Anton Kaestner - #385 - S - " Chromatic MR10 ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#385 - S - "Chromatic MR10".

Akryl sprayad på plexiglasskiva 3 mm.
Den här målningen är inte en print. Det är ett originallverk "multilagers" vars glänsande yta, nära resinintryck, är unik.
Transparent vid tryck.

Dimensioner: 9,1 x 12,6 x 0,12 tum / 23 x 32 x 0,3 cm utan ram.

Målningen levereras utan ram.
Ramen av hög kvalitet från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 (9,0 x 3,9 cm) rekommenderad och tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 70 € inklusive moms.

-Verket är signerat på baksidan.
-Ett Äkthetscertifikat följer.
-Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk visas över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne 7–10 maj 2026.

Biografi

Jag är född i Genève, Schweiz, och växte upp omgiven av mitt hemlands naturliga skönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande planterade fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryler i A4- och sedan A3-böcker – jag har alltid känt att stora tavlor kommer rakt emot en, dominerande och skrämmande, medan små arbeten kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till nonfigurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag även en förtrogenhet för andliga material eftersom de förbättrade min utforskning av mänskligt tillstånd och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till verkligt att bli konstnär inte omedelbar.
I över tre decennier jag jag bedrivit en internationell affärskarriär som fört mig kors och tvärs över världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade min syn och exponerade mig för många kulturella influenser. Överallt jag gick, fördjupade jag mig i de lokala konstscenerna och mötte den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på affärskarriären har konst alltid varit en del av mig, tyst koka under ytan. I nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i målning. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. Vid slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande, hittade hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en tom sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärlig CV

Min första separatutställning, "Échos", hålls i Paris i slutet av 2024 och visade ett distinkt tillvägagångssätt till konsten, bortom traditionella måleritekniker: Jag målar med akryl, metallpigment och sprejar på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process hindrar mig från att se verket samtidigt som det utvecklas. Jag har inget visuellt återkopplings- eller kontrollflöde under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter "slumpmässiga experiment" - allt tillåtet för att bryta ner förnuftet! - att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när biten slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst är slumpen en fråga; meningsfulla ”samsyn” är endast möjlig med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelse/fixering av fotografi är utmanande och befriande. Kompositionens värden berikas av lager och transparens men ger varje verk en "asketisk" kvalitet: Jag är glad när jag känner igen de ”oreducerbara nödvändigheterna”, dvs det vi troligen upptäcker när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller mitt tillvägagångssätt medvetet enkelt. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelse av varande. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering/intellektuell ägande”, utan vidgning av medvetandet och utforskande av verkligheten, av dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en jakt på ”livet vid livets kärna”, på vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Precis som alla objekt är de objekt i sig själva. De har därför varken innehåll, mening eller syfte; de är som ting, träd, djur, människor eller dagar, vilka också saknar skäl att existera, slut eller syfte. Medan mitt verk ibland kan framkalla transparens och luminositet hos färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande hud där man kan lägga märke till sin egen kontur, annorlunda för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusspelet, färg och textur, även de saknade delarna, kräver empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer på nära håll” – en detalj av en bild är en helt ny bild – och ”avstånd till helheten” uppmuntra betraktarna att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga frågeställningen och tillväxten. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. För mig är måleri en daglig hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte har något behov av oss. Den informella tidsålder har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga övningen fördubblar lidelsen för att se.

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form har lika stor vikt, söker jag skapa arbete som definieras inte av framträdande, utan av närvaro. Mina målningar—glittrande fält av färg och ljus inom plexiglas—är tysta resultat av en lång och avsiktlig undersökning. För mig är det verkliga fokuset mindre på det slutliga bilden än den tysta samverkan mellan tanke och process som låter den uppstå.

Denna praktik vilar på tre alignerade avsikter.

Den första är en Withdrawal från föreskriven mening. Genom att beskriva verken som
"utan objekt" och ha "varken innehåll, mening eller syfte" hoppas jag varsamt lossa förväntan på berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt typ av betraktelse.

Detta leder till den andra avsikten: Primat av upplevd erfarenhet. In i det öppna utrymmet försöker jag lägga det jag ser som en ”upplevelse av varande”. Verket blir mindre ett objekt att tolkas och mer en lugn händelse att kännas—formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och betraktarens återgivna blick. Som jag ofta nämner: verket “lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som inkapslad tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbete utan visuell återkoppling, är en fysisk praxis av att släppa kontrollen. Det är en medveten frigivning av kontroll i tillverkningsakten. Jag sätter villkor, men ger upp resultatet, låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ”objekt i sig”, fullständigt avslöjat först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk framkallning—ett tålmodigt väntande på vad som kommer ”här och nu.”

Att hålla fast vid dessa avsikter är några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om meningsfulla ”samsyn”, men de är endast möjliga inom noggrant avgränsade ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi hänger kvar i verket, men den riktas nyfiket mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” funna i ”tystnad och ljus”—en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns autonomie—som om det uppstod av egen fri vilja. Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”den informella tidsåldern bara har börjat.” Min praktik står i tacksamhet till Art Informel:s ande, kanske med mindre ångest och mer lugn—en informellhet där slumpen inte är en ruptur, utan en tyst medarbetare.

I dess kärna finns en sökning efter ”le vif” — det levande kärnan. Verket lutar mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den diskreta skalan jag ofta väljer syftar till att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en och samma strävan. Jag har funnit att en praktik förankrad i tyst paradox behöver inte vara spröd. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar, tror jag, bli en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner