: „Practica zilnică multiplică pasiunea pentru a vedea.

Despre coerența în practica mea

În peisajul artelor contemporane, unde conceptul și forma au aceeași importanță, caut să creez lucrări definite nu prin preeminență, ci prin prezență. Picturile mele — câmpuri lucioase de culoare și lumină în plexiglas — sunt rezultatele liniștite ale unei investigații îndelungate și deliberate. Pentru mine, adevărata focalizare nu este atât imaginea finală, cât interacțiunea tăcută dintre gând și proces care o face să apară.

Această practică se bazează pe trei intenții aliniate.

Prima este o Retragere de la Semnificația Impusă. Descriind lucrările ca „fără obiect” și având „nici conținut, nici sens, nici înțeles”, sper să slăbesc ușor așteptarea de narațiune. Este o invitație de a îndepărta de la decriptare și către un mod de a privi mai direct.

Aceasta duce la a doua intenție: Priroitatea Experienței Trăite. În acel spațiu deschis, încerc să așez ceea ce privesc ca o „experiență a ființei”. Lucrarea devine mai mult un obiect de interpretare, decât un eveniment tăcut de simțit — modelat de lumina schimbătoare, straturi translucide și reflexia slabă a privitorului întâlnind privirea sa proprie. După cum observ frecvent, piesa „trăiește, se schimbă, vede.”

A treia este locul unde ideea întâlnește mâna: Procesul ca Gândire Încarnată. Pictarea pe verso-ul plexiglasului, lucrul fără feedback vizual, este o practică fizică de a te elibera. Este o eliberare conștientă de control în actul creației. Stabilim condiții, dar predăm rezultatul, permițând picturii să devină ceea ce numesc un „obiect de sine”, dezvăluit pe deplin doar atunci când este complet. Este un paralel dialogant cu dezvoltarea fotografică — o așteptare răbdătoare pentru ceea ce sosește „aici și acum.”

Susțin aceste intenții cu câteva paradoxuri blânde care susțin lucrarea:

Noroc și Disciplină
Vorbește despre „coincidențe semnificative”, dar acestea sunt posibile doar în cadrul unor limite atente. Norocul este oaspăt binevenit, dar structura este construită cu grijă.

Comunicare Fără Mesaj
Sper să „transmit ceva” prin lucrări pe care le numesc lipsite de însemnătate. Poate ceea ce se împărtășește nu este o afirmație, ci o stare — o textură de lumină, o prezență liniștită, o tăcere palpabilă.

Nostalgie pentru Prezent
O nostalgie blândă rămâne în lucrare, dar este ciudat adresată prezentului: o dorință pentru „necesitățile ireductibile” găsite în „tăcere și lumină” — o dorință de prezență pură pe care lucrarea însăși o oferă în mod tăcut.

Efort și Efortanțare
Procesul necesită o atenție calmă, dar urmărește un rezultat care să pară autonom, ca și cum „ar fi venit de la sine”. Sunt atras de ceea ce pare perfect inevitabil.
În acest spirit, am ajuns să simt că „epoca informalului abia a început.” Practica mea este îndatorată spiritului Art Informel, deși poate cu mai puțină durere și mai multă liniște — o informalitate în care șansa nu este o ruptură, ci un colaborator tăcut.

În esență, căutarea este pentru „le vif” — miezul viu. Opera tinde spre experiența directă, mai degrabă decât spre intelectualizare. Scara modestă pe care o aleg adesea este menită să încurajeze intimitatea, nu spectaculozitatea.
În final, aceasta este pur și simplu drumul unui singur artist. Biografia mea, procesul meu și reflecțiile mele nu sunt fire separate, ci părți ale aceleiași căutări. Am descoperit că o practică bazată pe paradoxuri liniștite nu trebuie să fie fragilă. Prin disciplină și claritate, cred, aceste tensiuni pot deveni o sursă de reziliență.

Anton Kaestner