Anton Kaestner - #391 - S - " Chromatic MR13 ".

Unik tavla, originalmålning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#391 - S - " Chromatic MR13 ".

Spray-akryl på 3 mm plexiglasplatta.
Denna tavla är inte en tryckning. Det är ett originalverk "multi-lager" vars glansiga yta, som liknar applåder av resin, är unik.
Transparens på tryck.

Dimensioner: Inche 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Fyrkantskvalitet från det tyska varumärket Nielsen i aluminium, referens 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid leverans mot en tilläggssumma av 70€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett Äkthetscertifikat följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne 7–10 maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av min hemlands naturliga skönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande planterade fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akrilfärger i A4- och sedan A3-pärmnotor – jag har alltid känt att stora bilder kommer rakt emot en, dominerande och skrämmande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och medan jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material som resonerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen för att verkligen bli konstnär inte omedelbart.

I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och exponerade mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Var jag än gick fördjupade jag mig i de lokala konstscenerna och engagerade mig i varje plats kreativa energi.
Trots fokus på min affärskarriär var konsten alltid en del av mig, lugnt sjunkande under ytan. I närmare 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit enorm tillfredsställelse i att måla. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom verkliga upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över deras egna liv.

År 2023, efter att ha dragit mig tillbaka från min affärskarriär, helt engagerade mig i målning. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär och, till min förvåning, fick mitt arbete snabbt erkännande och hittade hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en ledig sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärlig CV

Min första separata utställning, "Échos," som hölls i Paris i slutet av 2024, visade ett särskiljande tillvägagångssätt till konst, bort från traditionella måleritekniker: Jag målar med akryl, metallpigment och sprejer på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process hindrar mig från att se verket medan det utvecklas. Jag har inget visuellt återkopplingsflöde eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag låter ”slumpmässiga experiment” – vad som helst för att bryta igenom förnuftet! – vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämnar utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket äntligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar slumpen aldrig besluten; högst ställer slumpen frågor; meningsfulla ”samtidigheter” är endast möjliga med stor disciplin. Denna metod som ekar med uppenbarelse/fiktionens process i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser och ger varje verk en en ”asketisk” kvalitet: Jag är glad när jag känner igen ”oreducerbara nödvändigheter”, alltså vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar upp i tystnad och ljus.

Jag håller mitt tillvägagångssätt konsekvent enkelt. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell besittning”, utan medvetenhetsutvidgning och utforskning av verkligheten, av dess synliga och osynliga historier; min konst är en strävan efter ”livets kärna i livet”, vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete är mina målningar utan objekt. Liksom alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller vett; de är som ting, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar skäl att finnas, ändamål eller slut. Medan mitt arbete ibland kan väcka transparens och ljushet hos färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en glittrande hud där man kan ana sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samverkan av ljus, färg och struktur, av de saknade delarnas närvaro, kräver endast empati. Förhoppningsvis kommer spelets mellan ”detaljer för närsynt” - en detalj av en bild är en helt ny bild - och ”avståndet för helheten” uppmuntra betraktare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill förbliva ödmjuk om vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga frågeställningen och tillväxten. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, vilket driver mig att finslipa mina färdigheter och utforska vad jag mer kan åstadkomma. Målning är för mig ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt på en färg så perfekt att den inte behöver oss. Åldern av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken förökar lusten att se."

Om sammanhang i min praktik

I samtidskonstens landskap, där koncept och form har lika mycket vikt, strävar jag efter att skapa verk som definieras inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar – skimrande färgfält och ljus inom plexiglas – är de lugna resultaten av en lång och avsiktlig undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på den slutgiltiga bilden än på det tysta samspelet av tanke och process som tillåter den att uppstå.

Denna praxis vilar på tre samordnade intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från Påtvingad Meningsinnehåll. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”antingen innehåll, eller mening, eller betydelse”, hoppas jag försiktigt lossa förväntningen på narrativa. Det är en inbjudan att lämna avkodning och närmare en mer direkt form av betraktande.

Detta leder till den andra intentionen: Primat av Upplevelse i Levande Liv. I det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag ser som en ”upplevelse av att vara”. Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en tyst händelse att känna – format av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta påpekar, verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som Inkarnerat Tankeverk. Målning på plexiglasets baksida, arbete utan visuell återkoppling, är en fysisk praxis av att släppa taget. Det är ett medvetet släpp av kontroll i tillverkningsakten. Jag sätter förutsättningar, men ger upp resultatet, låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende ”objekt i sig självt”, fullt avslöjat först när det är fullständigt färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett tålamod väntar på vad som kommer ”här och nu.”

Hållandes dessa intentioner finns några mjuka paradoxer som uppehåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om meningsfulla ”samtidigheter”, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas kunna ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske delas inte ett uttalande, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nutiden
En mjuk nostalgi ligger kvar i verken, men den är märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket själv tyst erbjuder.

Ansträngning och lätthet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men strävar efter ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstod av egen kraft.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”åldern av det informella bara har börjat.” Min praxis är skyldig åt Kunst Informel:s anda, även om kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är ett upplopp, utan en tyst medarbetare.

I sitt hjärta är det en sökande efter ”le vif” – det levande kärnan. Verket lutar mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är tänkt att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

Till sist är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis grundad i tyst paradox inte behöver vara ömtålig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner