Eileen Nisbet (1929-1990) - Oval

Minunat și foarte rar întâlnit pentru vânzare, ansamblul ceramic de porțelan, artă de ansamblu, al bine-cunoscutului crescător britanic de ceramică Eileen Nisbet. Această lucrare prezintă inserții colorate în miniatură și elemente cilindrice de porțelan conectoare între numeroase foi de porțelan foarte subțiri, cu forme diferite și orientări variate.
Două lucrări similare au fost vândute de casa de licitații Phillips pentru peste 5000 de dolari.

Eileen Nisbet: Sculptură Ceramică. O Introducere pe scurt.

Într-un moment în care ambienta funcțională de ceramică domina, sculptura abstractă a lui Eileen Nisbet o confirma ca fiind una dintre cele mai inovatoare ceramiciști ale epocii sale. Lucrarea ei a fost prezentată pe scară largă atât în Marea Britanie, cât și la nivel internațional, iar ea a fost, de asemenea, o profesoară inspirațională și o forță motrice în cadrul cursului de Ceramică de la ceea ce astăzi este Central Saint Martins College of Art and Design din Londra.

O artistă cu angajament total; producția ei a fost prolifică de la ieșirea din școala de artă până la moartea ei.

Acest site este menit să fie o resursă educațională și practică pentru studenți și cercetători și să catalogueze opera unei artiste unice și semnificative.

Eileen Nisbet: Sculptoriță Ceramică
1929 - 1990.
Viața și Opera.

Eileen Nisbet a ocupat un spațiu unic în ceramica secolului XX. Într-un timp în care olaritul funcțional domina, opera ei a fost cu totul diferită de cea a contemporanilor săi. În ultimii cincisprezece ani ai vieții sale, a dezvoltat o modalitate remarcabilă de lucru cu porțelanul și s-ar putea spune că a fost una dintre cei mai inovatori ceramiciști ai vremii. Ca recunoaștere a acestui fapt, exemple din sculptura sa ceramică au fost cumpărate pentru numeroase colecții private și publice.

Copil fiind, a crescut în nordul Londrei, iar la începutul celui de-al Doilea Război Mondial a fost trimisă la depozitul de autobuze pentru evacuare, însă, în ultimul moment, a decis să fugă și s-a întors la familie pentru a rămâne în Londra în timpul Blitzului. În anii săi formativi a devenit foarte apropiată de fratele său mai mare, James Hull, care era pasionat de pictură și care, în primii ani cincizeci, a devenit unul dintre primii pictori britanici abstracți la granița mișcării avangarde. A fost influența lui James care a făcut ca Eileen să dezvolte o fascinație pentru desen, abstractizare și învățăturile Bauhaus. A aplicat la Hornsey College, care era școala locală de artă, dar a fost îndreptată de la departamentul tradițional de pictură către olărit și colorare în sticlă. Aici a întâlnit-o pe colega de studii Michael Casson, cu care a format o prietenie pe viață. Apoi la Central School of Art a urmat cursul Basic Art, sub îndrumarea lui William Turnbull, urmat de cursul NDD Ceramics, cu Kenneth Clark ca tutore. Cu toate acestea, aspirațiile sale ca studentă erau să devină pictoriță, iar preocupările mai ample ale picturii, desenului și sculpturii au rămas baza operei sale. Acest interes a continuat după absolvire în 1963, pe măsură ce a continuat să producă ceramică, dar a fost prin experimentele de desen direct în lut că Nisbet a descoperit că își poate exprima cu adevărat sinele.

Acest Diagram indică apariția noilor lucrări pe măsură ce le realiza, în anumite perioade ale carierei sale. Semnificația sa va deveni clară pe măsură ce veți citi mai departe.

Deși îi plăceau oalele, Nisbet nu se bucura de aruncarea lor pe una roata. Prin crearea unui vas plat, presat, a generat un peisaj ușor curbat pe care putea să încerce o serie de desene simple. Acestea au fost inițial derivate din linia creată de nivelul de apă în schimbare pe măsură ce se mișcă în jurul interiorului unui vas înclinat și de influența operei lui Paul Klee, luând o linie la plimbare. Perfecțiunea glaze-ului bogat, semi-măt amber și claritatea distinctivă a designurilor liniare, accentuate prin inlay cu oxizi maro închis/negri, au făcut ca aceste farfurii să fie foarte populate - (vezi Dish/D1271).

Într-un episod din „The Craft of the Potter” (BBC) cu Michael Casson, o vedeți cum realizează unele dintre aceste linii pe un vas. Ea vorbește pe scurt despre relația dintre curba netedă a vasului și linia zgâriată, în timp ce rotește vasul într-o mână și manevrează instrumentul cu cealaltă.

„După ce am decis această formă și folosirea liniei înscise sau zgâriate, am realizat că trebuie să învăț cât de înclinată este acea curbă, cât de repede urcă în timp ce se taie o linie, pentru a produce curbe și linii drepte la comandă. Am vrut ca decorarea să fie un fel de divertisment, astfel încât dacă vezi doar jumătate din decor într-o privire, să îți dorești să vezi ce se întâmplă pe cealaltă parte.” EN 'The Craft of the Potter' BBC 1976.

Lovituta neîntreruptă a tușei este o priveliște hipnotizantă și arată artistul în deplină comuniune cu mediul său și viziunea personală, deși până în acel moment își mutase atenția către un tip complet diferit de lucru.

Convertirea Nisbetului către porțelan în 1975 a dus la cea mai inovatoare și fructuoasă perioadă a carierei sale. După ce a lucrat anterior cu el, ea a considerat mereu mediul limitat și i-a displăcut „prețiozitatea” sa, dar la insistența lui Pan Henry de la Casson Gallery să participe la o expoziție de porțelan, a acceptat invitația ca o provocare. Noul mediu a necesitat o abordare total diferită a lucrului său; structura rigidă a porțelanului fiert oferă o facilitate pentru rezistență și subțiere până la nivel de tranparență. Ea a constatat că poate fi tratat aproape ca hârtia. După realizarea unei serii de boluri din porțelan cu margini late, plate, a decis să renunțe la toate aspectele funcționale și să experimenteze cu suprafețe plane. Acestea au fost răsturnate pentru a forma o limbaj sculptural, pe care l-a dezvoltat în următorii cincisprezece ani.

Lucrările anterioare plane din 1975-1977 nu aveau culoare aplicată, bazându-se pe lumină și umbră create prin grosimi variate de lut și interacțiunea gaurilor perforate, a cercurilor scufundate și a ferestrelor. Cu mici excepții, aceste lucrări erau construcții abstracte. Sculpturile erau afișate retroiluminate, pentru a contopi elementele decorative cu calitatea hârtiei în ceramică (vezi FishForm/E1152 din secțiunea Light and Plane). În afară de frumusețea lor și calitățile tehnice inovatoare, această perioadă de muncă este notabilă și pentru legăturile sale strânse cu pregătirea ei anterioară în sticlă vopsită; lucrând cu lumina și planuri bidimensionale într-un teritoriu tridimensional.

După experimente atente pentru a arde foi subțiri fără să se bordoarse sau să se deformeze, tehnica esențială pe care a dezvoltat-o a fost asamblajul. Formele finalizate, care trebuiau arse plane, erau suprapuse vertical prin legarea separatorilor tubulari de porțelan între ele. La acea vreme, această legare era considerată o revoltă, deși astăzi utilizarea unui adeziv puternic în sculptura ceramică este puțin mai obișnuită.

Ea a lucrat într-un mod meticulos și metodic și a fost foarte economă. La început, fiecare parte a unei sculpturi era realizată astfel încât să relaționeze cu alte piese din lucrare, dar frecvent locul lor în compoziția finală a fost modificat față de ceea ce fusese inițial prevăzut. De asemenea, era important ca lucrarea să fie fizic stabilă atunci când era așezată pe o masă, o considerație care adesea contrazicea estetica. Procesul de asamblare era ceva pentru care Nisbet își lua mari griji să îl execute corect; ocazional piesele erau refăcute cu modificări subtile iar primele încercări ajungeau la depozitare.

„Când pui formele împreună, există o linie foarte fină între unde arată bine și unde nu. ...Începând cu o formă anume, trebuie să găsești altele care să meargă împreună și totul trebuie să fie contrabalansat din punct de vedere estetic și fizic. A rezolva aceste relații poate fi destul de dificil.” EN. Studio Porcelain de Peter Lane.

După ce a împins limitele noului material, Nisbet simțea că, deși calitățile porțelănului erau încă importante, tranparența sa ca scop în sine nu era suficientă. A încercat o altă serie de asamblaje întâi prin contrastarea porțelanului neted cu textura granuloasă a leșii albe, grogged stoneware (vezi WhiteMask/T1043) din secțiunea Panels, apoi folosind porțelanul singur, dar în plăci mai groase. După cum se poate vedea din LargeGame/G1706, ca de obicei scopul nu este atât un amestec jucăuș de forme, cât o mișcare către spații mai active pe care liniile și suprafețele îndreaptă privirea prin săriturile și rostogolirile implicate ale elementelor lor.

„Large Game” este unul dintre Primele esculturi la care au fost aplicate slipuri colorate. În limita materialului, a trebuit conceput un palet restrâns de culori temperate cu o gamă tonală atent echilibrată.

În 1978, începutul primelor forme de vas plan, au continuat tema plană, dar au incorporat silueta rotunjită și detaliile de margine traduse din olăritul de vase – (vezi PotWithLip/P930).

„Băncile au luat naștere prin desene „plate” pe care le făceam când proiectam vitraliul. Silueta trebuia să transmită toate detaliile importante dintr-un singur unghi. Aceste vase ceramice (pentru mine) sunt ca desenele, plate, dar arătând forma, brâuri, interior, mâner de la o privire.” EN. Studio Porcelain de Peter Lane.

„Cu acest vas nu este destinat să conțină nimic, nu trebuie să-l fac rotund sau să unească fețele. Imaginea mea vizuală este mai clară în acest fel.” EN. Declarație pentru Anatol Orient. 1983.

Nisbet a continuat să folosească culoarea în zone mici pentru a atrage și focaliza privirea. În primul rând motivul ochiului de tauri pe HorizontalFlower/F743 și apoi, în mod notabil, în dungi pe Flyer/P436, care au abstractizat ideea de decorare astfel încât să poată zbura de pe vas ca un drapel.

„Culoarea este utilizată treptat, ca o sugestie de culoare, un amestec de culoare, o conștientizare, mai degrabă decât pentru a specifica «Aceasta este un vas albastru».” EN.

„Dungile vopsite sunt folosite de-a lungul unei forme sugerate rotunde a vasului sau a formei bolului într-un mod grafic și devin o altă formă, ca un drapel, care zboară de pe vas și oferă o senzație de mișcare unei forme statice.” EN. Declarație pentru Anatol Orient. 1983.

Sursa de inspirație pentru sculpturile acestei perioade a venit din surse diverse, dar în special din avioane, elice, forme de flori și oalele, care erau întotdeauna preferate. În general, totuși, influențele ei au fost acumulate din experiențe, nu din teme particulare. Ea a găsit o valoare vizuală în majoritatea lucrurilor, chiar obiectele banale și aparent nesemnificative fiind explorate prin numeroase schițe de envelopă. Această disciplină a observației și înțelegerii a stat la baza tuturor lucrărilor sale. Unele dintre paginile sale de caiet de schițe oferă o privire în metodele sale de lucru și în dezvoltarea ideilor.

Calitatea comună lucrărilor Eileen Nisbet de-a lungul carierei a fost aceea a distilled-ului formei până la esența ei. Piesele sale aveau scopul de a surprinde atmosfera unui obiect, mai degrabă decât imaginea acestuia. Despre sculpturile GerminatingSeed/F759 scrie –
„Această sculptură nu reprezintă o floare, nici nu este o «floare nouă», ci despre o floare. Ea conține unele dintre ideile despre o plantă dintr-o sămânță cu o rădăcină unică care se transformă într-un mugur, izbucnește în floare, arătând primele semne ale petalelor colorate. În mintea lui Root devine apoi tulpină rulată.” EN. Declarație pentru Anatol Orient. 1983.

„Cu piesele aeroform, căuta să realizeze un sentiment de mișcare astfel încât «deși obiectul nu are puterea de a se mișca, s-ar părea că tocmai a aterizat sau este pe punctul de a decola».” EN. Studio Porcelain de Peter Lane.

O combinație între entuziasmul Nisbet pentru crearea unor lucrări mai mari și creșterea solicitărilor de la curatori internaționali a dus la nevoia de a face sculpturile mai rezistente. Structuri mari și subțiri ar fi fost mai puțin rezistente la transport, astfel că plăcile erau făcute mai groase în proporție cu dimensiunea lor și nu mai erau conice la margini. Îngroșarea planurilor a deschis mai multe posibilități pentru tratamentul marginilor, în special dezvoltarea unei margini laminară ca de chert pe BowlWithRainbow/P1187 și ulterior formele de ulcioare, dar care au apărut pentru prima dată pe SimpleOval/E1119 în 1978.

Căutarea de noi materiale și rafinarea tehnică au devenit o parte intrinsică a procesului de fabricație. După o serie de teste cu diferiți aditivi pentru a oferi un aspect mat, Nisbet a descoperit că glazurile ceramice, care deveniseră disponibile recent, pot fi folosite pe porțelan pentru a obține culori luminoase, translucide, asemănătoare cu acuarela. Cu multă nemulțumire din partea puriștilor ceramici, din 1985 încolo ea a folosit exclusiv glazură ceramică pentru lucrări colorate aplicate (vezi WingAndLoopHandledJugs/P452).

Piese speciale dezvoltate de marchetă în formă de cioburi, utilizate în patch-uri pe unele forme de ulcior ulterior, contrapunctează pictura și lucrarea încrustată de linie. Mânerul ușor curbat a fost făcut posibil prin reglarea fină a temperaturii de ardere, aducând detaliu subtil și variabil de umbră pe planele plate. „Loop Handled Jug” are o învârtire lirică a mânerului, iar ShardJugOnTable/P1636 are un brig lipit modelat într-un plan de corp în rest plat.

Țevile de ardezinădin natural de lutul de pe hambarul transformat în Cornish, selectate cu grijă, au fost încorporate ca umbre sau fundal în mai multe bucăți, inclusiv în „exquisitul BoatBowlWithLip/P986” din 1988, care are, de asemenea, un detaliu fin de suprafață creat prin umplerea zgârieturilor cu nisip foarte gros aplicat cu slip colorat. Tehnicile din spatele texturii de culoare pe VesselWithLip/P1144 și pe multe dintre oalele fabricate în 1989 și 1990, sunt mai degrabă lucrarea unui artist fin și a unui graver.

„Iubesc oalele — deși nu le fac niciodată — în special cele rotunde. ...Oamenii tind să creadă că olarul face obiecte rotunde, la roată sau manual. Consider acest lucru foarte restrictiv, așa că folosesc lutul pentru ceea ce îmi poate permite să fac. Îmi place să gândesc lutul tocmai ca un material pentru exprimarea ideilor.” EN. Studio Porcelain de Peter Lane.

Unul dintre ultimele sale lucrări este un panou porțelan plat, dreptunghiular, pe care a fost realizată o pictură (vezi Painting/T1503). Aceasta urma să fie începutul unei noi serii, dar din păcate sănătatea ei s-a deteriorat. Moartea ei a venit într-un moment în care cariera lui Eileen Nisbet prindea din plin elan, atât în ceea ce privește dezvoltarea creativă, cât și recunoașterea.

Central School of Art din Londra (acum Central Saint Martins College of Art and Design) a pierdut, de asemenea, unul dintre cei mai dedicați și inspiraționali profesori, un rol pe care l-a îndeplinit din 1963 până la sfârșitul vieții sale. În afară de oferirea sprijinului practic direct, entuziasmul și empatia ei i-au conferit abilitatea de a localiza rapid potențialul real al unui student și apoi să îl scoată la suprafață, fără a impune propriile sale idei. Pe lângă îndatoririle sale ca lector principal, a fost o forță motrice în dezvoltarea cursului de ceramică și avea opinii puternice despre ce ar trebui să poată realiza studenții și ce ar trebui să ofere cursul pentru ei.

Sensibilitatea și autoefacerea lui Eileen Nisbet au făcut din ea un profesor cu adevărat special, dar poate că aceste trăsături au contribuit și la eforturile modeste de auto-promovare. Angajamentele sale au fost în primul rând față de munca sa și studenții săi, iar succesul comercial a fost mai mult un produs secundar decât o prioritate. Această fațetă a caracterului său și unicitatea operei sale, combinate cu faptul că acoperirea media a ceramicii în acel timp era restrânsă, au făcut ca Eileen Nisbet să rămână oarecum neobservată.

Referințe:

Peter Lane – Studio Porcelain Contemporary Design and Techniques. Pitman.