Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Unik stycke, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#365 - S - "Chromatic Cloud MR#6".

Akryl sprayad på plexiglasplatta 3 mm.
Den här målningen är inte en print. Det är ett originalverk "multi-lager" vars glänsande yta "glossy" närmast som en resin är unik.

Mått: Inch 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm utan ram.

Denna målning levereras utan ram.
Ram av kvalitetsmärke det tyska Nielsen i aluminium, referens 34 (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) rekommenderad och tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 70€ inklusive moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett Certifikat om äkthet följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är svenskbaserad målare, skulptör och författare i Genève. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av den naturliga skönheten och kulturens rikedom i mitt hemland. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryler i A4- och sedan A3-notebookar – jag har alltid känt att stora målningar möter en direkt, dominerande och avskräckande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material då de resonnerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.
I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, Asien och Frankrike. Mina resor breddade mitt perspektiv och exponerade mig för en mängd olika kulturella influenser. Var jag än gick uppslukade jag mig i de lokala konstscenerna och mötte den kreativa energin i varje plats.
Trots fokuset på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt sjungande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta mig fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i att måla. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom verkliga upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min ateljé i Paris och började ägna mig helt åt min konst. Vid slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärsbana och, till min överraskning, fick mitt arbete snabbt erkännande, med hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större ateljé i ett ledigt sakristia i Lisieux, Normandie.

Artistiskt CV

Mitt första separata utställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade ett särskiljt tillvägagångssätt till konst, bortom traditionella måleritekniker: jag målar med akryl, metallpigment och sprejar på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process hindrar mig från att se verket medan det utvecklas. Jag har ingen visuell feedback eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” – allt går för att bryta igenom förnuftet! – att vägleda resultatet, lagerna och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar slumpen aldrig besluten; i bästa fall ställer den frågor; meningsfulla “sällsyntheter” är bara möjliga med stor disciplin. Detta tillvägagångssätt som ekar med uppenbarelse-/fixeringsprocessen i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser och samtidigt ger varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är glad när jag känner igen “oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt kommer att uppnå när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller mitt tillvägagångssätt medvetet enkelt. varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning”, utan upplevelsen av varande. varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell ägande”, utan medvetenhetsutvidgning och utforskning av verkligheten, av dess synliga och osynliga historier, min konst är en sökande efter ”livet i livets hjärta”, vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Liksom alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening, eller betydelse; de är som ting, träd, djur, människor, eller dagar, som också saknar skäl att vara, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan framkalla transparensen och ljuset i blyglas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande hud där man kan skymta sin egen silhuett, unik för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samverkan av ljus, färg och textur, av de saknade delarna även, kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer spelet mellan ”detaljer för närsynta” - en detalj av en bild är en helt ny bild - och ”avstånd för helheten” att uppmuntra betraktare att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättande och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som tvingar mig att förfina mina färdigheter och utforska mer vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte har något behov av oss. Åldern av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken förökar passionen för att se."

Om sammanhanget i min praxis

I samtidskonstens landskap, där koncept och form har lika mycket vikt, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande men av närvaro. Mina målningar — skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas — är de lugna resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är den verkliga fokus inte slutbilden utan det tysta samspelet av tanke och process som gör det möjligt att uppkomma.

Denna praxis vilar på tre samordnade avsikter.

Det första är en Utläggning från påtvingad betydelse. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”antingen innehåll, mening eller betydelse” hoppas jag mjukt lossa förväntningen om berättande. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot ett mer direkt sätt att titta.

Detta leder till den andra avsikten: Primacy of Lived Experience. I det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag ser som en ”upplevelse av varandet.” Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en tyst händelse att kännas – formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta nämner: verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som inkapslad tanke. Målning på plexiglass bakifrån, arbeta utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik av att släppa taget. Det är ett medvetet släpp av kontroll i skapandeögonblicket. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ”objekt i sig”, fullt avslöjat först när det är färdigt. Det är ett tyst parallell till fotografisk utveckling – ett tålmodigt väntande på vad som kommer här och nu.

Att hålla fast vid dessa intentioner är några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘samhällsöden’”, men de är endast möjliga inom noggranna ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk som jag kallar meningslösa. Kanske vad som delas inte är ett påstående, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi ligger kvar i arbetet, men den är märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som man hittar i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstod av egen kraft.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”åldern av det informella bara har börjat.” Min praxis är skyldig andan hos Art Informel, men kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är en rupture, utan en tyst medarbetare.

I sitt hjärta är den en jakt efter ”le vif” – den levande kärnan. Verket lutar mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den blygsamma skalan jag ofta väljer är avsedd att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en och samma strävan. Jag har funnit att en praxis rotad i lugn paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner