Sergio Romiti - Catalogo ragionato dei dipinti - 2019

Sergio Romiti. Katalog över verken i Sergio Romiti (Bologna, 1928-2000). 2 band med totalt 992 sidor, presenterar artistens entire arkiverade produktion (1.640 målningar reproducerade i svartvitt och 137 i färg). Förläggarkassett. I gott skick - marginalveck på översidan. På auktion utan minsta reservering!!!!

Sergio Romiti (Bologna, 14 april 1928 – Bologna, 12 mars 2000) var en italiensk målarare. Han tillhörde aldrig något konstnärsgrupp. Han började måla 1946. Från 1947 deltog han aktivt i konstlivet. Montale har beskrivit honom som “igenkännbar bland tusen”.

Biografi

Samma ämne i detalj: Socialistisk realismen.
Redan 1946 ägnar han sig åt måleri. Hans inträde i konstlivet dateras till 1947, medan hans definitiva konstnärliga dop sker 1948 när han ställer ut på den första Nationella utställningen av samtida konst i Bologna. En viktig utställning eftersom alla konstnärer i den mellangenerationen deltar (Birolli, Guttuso, Cassinari, Corpora, Afro, Santomaso, Vedova, Mirko, Fazzini, Minguzzi) och ännu mer eftersom den fungerade som ett förevändning för ett upprop av Togliatti mot den moderna konsten som en form av konst som inte motsvarar socialistisk realisms ideal. Efter denna utskällning delar konstnärerna upp sig: de som vill rädda det som går att rädda – som Guttuso – och de som vill tillskriva sig rätten – som Gruppo Forma – att tillhöra partiet men uttrycka sig på ett sätt som är nytt. Romiti tar ingen ställning, utan har varken krav på realism eller abstraktionsmåleri, och är inte medlem i partiet. Följande år ställer han ut på Roma’s Galleria del Secolo tillsammans med Vacchi och Barnabè. 1954 vinner han ett inköpspris på den andra upplagan av Spoleto-priset.

Han återuppträder på den italienska konstscenen och erhåller 1960 ett personligt rum vid Venedigbiennalen. Efter 60-talet kommer han att driva sitt konstnärliga vägval till yttersta konsekvenser. Trots att han aldrig lämnat sin hemstad, med undantag för en kort period och en tillvaro i annan ordning och ensamhet, beslutar han sig för att ta sitt liv den 12 mars 2000.

La Bologna di Sergio Romiti
Poetica
Utgångspunkt i en mycket personlig ny-picassism (första halvan av 1950-talet), påverkas Romiti av uttrycks- och poetikoden hos sin granne Giorgio Morandi. År 1954, i tidskriften Paragone, inkluderar konstkritikern Arcangeli - felaktigt - vår man bland de s.k. Sista naturalisterna. Målare med svårtolkad tolkning, man kan placera honom mellan Morandi och informell konst eller – som han själv brukade säga – mellan Morandi och Paco Rabanne. Faktum är att hans konst använder metaforen av objektet som prettext: objektet som observeras återges i verken filtrerat genom en mentala dimension som dominerar över vad som utgör startpunkten. Det upprepade objektet fungerar som destillerat och presenteras med en syrlig doft som sinnestillför känslan av nedbrytningen som jagas i objektet. Det nedbrytande angreppet blir systematiskt från 1955. Före dess data är den mentala och strukturella skalan av hans verk mycket stark. Efteråt tappas strukturen, objektets skiljelinje från bakgrunden blir mindre tydlig, kroppens kontur expanderas och destilleras. Självandringen, utanför objektet, börjar gälla färgerna också: från de röda köttmarknaderna 1948-1949, till blått och grönt i kök med hyllor, borden och senare i tvätterierna, når man 1960 fram till svartvit färg, ett konsekvent val fram till 1965, då färgstyckena och fälten nästan är helt svarta och bleka ljusglimtar i ett dämpat grått bryter vägen i en tunnel där konstnären har gått in irreversibelt. Nu är objektet uppslukat av bakgrunden, det går från objekt till tomhet, mjuka penseldrag bär ett lågt ph. Det är en resa som samtidigt driver dem i litterärt sammanhang Ungaretti och Montale, den sistnämnda författaren som kommer att beskriva Romitis måleri som “igenkännligt bland tusen”. Nu är det dags att konstnären slutar måla, kanske eftersom han upplever sig ha närmat sig det nollstadiet i sin poetiska bana. Men oförmögen att hålla sig borta från målning återgår han försiktigt och försöker fortsätta på redan uppenbart avbrutna spår 1965. 1976 är en viktig retrospektiv på vår herre i Bologna kuraterad av Maurizio Calvesi. Efter denna period, missförstådd avseende de sista verken, faller han i en bitter emotionell storm som avser i 2000 med sitt liv. 2006 organiserar Fondazione Cassa di Risparmio di Bologna en retrospektiv över honom, även med oanade verk. 2008 markerar 80-årsdagen av konstnärens födelse.

En senare läsning. Sedan 1960-talet försökte Sergio Romiti återta en plats i målningen som han kände var komprometterad av den dominerande konsten vid tiden – Informell. Han nådde gradvis en mer imponerande “gravitas” men behöll alltid i formen den “lätthet” – och till och med den “osäkerhet” – som klingat honom väl. Verken från tidiga 60-talen (naturligtvis förra seklet) visar oftast en mjuk grå färg med inslag av svart eller röd. Den uttalade motsättningen till informell konst ledde dock till anklagelser från vissa kritiker att han var “mot moderniteten”. Under decenniet blir hans målning mer uppenbart en – han behöll fortsatt en “etikett av att göra” även i trohet mot traditionella måleriverktyg och till och med i små eller medelstora format – en sorts grymhet i draget som visar en impuls att begränsa Informell utan att förälska sig i det Figurativa eller en kompositionsstruktur där formen framstår som nästintill geometriskt överlagrad på målningarna: formen förblir inbyggd och nödvändig för kärnan i kompositionerna där man kan uppfatta “bromsar” (och accelerationen och skärparna: dynamiken, kort sagt) som konstnären antytt i dessa verk som betecknades som “svarta” på grund av dess dominerande färg. De särskilda lagren och upplösningarna, de plötsliga upplysningarna eller mörkret i denna målning kan även indikera komplexa rörelser i psyket, med översättning av den inre aktiviteten som fått namnet “strömmar av medvetande”. Men med hänsyn till hans erkännanden i frågan avsåg Romiti då framför allt att utöva våld mot den “gråsten” där livet förlorar sin särprägel och riskerar att bli, just, bara damm eller upplösning eller aska som inte packats tillräckligt av konstnärens kritiska/formella ingripande, före det slutliga sammanbrottet som är döden, det vill säga före uppfyllandet (så fullständigt som möjligt) av den talang som varje människa föds med. Ändå verkar “dinamiken” i hans målningar ständigt vara den andra sidan av en attraktion som, likt den nästan motsatta mot Informeln, kan verka destruktivt på livet: i varje fall kan verkan ske som en annorlunda “rinoninerad” försök. Faktum är att om en eller annan impuls (den mer “ vitala” rörelsen, eller den “statiska” aska) blir överdriven, “utanför mått” eller om endast närvaron av det ensamma, faderslösa nuet dominerar över varje annan röst, då övervinner den nuvarande historiska perioden, enligt många studerande. Hos Romiti finns ändå behovet, debatterat och vitalt, att åter hitta objekten i “verkligheten” (redan “förlorade” i de mest vedertagna och igenkännbara formerna) som åter blir känsliga för hans Blick. Men under dessa år verkar då bara skugga och ljus ha tagit dess plats. Under hela 1970-talet dominerar i hans oljor en “fullständig närvaro av nuet”, med vad det innebär av aggressivitet. Under de senaste två decennierna står vi inför en ångestfylld tillvaro, svängande mellan ljus och mörker som målningarna uppenbarar, ändå uppträder de mindre dragna av en tydlig och mer radikalt “upplösande” uppfattning av livet. Det finns fortfarande “odyséen om objektet”, och ibland extremt – rörelsen (med “stolta antaganden”). Det finns dock, bredvid vissa överskridningar av känslomässighet eller något mindre “klarhet”, den starkt betonte anropet till en annorlunda metafysisk horisont. Faktum är att med återupptäckten av “införandet av målandet” där nutiden – aldrig ofrånkomlig – måste bli laboratoriet för andra tider i vårt leverne, har dimensionen av “att vara” blivit nu mer tydlig jämte det som, i motsats, skulle kunna kallas “blivande”. Denna dimension blir mer synlig i de senaste akrylerna, just i kraft av målarens vilja att återta, i största möjliga helhet, “hela verkligheten”: underground – och mer “eniga” och barnsliga fantasier, och tro på det transcendentala, och ännu rörelse och immanens – inklusive.

Källor: Kritiker Giovanni Maria Accame har nyligen presenterat några av Sergio Romitis verk vid Bologna Artistiska Circle under hans dödsårtiondels minnesår. Texten till presentationen är införd i en CD hos Cirkelns Galleri.

Ur G. M. Accames text “Det hotade balans”: “Sergio Romiti och framtidens bild”, av G. G. R.

Idag befinner de sig fortfarande i en så kallad auroral och amatörlig fas vad gäller användningen av det skrivna ordet. Därför känner jag mig mycket blygsam att kalla mig själv “poet” som skulle gå bredvid sin makes målningar med sina ord. Och ändå känner jag mig kallad att göra det – även med få exempel på vad jag skrivit, och utsatt mig för kritik för fåfänga eller värre – särskilt i vad som visade sig vara, under våra år tillsammans, en fundamental och ovanlig upplevelse av “relation”. Jag kommer inte att avstå från att driva mig till detta syfte längre än utan tvekan central båge (åren ’60/70) av “tankens fragment” som tas upp av Giovanni M. Accame (såväl som av Gisella Vismara) med så stor skärpa och delaktighet, för att våga mig fram till de sista åren av Romitis verksamhet (åren ’80/’90): år och arbeten mer improviserade, kan man säga, ändå genomträngda av en kreativ sökande som utförts djupt innan det verkar som om det försummats, och nyligen upplysts i en utställning under Michela Scolaro vid Fondazione Del Monte i Bologna. Dessa år, faktiskt – i verken som utvecklats under den perioden – som för mina ögon preciserar Accames uppfattning om “rörelsen” som verkar livna i verken. Och som producerar en fluktuation mellan innebörden av “dinamism” och den av “stagnation” (eller tidlöshet) i Varat, vilket gör upp en narrativa syntaks som inte längre är den klassiska konsten (liksom det inte längre fanns i tidigare verk): man verkar ha tappat “den röda tråden i berättelsen” och allt har blivit “icke-narrativt” (så säger Mario Lavagetto i hans “Quel Marcel!”). “Rörelsen” och “avbrottet” i Romiti finner en motsvarighet i de oändliga grenverk och transformationer av Jaget i Proust – för övrigt inriktad på att bygga en icke illusorisk “varaktighet”. Jag tillåter mig att hämta för Romitis målningar en kritisk parameter liknande den som så fruktbart hänvisades av Lavagetto, liksom att betona att hans vändning mot sig själv och sin egna universum, av någon kritiker anklagat honom för det (inte alls nödvändigtvis, särskilt för en konstnär, lyssnandet och till och med kärleken till sig själv?) sker också i honom för att mer djupt anta den andre och världen hos alla (“je ne suis pas moi” citeras av Lavagetto för Proust, likaså “je est un autre” av Rimbaud citeras av M. Scolaro för Romiti). Hans karaktär (lika så, delvis, tidsklimatet) bekräftas i de sporadiska och tillfälliga reflektioner som nu erbjuds läsaren (en slags “mindre språk” som Accame antyder) som hänvisar till både de större uttryck i hans måleri, till det hotade balansen i titeln. Men… hotat balans, just; inte förlorat. Kanske till och med bevarat för ett mer konsekvent förhållningssätt till verkligheten: Romiti har, faktiskt, så bekvämt “svängande” i förhållande till samtiden (och klassicismen) överfört genom sin konst en “fast bild av framtiden”, lämnar oss i arvet den konkreta