Anton Kaestner - #386 - S - " Chromatic MR11 ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#386 - S - "Chromatic MR11".

Sprutmålad akryl på plexiglasplatta 3 mm.
Denna tavla är inte en print. Det är ett originellt verk i flerskikts-utförande med en glänsande yta, ”glossy”, som liknar appliceringen av ett resiner—och den effekten är unik.
Genomskinlighet vid tryck.

Dimensjoner: 9,1 tum × 12,6 tum × 0,12 tum / 23 × 32 × 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
En kvalitetsram av tyskt märke Nielsen i aluminium, referens 34 (inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) rekommenderas och finns att tillgå vid frakt för ytterligare 70 € inklusive moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetscertifikat följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare med bas i Paris. Hans verk visas över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Fler uppgifter och valmöjligheter på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning – Lausanne 7–10 maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av mitt hemlands naturliga skönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare & konstnär, vars inflytande planterade fröet till vad som skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akrylbaser i A4- och sedan A3-böcker – jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt på sig, dominerande och skrämmande, medan små verk kan väcka mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en uppskattning för andliga material då de resonerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.

I över tre decennier ägnade jag mig åt en internationell affärskarriär som tog mig världen över, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och utsatte mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Var jag än var, fördjupade jag mig i lokala konstscener och mötte den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär har konst alltid varit en del av mig, tyst bubblande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig—ett sätt att bryta mig fri från världen och rikta uppmärksamheten inåt.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i målning. Varje nytt arbete är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, övergick jag helt till målning. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande, fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i ett tomt sakristi i Lisieux, Normandie.

Konstnärligt CV

Min första separata utställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en distinkt syn på konst, bortom traditionella måleritekniker: Jag målar med akryler, metallpigment och sprejmålningar på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, jämn, glänsande och ibland ömtålig yta. Denna process gör att jag inte kan se verket i sin utveckling. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” — allt är tillåtet för att kortsluta förnuftet! — att vägleda resultatet, skikten och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket äntligen visas. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar chans aldrig besluten; högst tillåter den frågor; meningsfulla “samsyn” är endast möjlig med stor disciplin. Detta tillvägagångssätt som ekar med uppenbarelse-/fixeringsprocessen i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser men ger varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är glad när jag känner igen “oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min ansats medvetet enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelse av varande. Varken ”snabbt konsumtion” eller ”intellektualisering/intellektuell besittning”, utan vidgning av medvetandet och utforskandet av verkligheten, dess synliga och osynliga berättelser; min konst är en strävan efter ”livet vid livets kärna”, det som Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid har varit en del av mitt arbete är mina målningar utan föremål. Liksom alla föremål är de föremål av sig själva. De har således varken innehåll, mening eller mening; de är som ting, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar skäl för att finnas, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan väcka transparens och ljuslighet i färgade glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan skymta sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljuset, färgen och texturen, samt också det saknade, kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer nära” - en detalj av en bild är en helt ny bild - och ”avståndet för helheten” att uppmuntra betraktare att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättande och tillväxt. Varje nytt skapande är en konfrontation med mina gränser, vilket driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella tidsåldern har ännu inte börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken multiplicerarsynen av passionen för att se."

Om samhörigheten i min praxis

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form väger lika tungt, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande, utan av närvaro. Mina målningar—skimrande färgfält och ljus inom plexiglas—är de tysta resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är fokus egentligen mindre på den slutliga bilden än på det lugna samspelet mellan tanke och process som gör den möjlig.

Denna praxis vilar på tre överensstämmande intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från Påtvingad Meningsskapande. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”varken innehåll, mening eller betydelse” hoppas jag smidigt lossa förväntningen av narrativa. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt typ av betraktande.

Detta leder till den andra intentionen: Primat av Levd Upplevelse. In i det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag anser vara en ”upplevelse av varande”. Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en stilla händelse att känna—formen genom skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta påpekar ”verket lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som förkroppsligad tanke. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell feedback, är en fysisk övning i att släppa kontrollen. Det är en medveten frigivning av kontroll i skapandeakten. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende ”objekt i sig själv”, fullt uppenbart först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk framkallning—ett tålamod innan det som kommer sker ”här och nu.”

Att hålla fast vid dessa intentioner finns det några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och Disciplina
Jag talar om ”meningsfulla ‘samsyn’”, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slump är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation Utan Budskap
Jag hoppas kunna ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en tyst närvaro, en upplevbar stillhet.

Nostalgia för Nuet
En mjuk nostalgi ligger kvar i arbetet, men den är nyfiket riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus”—en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och Ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men syftar till ett resultat som känns självständigt, som om det ”uppstod av egen vilja.” Jag dras till det som känns fullständigt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”tidsåldern för det informella bara har börjat.” Min praxis är tacksam till andan av Art Informel, även om den kanske har mindre ångest och mer lugn—en informellitet där slumpen inte är en rupture utan en tyst medarbetare.

I dess kärna ligger en sökande efter ”le vif”—den levande kärnan. Verket lutar mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är tänkt att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är det bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis förankrad i tyst paradox inte behöver vara skör. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner