André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Detta abstrakta skulptur av den berömda schweiziska konstnären André Ramseyer (1914-2007) köptes runt 1970 direkt av konstnären och är emblematiskt för hans stil, starkt influerad av Henry Moores geometriska abstraktion. Deras verk från denna period koncentrerar sig på interaktionen mellan ”fyllt” och ”tomt”, där det cirkelformade hålet i skulpturen är ett klassiskt element i hans vokabulär. Även om många av hans mest kända verk gjutits i brons, arbetade han också med stensorter som marmor och alabaster. Detta specifika stycke verkar vara gjort av en polerad marmorsort. Skulpturen är numrerad 1/1 och försett med hans karakteristiska monogram. Måtten är 28 cm lång, 18 cm hög och 12 cm djup. De sista 3 fotona är av liknande verk från samma period.

Ursprung
Ateljén hos konstnären
Familjen Van Vliet, Eindhoven (1971)

Viktigt !!
Den svarta massiva basen medföljer inte på grund av vikt (>25 kg) om inte skulpturen hämtas.

André Ramseyer
För André Ramseyer var skulpturering en sann kallelse: ”Jag kunde inte göra något annat. Jag lydde en inre kallelse.” En kallelse som han försökte besvara, inte utan smärta: ”Du strävar efter ett mål som allt längre bort närmare du kommer. Konstnären känns alltid otillräcklig i det han skulle vilja uppnå. Det är en källa till lidande och samtidigt en källa till inspiration,” berättade han vid 90 års ålder för Dominique Bosshard (i Neuchâtel Express, 31 januari 2004).

Efter studier hos Léon Perrin (1886-1978) i La Chaux-de-Fonds och lektioner vid Montmartre och Montparnasse fria akademier i Paris behandlade André Ramseyer människokroppen i en stil som speglade hans beundran för mästare som Rodin (1840-1917) och Maillol (1861-1944). Hans sista figurativa verk som bildhuggare är De badande, som blickar ut över poolen i mitten av den formella trädgården framför Hôtel du Peyrou i Neuchâtel. Detta var en viktig milstolpe i hans karriär: dels eftersom det var hans första stora officiella uppdrag, dels eftersom verket väckte kontrovers. André Ramseyer var tvungen att försvara det mot en grupp motståndare som höll fast vid traditionell konst. Det tog fem år innan verket stod färdigt, trots att den ursprungliga uppgiften av bildhuggaren redan daterade från 1948.

Efter tiden i Ossip Zadkines ateljé (1890-1967) rörde Andre Ramseyer sig gradvis mot abstraktion. Parens figurer som han skulpterade fick förenklade, förfinade former, med tomma utrymmen mellan deras kroppar. Han beskrev sin utveckling så här:

"Det var 1948, efter De badande i Hôtel du Peyrou, som jag tog avstånd från den figurativa konsten. Efter ett år i Paris arbetade jag tillsammans med skulptören Ossip Zadkine. Under hans inflytande utvecklade jag mig långsamt till en frihetsform som jag så länge längtat efter." Zadkine förblev en figurativ skulptör, men han tog friheter med människokroppen, friheter som jag har tagit till mig, som i Trost, en skulptur som nu står på det centrala torget i Biel/Bienne; Det är fortfarande den manliga och kvinnliga kroppen, men behandlad med stor frihet.”¹

När André Ramseyer vågade sig på abstraktion togs denna konstform av allmänheten och till och med av många konstnärer, såsom Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) och Paulo Röthlisberger (1892–1990), mycket strängt. André Ramseyer berättar att den senaste, under ett uppehåll i Paris, frestades att måla nonfigurativt, men lät det gå. ”Stående framför en skulptur av Marino Marini sade han till mig: ‘Det här är inget för oss.’” Beträffande Léon Perrin upphörde han att bedöma sin tidigare elevs verk som ”barnsligt, nästan fördärvat!”²

André Ramseyers vänskapsmålare, som Georges Froidevaux och Claude Loewer, som också övergick till abstrakt konst, stötte på samma oförståelse: publiken i Neuchâtel såg helt enkelt inte efter. Regionen Neuchâtel och Jura gjorde dock från och med 1950-talet ett spektakulärt inträde i den moderna konstperioden; bildhuggaren André Ramseyer var en av de första att våga lämna den figurativa konsten och gav sina förundersökningar av cirkeln en personlig dimension, även om hans arbete ekade Jean Arp eller Henry Moore (som han först upptäckte 1950 vid Berns Konstmuseum).

Dessa formella undersökningar blev allt mer innovativa, med risk för att såra Neuchâtels publikens känslighet som fortfarande var mycket ovillig för abstrakt konst. Så skrev Courrier de Genève 1960, efter avslöjandet av en skulptur på fasaden till Winterthur-bygget i Neuchâtel:

"För dem som är intresserade – och vi tror att det finns många – vill vi påminna om att det bronserade motivet på fasaden till byggnaden, gjort av skulptören Ramseyer, har titeln Envol (Flykt), vilket är bra att känna till."³ Skulptören ville återigen integrera verket i arkitekturen. André Ramseyer förklarade detta i Le Feuille d’Avis de Neuchâtel:

“För detta mycket moderna byggnad var syftet att välja ett enkelt motiv, lämpligt för utomhusbruk, synligt på avstånd och också för bilister, även för dem som kör förbi snabbt.” Jag valde ett spel av kurvor som, i kontrast, betonade byggnadens vertikaler och horisonter. Det var nödvändigt att skapa en stigande rytm som följde den stora uppåtriktade rörelsen i fasaden och den långa rektangulära väggen som skulle dekoreras. Jag vill betona att detta verk – som jag kallade Flykt – inte utgör något specificerat. Det är ett skulpturalt element där man endast ska se ett spel av former och rytmer. Modern arkitektur kräver modern skulptur.”⁴

André Ramseyer skapade ett otal monumentala verk och förde en dynamisk dialog med arkitekturen. Han var alltid angelägen om att integrera sig i platsens anda, leka med rummet, ljuset och materialen på dessa platser. Enligt Olivier Bauermeister genererar Ramseyers skulpturer "gradvis det utrymme som de behöver, i en obruten rörelse från början till slut."5

André Ramseyer fann en originell väg genom att variera cirkelns form och multiplicera den. För honom var ”kroppen är den vackraste av alla linjer...” Han gav även en central plats åt ”trollkarlen i tomrummet” som formar och genomtränger formen. De motsatta ytterligheterna av materiellt och immateriellt förenas där. Konstnären sade gärna att hans verk utvecklas i rummet, precis som rummet genomtränger dem. Han ville att de skulle ”stråla inifrån.” I sin monografi om konstnären från 1979 skriver Marcel Joray: ”former födda ur cirkeln, symbol för himlen, och ur kvadrater utdragna, symbol för jorden, multiplicerar sig. Cirkel kommer att bli den centrala formen i Ramseyers alla skulpturer, som strävar efter att nå tecknet, den andevidade materien.” Skulptören upprepar denna poäng (i L’Express, 31 januari 2004): ”I ett konstverk finns materia, utrymme, ljus, all färdighet man kan lägga i det. Men det måste finnas en extra, väsentlig dimension, som jag skulle kalla andlig. Konstverket sänder ut sina egna vibrationer.”

Cantata of Gates of Day-serien (1988-1990) tar en unik plats inom hans verk. André Ramseyer gick upprepade gånger förbi granitplattor som hans granne, en stenhuggare, hade lagrat vid sin verkstad. En dag kände han en drift att hugga arkitektoniska former ur dessa plattor och tillföra subtila gravyrer som en hyllning till materialet självt. Denna metod väckte oro hos många och till och med konstnären själv hade svårt med det.

André Ramseyer har gång på gång talat om sitt arbete, i intervjuer och föreläsningar. Han skrev också texterna till andra delen av monografin som gavs ut 1994 av Éditions du Griffon.