Anton Kaestner - #21 - XL - " Dans l'Incertitude ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#21 - XL - "I osäkerheten".

Spray-akryl på 3 mm Perpex-platta.
Genomskinlighet på tryck.
Denna tavla är inte en utskrift. Det är ett originalverk "multi-skikt" vars glänsande yta, gloss, som liknar resin-applicering, är unik.
Detaljerna i denna tavla avslöjas med tiden.

Dimensioner: 34,0 tum × 24,2 tum × 0,12 tum / 86 × 61,5 × 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Ramen av hög kvalitet från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 Natura 514 Ek (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändning mot en extrakostnad av 140 € inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett bevis om äkthet följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut överallt i Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa separatutställning – Genève 18–28 juni 26.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av den natursköna skönheten och kulturella rikedom som mitt hemland erbjuder. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, hantverkare och konstnär, vars påverkan sådde fröet till vad som så småningom skulle bli mitt livs passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akrylvarianter i A4- och sedan A3-block – jag har alltid känt att stora bilder kommer rakt mot en, dominerande och skrämmande, medan små arbeten kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli en konstnär inte omedelbar.

I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig runt om i världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv, utsatte mig för en bred uppsättning kulturella influenser. Var jag än var, försjönk jag i de lokala konstscenerna och mötte den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt bubblande under ytan. Nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i att måla. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sitt eget liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade mitt studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärskarriär och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande och fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en tom sakristia i Lisieux, Normandie.

Künstlerisch CV

Mitt första separat utställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en särpräglad ansats till konst som avvek från traditionella måleritekniker: jag målar med akryl, metallpigment och sprej på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, jämn, glänsande och ibland skör yta. Denna process hindrar mig från att se verket medan det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter "slumpmässiga experiment" – allt går för att bryta ner rationalitetens hinder – att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när stycket äntligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder fattas besluten aldrig av slumpen; maximalt frågar slumpen frågorna; meningsfulla ”samtidigheter” är endast möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelse / fixering av fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och genomskinligheter, samtidigt som varje verk ges en ”asketisk” kvalitet: jag är nöjd när jag känner igen ”irreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt upptäcker när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag behåller min metod avsiktligt enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk uppfattning” utan upplevelsen av att vara. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell ägande”, utan medvetenhetsutvidgning och utforskning av verklighetens synliga och osynliga berättelser; min konst är en jakt på ”livet i livets kärna”, det som Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete är mina målningar utan objekt. Liksom alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller syfte; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar skäl att finnas, ändmål eller syfte. Medan mitt verk ibland kan väcka transparens och luminositet hos blyglas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande hud där man kan ana sin egen kontur, annorlunda för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusspelet, färg och textur, även de saknade delarna, kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer för närbilden” – en detalj av en bild är en helt ny bild – och ”avståndet för helheten” uppmuntra betraktare att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enkelt sagt finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga frågan och tillväxten. Varje nytt skapande är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter ett färglager så perfekt att det inte längre behöver oss. Epoken av informell har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: ”Den dagliga praktiken multiplicerar passionen för att se.”

Om sammanhang i min praktik

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form har lika stor vikt, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande utan av närvaro. Min målningar – skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas – är tysta resultat av en lång och genomtänkt undersökning. För mig är det verkliga fokuset mindre slutbilden än det lugna samspelet mellan tanke och process som låter den framträda.

Denna praktik vilar på tre samordnade intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från Påtvingad Meningsinnehåll. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”varken innehåll, mening eller känsla” hoppas jag försiktigt lösa förväntningen på berättelse. Det är en inbjudan att avlägsna sig från avkodning och närma sig ett mer direkt sätt att titta.

Detta leder till den andra intentionen: Förstaplatsen för Erfarenhet i livet. I det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag tänker på som en “upplevelse av varande.” Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en tyst händelse att kännas – format av skiftande ljus, genomskinliga lager och betraktarens skärpa mötandes sitt eget blick. Som jag ofta noterar: verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som kroppslagt tänkande. Målning på baksidan av plexiglas, arbetande utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik i att släppa taget. Det är en medveten frihet från kontroll i görandet. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ”objekt i sig”, fullt uppenbart först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett tålmodigt väntande på vad som kommer ”här och nu.”

Att hålla fast vid dessa intentioner består av några mjuka paradoxer som upprätthåller verket:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘sammankomster’”, men de är endast möjliga inom noggrant avgränsade ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs upp med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi vilar över verket, ändå är den märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de ”irreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket själva tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns självständigt, som om det ”uppstod av egen kraft.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda känns det som om jag fått uppfattningen att ”åldern av det informella bara har börjat.” Min praxis är skyldig andan från Art Informel, även om den kanske har mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är ett brott, utan en lugn medarbetare.

I grunden är det en jakt på ”le vif” – det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den blygsamma skalan jag ofta väljer syftar till att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutänden är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis grundad i tyst paradox inte behöver vara skör. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner