Anton Kaestner - #396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Unik tavla, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
Min allra första målning på glas, ett återvunnet glas i Marocko 1994.
#396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Acrylspray på glaspanel (Marocko 1994) på 3 mm.
Den här målningen är inte ett tryck. Det är ett originalverk i "multi-lager" vars glänsande yta "glossy", liknande en resin-applicering, är unik.

Dimensioner: 9,3" x 9,8" x 0,12" / 23,5 cm x 25 cm x 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 (9/32" x 1,38" / 0,6" x 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 60 € inklusive moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetscertifikat följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målar- och skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk visas över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne 7–10 maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av landets naturliga skönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidna farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till vad som så småningom skulle bli mitt livs passion.
År 1993 började jag måla privat, experimentera med otaliga akryler i A4- och sedan A3-böcker – jag har alltid känt att stora målningar kommer rakt emot en, dominerande och avskräckande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig som ateist, utvecklade jag också en förtjusning för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av mänsklig tillvaro och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.

I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig jorden runt, från USA till Marocko, Belgien, genom Asien och Frankrike. Mina resor utvidgade mitt perspektiv och utsatte mig för en mängd kulturella influenser. Överallt jag gick fördjupade jag mig i det lokala konstlivet och engagera mig i varje plats kreativa energi.
Trots fokus på affärskarriären har konsten alltid varit en del av mig, tyst kokande under ytan. Nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit enorm tillfredsställelse i målning. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt målning. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande, hittade hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en tom sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärligt CV

Min första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade ett distinkt tillvägagångssätt till konsten, avvecklad från traditionella måleritekniker: Jag målar med akryl, metallpigment och sprejar på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland skör yta. Denna process hindrar mig från att se verket medan det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” - vad som helst för att kortsluta förnuftet! - att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst är slumpen en fråga; meningsfulla “samtidigheter” är endast möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar igenom fotoets uppenbarelse/fixeringprocessen är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser men ger varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är lycklig när jag känner igen “oerskillliga nödvändigheter”, dvs vad vi förmodligen kommer att upptäcka när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min approach avsiktligt enkel. Varken ”emotion” eller ”teoretisk uppfattning” utan upplevelsen av varande. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell besittning”, utan medvetandets vidgning och utforskande av verkligheten, av dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en sökande efter ”livet vid livets allra hjärta”, det som Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Likt alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller betydelse; de är som ting, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar anledning att finnas, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan framkalla genomskinningen och ljusstyrkan i färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en glimtande yta där man kan se sin egen silhuett, olika för varje ny åskådare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljus, färg och texturens samverkan, även frånvaron av delar, kräver bara empati. Förhoppningsvis uppmuntrar samspelet mellan “detaljer nära” - en detalj ur en bild är en helt ny bild - och “avståndet till helheten” åskådare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättande och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som tvingar mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt på en färg så perfekt att den inte behöver oss. Epoken av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken multiplicerar lusten att se.

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form har lika mycket vikt, söker jag skapa verk definierade av närvaro snarare än av framträdande. Mina målningar—skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas—är de tysta resultaten av en lång och genomtänkt undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre den slutliga bilden än den tysta samverkan av tanke och process som låter den växa fram.

Denna praxis vilar på tre sammanlänkade intentioner.

Den första är Ett tillbakadragande från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som “utan objekt” och ha “varken innehåll, mening eller avsikt”, hoppas jag mjukt att lossa förväntningen av narrativ. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt blick.

Detta leder till den andra intentionen: Primat av upplevd erfarenhet. In i det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag ser som en “upplevelse av varande.” Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en lugn händelse att känna— Formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga spegeln av åskådaren som möter sin egen blick. Som jag ofta nämner: verket “lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som inkorporerad tanke. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell återkoppling, är en fysisk praxis av att släppa taget. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i skapandets handling. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt “objekt i sig självt”, fullt uppenbart först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling—ett tålmodigt väntande på vad som arrives “här och nu.”

Att hålla fast vid dessa intentioner finns det några mjuka paradoxer som upprätthåller verket:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘samtidigheter’”, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas kunna “kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi vilar över verken, men den är märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de “oregelbundna nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus”—en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns självständigt, som om det “uppstod av egen kraft.” Jag dras till det som känns helt ofrånkomligt.
I denna anda har jag kommit att känna att “tiden för det informella bara har börjat.” Min praktik är skyldig andan hos Art Informel, även om den kanske har färre plågor och mer lugn—en informellhet där slump inte är ettbrott, utan en lugn medarbetare.

I dess kärna är en sökande efter “le vif”—det levande kärnan. Verket lutar mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är menad att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

Till slut är detta enbart en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis förankrad i lugnt paradox inte behöver vara ömtålig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner