Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Piesă unică, pictură originală de Anton Kaestner, direct din atelier.
#497 - M - " Djebel ".

Acrilic spray pe placă de plexiglas de 3mm (anti-UV).
Acest tablou nu este o imprimare. Este o operă originală "multi-straturi" al cărei efect lucios, asemănător cu aplicarea unei rășini, este unic.

Dimensiuni : 19,7" x 15,4" x 0,12" / 50 x 39 x 0,3 cm fără ramă.

Acest tablou este livrat fără ramă.
Ramă de calitate, marca germană Nielsen, din aluminiu, referința 34 524 placaj Stejar (19,5 cm x 1,38 cm x 0,6 cm) sau alt finisaj recomandat și disponibil la expediere pentru un cuantum suplimentar de 90€ TVA.

Opera este semnată pe verso.
Însoțește un Certificat de Autenticitate.
Livrarea este acoperită de o asigurare.

Anton Kaestner este un pictor, sculptor și autor elvețian, cu sediul la Paris. Operile sale sunt expuse peste tot în Europa, în Elveția și în Dubai. Informații suplimentare și opțiuni pe www.antonkaestner.com.

Expoziție personală viitoare - Geneva ianuarie 2027.

Biography

Născut la Geneva, Elveția, am crescut înconjurat de frumusețea naturală și bogăția culturală a patriei mele. Creativitatea era apreciată în familia mea, iar a fost bunicul meu decedat, un meșteșugar și artist, a cărui influență a plantat sămânța pentru ceea ce urma să devină pasiunea mea pentru viață.
În 1993, am început să pictez în privat, experimentând cu nenumărate acrilice în caiete A4 și apoi A3 - mereu am simțit că tablourile mari vin direct spre tine, dominatoare și intimidante, în timp ce lucrările mici pot inspira mult mai multă iubire. La început m-am atras spre pictura non-figurativă și expresionismul abstract.
Cu timpul, și în timp ce mă consider ateu, am dezvoltat și o afecțiune pentru materiale spirituale, întrucât rezonează cu explorarea existenței umane și cu adevărurile mai profunde ale naturii și ale vieții.

Totuși, drumul spre a deveni cu adevărat artist nu a fost imediat.

Timp de peste trei decenii, am urmărít o carieră internațională în afaceri care m-a purtat în jurul lumii, din Statele Unite în Maroc, Belgia, prin Asia și Franța. Călătoriile mele și-au lărgit orizonturile, expunându-mă la o varietate de influențe culturale. Oriunde m-am întâmplat să merg, m-am scufundat în scenele locale de artă și m-am angajat în energia creativă a fiecărui loc.
În ciuda concentrării pe cariera mea în afaceri, arta a fost mereu parte din mine, fierbind încet sub suprafață. Timp de aproape 30 de ani, pictura a devenit o formă de meditație secretă pentru mine — un mod de a scăpa de lume și de a mă concentra asupra Sinelui meu interior.

Întotdeauna am simțit o mare satisfacție față de pictură. Fiecare operă nouă este o călătorie unde pot să-mi testez creativitatea, să explores per tehnici noi și să trăiesc experiențe autentice. Prin arta mea, am mereu sperat să ofer altora o întâlnire sinceră cu frumusețea, o oportunitate de a vedea lumea dintr-un unghi nou și de a reflecta asupra propriilor vieți.

În 2023, după ce m-am retras din cariera mea în afaceri, m-am dedicat pe deplin picturii. Mi-am înființat studioul în Paris și m-am dedicat complet artei. Până la sfârșitul lui 2024, am lansat cariera mea artistică publică și, spre surprinderea mea, lucrările mele au câștigat rapid recunoaștere, ajungând în colecții private în toată Europa, în special în Germania, Portugalia, Belgia, Italia și Țările de Jos.

La sfârșitul lui 2025 m-am mutat într-un spațiu de lucru mai mare, într-o sacristie goală din Lisieux, Normandia.

CV Artistic

Prima mea expoziție solo, „Échos”, organizată la Paris la sfârșitul anului 2024, a prezentat o abordare distinctivă a artei, îndepărtată de tehnicile tradiționale de pictură: pictez cu acrilice, pigmenți metalici și spray-uri pe partea din spate a plexiglasului reciclat extrudat (Perpex), o suprafață ușoară, netedă, lucioasă și uneori fragilă. Acest proces îmi împiedică să văd lucrarea în timp ce se dezvoltă. Nu am feedback vizual sau control în timpul procesului — ceva ce primesc cu bucurie. Permiteți „experimente aleatorii” — orice poate să 'flușeze' rațiunea! — să ghidese rezultatul, straturile și efectele de oglindă pe care le creez, și să lase loc pentru revelație și descoperire când lucrarea este în cele din urmă expusă. Dar să fim clari: în pozele mele șansa nu ia deciziile; cel mult, șansa pune întrebări; coincidențele semnificative sunt posibile doar cu multă disciplină. Această abordare, care rezonează cu procesul de revelație/fixare a fotografiei, este provocatoare și eliberatoare. Valorile compoziției sunt îmbogățite de straturi și transparențe, dând totodată fiecărei lucrări o calitate „ascetică”: sunt fericit când recunosc „necesități ireducibile”, adică ceea ce este probabil să descoperim când ne oprim în tăcere și lumină.

Îmi țin abordarea în mod deliberat simplă. Nici „emoția”, nici „concepția teoretică”, ci experiența existenței. Nici „consum rapid”, nici „intenționalizarea/investirea intelectuală”, ci lărgirea conștiinței și explorarea realității, a poveștilor sale vizibile și invizibile; arta mea este o căutare a „vieții în inima vieții”, pentru ceea ce Alain Damasio numește „le vif”. Deși nostalgia a fost mereu parte din munca mea, picturile mele sunt fără obiect. Ca toate obiectele, ele sunt obiecte ale lor înseși. Prin urmare, nu au conținut, nici sens, nici scop; sunt ca lucruri, copaci, animale, oameni sau zile, care, de asemenea, nu au motiv să existe, nici scop, nici țintă. În timp ce munca mea poate evoca uneori transparența și luminozitatea vitraliului, rămâne aproape în întregime abstractă. Mai mult, plexiglasul conferă picturii o piele strălucitoare în care se poate zări propriul siluet, diferit pentru fiecare nou privitor. Fiecare lucrare acționează ca un organ discret: trăiește, se schimbă, vede. Interacțiunea luminii, culorii și texturii, a părților lipsă de asemenea, necesită doar empatie. Speranța este că jocul dintre „detalii pentru aproape” — un detaliu al unei imagini este o imagine complet nouă — și „distanța pentru ansamblu” va încuraja privitorii să pornească în propriile drumeții introspective.

Nu pretind că am toate răspunsurile și vreau să rămân umil în ceea ce poate fi realizat. Pur și simplu, găsesc satisfacție în procesul continuu de întrebări și creștere. Fiecare creație nouă este o confruntare cu limitele mele, mă împinge să-mi rafinez abilitățile și să explorez mai departe ceea ce pot realiza. Pictura pentru mine este un meșteșug zilnic, o explorare, o modalitate de a aprinde conversații semnificative, o căutare pentru o vopsea atât de perfectă încât să nu aibă nevoie de noi. Epoca informalului tocmai a început.

Așa cum ar spune Jean Bazaine: „Practica zilnică multiplica pasiunea pentru a vedea.”

About the coherence in my practice

În peisajul artei contemporane, unde conceptul și forma au aceleași mari, caut să creez lucrări definite nu prin proeminență, ci prin prezență. Picturile mele — câmpuri lucitoare de culoare și lumină în plexiglas — sunt rezultatele liniștite ale unei anchete îndelungate și deliberate. Pentru mine, adevărata concentrare nu este atât imaginea finală, cât interacțiunea liniștită dintre gând și proces care o face să apară.

Această practică se bazează pe trei intenții aliniate.

Prima este o Retragere din înțelesul impus. Descriind lucrările ca „fără obiect” și având „nici conținut, nici sens, nici obiectiv”, sper să slăbesc treptat așteptarea de narațiune. Este o invitație să ne îndepărtăm de decriptare și către un tip mai direct de a privi.

Aceasta duce la a doua intenție: Primatul experienței trăite. În spațiul deschis acela, încerc să așez ceea ce văd ca o „experiență a existenței”. Lucrarea devine mai degrabă un eveniment liniștit de simțit — modelat de lumina în care se schimbă, straturi translucide, și reflexia slabă a privitorului întâlnind propria privire. După cum observ adesea, piesa „trăiește, se schimbă, vede.”

A treia este locul unde ideea întâlnește mâna: Procesul ca Gândire Îmbrățișată. Pictura pe partea cealaltă a plexiglasului, lucrând fără feedback vizual, este o practică fizică de a lăsa să plece. Este o eliberare conștientă de control în actul de a crea. Stabiliești condiții, dar predai rezultatul, permițând picturii să devină ceea ce numesc un „obiect de sine” independent, total dezvăluit numai când este complet. Este un paralel tăcut cu dezvoltarea fotografică — o așteptare răbdătoare a ceea ce apare „aici și acum.”

Menținerea acestor intenții este susținută de câteva paradoxuri blânde care întrețin lucrarea:

Norocul și Disciplina
Vorbind despre „coincidențe semnificative”, dar acestea sunt posibile doar în limitele atente. Norocul este un oaspete binevenit, dar structura este construită cu grijă.

Comunicare Fără Mesaj
Sper să „comunică ceva” prin lucrări pe care le numesc lipsite de sens. Poate ceea ce se împărtășește nu este o afirmație, ci o stare — o textură de lumină, o prezență liniștită, o liniște palpabilă.

Nostalgia pentru Prezent
O nostalgia ușoară rămâne în lucrare, dar este curios îndreptată spre prezent: o dorință pentru „necesitățile ireducibile” găsite în „tăcere și lumină” — o dorință de prezență pură pe care lucrarea însăși o oferă în liniște.

Efort și Ușurință
Procesul necesită atenție constantă, dar urmărește un rezultat care să pară autonom, de parcă „a ieșit de la sine.” Sunt atras de ceea ce simt a fi inevitabil în mod perfect.
În acest spirit, am ajuns să simt că „eră informalului tocmai a început.” Practica mea este asigurată de spiritul Art Informel, deși poate cu mai puțină suferință și mai mult calm — o informalitate în care norocul nu este o ruptură, ci un colaborator liniștit.

La temelie este o căutare a „le vif” — nucleul viu. Lucrarea tinde spre experiența directă, nu spre intelectualizare. Scara modestă pe care o aleg adesea este menită să încurajeze intimitatea, nu spectacolul.
În final, aceasta este pur și simplu calea unui singur artist. Biografia mea, procesul meu și reflecțiile mele nu sunt fire separate, ci părți ale unei singure urmăritori. Am descoperit că o practică bazată pe paradoxuri liniștite nu trebuie să fie fragilă. Prin disciplină și claritate, astfel de tensiuni pot deveni, cred eu, o sursă de resiliență.

Anton Kaestner